文　林鄉雨（2025年度專案評論人）

從文字轉化為音樂的詩意

這場不同以往的聲樂跨界多元演出，曲目是出自舒伯特（F. Schubert, 1797~1828）的聯篇藝術歌曲《冬之旅》（Winterreise, D. 911, 1827~28）。其中歌詞是出自德國詩人繆勒（Johann Ludwig Wilhelm Müller, 1794~1827）之手。這部作品，是舒伯特創作於他所敬佩的貝多芬逝世的那段期間，當時的他自身也處於健康每況愈下的黑暗時刻，在如此身心俱挫的狀態下，他被繆勒的詩詞中那些關於流浪、失去、死亡……這些帶著陰鬱色調的文字所觸動，而將之轉化為音樂的詩意，譜成了今日我們熟知的連篇藝術歌曲《冬之旅》。在那樣的時代背景底下，今晚這獨特的演出，將身處當代卻未曾謀面的兩個藝術家充滿詩意的靈性面，透過了今晚導演安德烈亞斯．海斯（Andreas Heise）的編導詮釋、女高音茱莉安．班斯（Juliane Banse）和鋼琴家亞歷山大．克里切爾（Alexander Krichel）的音樂、舞者伊斯特萬．西蒙（István Simon）的舞蹈，他們的共同創作令在場觀眾好似穿越了時空的限制，將那留存在作品中的詩意交織成了令人難以忘懷又充滿感動的瞬間。

今夜，女高音班斯豐沛獨具戲劇性的音色，或許不見得是臺灣觀眾平時所習慣的那種舒伯特輕抒情音色，但她的聲音富有金屬色調的飽和度，且中低音域的聲音漂亮、豐腴卻不令人覺得滑膩。她的咬字中，充滿了令人驚豔的故事性色彩，即便沒有這些舞蹈、戲劇和走位肢體，她的音樂詮釋都是雅致而有說服力的。而鋼琴家克里切爾的演奏，其行雲流水的觸鍵和乾淨透亮的音色呈現，時而如低語的微風，時而如融雪的小溪，應和著繆勒詩詞中的文字，他的琴聲如魔法般的存在，低調又悄然地沁入聽者的心底。鋼琴家與歌者和舞者之間十足的默契，讓觀眾不自覺地隨著舞台上的發生，走入了流浪者陰鬱的故事中，絲毫沒有察覺卻留連忘返在這樣沒有中場休息的長篇幅演出之中，演畢後才驚覺時間早已如沙漏般的流逝……原來，感動可以如此創作！

舒伯特《冬之旅》（上善藝術提供）

從藝術歌曲轉化為身體文本的詩意

今晚的這場演出，女高音與舞者共同走在肢體的文本中，連鋼琴家都必須不時地提供琴椅和鋼琴成為表演中的一部分，甚至是在演奏的當下讓出身體，提供舞者蜷縮於腿上而不受其影響地繼續演奏，是一個令人驚異而難忘的畫面片段。舞者西蒙更是國際知名的舞蹈家，在這個作品中的表演，顯示出他的美學立場——他在這個作品之中，並非單調地將舞蹈作為音樂的敘事再現，而是將舞者身體視為與歌曲平行的故事和情緒上的發展。在他深厚的肢體技巧基礎底下，他的舞蹈的中軸線清楚、下肢控制精準，又極少出現炫技式的跳躍，或延伸展示法，身體多處於收縮、內旋、低重心、反線條的狀態，有著極多專注在手部語言的段落。在這樣的演釋中，他所表達的不是一種當代芭蕾的形式，而是透過「身體被生命重量壓迫」的狀態，去展現在視覺和情緒上的壓抑感，表現出在繆勒與舒伯特的文字和音樂中的那種浪漫主義的孤獨精神。而透過與女高音之間的肢體配搭，讓音樂走的是故事中的心理空間，舞蹈則是呈現一種情緒上的殘影。

女高音在舞台上，也非固定站立演唱，而是持續運用身體傾斜、步行、退縮、停滯的走位肢體設計；在這之中還加上利用肩背與胸腔的動作表達其情緒，運用視線的避讓與凝視去製造出強烈的戲劇張力。即便這些動作不能完全歸為純舞蹈的形式，卻同樣地具備了強烈戲劇效果的身體語言。女高音班斯令人驚豔地以歌者之身進入了當代舞蹈的語言之中。

這樣的作品提供了藝術歌曲，不僅僅只能夠是作為舞蹈的情緒背景的一條新道路，而是更為深刻地使其成為一種有著清楚結構性和詩意哲學性的綜合藝術。其中女高音的表現更令人心生佩服，她不論在姿態、重量的轉換和身體的移動變換中，既能與舞者有著肢體的順暢交流，卻又絲毫不破壞聲音的支撐與氣息的穩定，更精準地將歌曲中主人翁的心理轉折，巧妙地轉化成音樂上的變化。歌者和舞者間所迸發出的新藝術火花，成功地讓聲樂不再是靜態文本詮釋，舞蹈也不再只是將音樂視覺化，而是使這兩個不同藝術的表演，並肩走入作品本身的詩意中。

舒伯特《冬之旅》（上善藝術提供）

古典音樂原作轉化為動作與劇場語言

將連篇藝術歌曲劇場化的概念，近年來開始受到臺灣古典樂壇的關注，但這樣所謂的實驗性演出形態，其實在國外形成已有段不短的時間了！近年在臺灣所呈現的「連篇藝術歌曲劇場化」演出，除了有著名英國男高音伊恩．博斯崔吉（Ian Bostridge）於2016年11月在臺中國家歌劇院，運用多媒體與劇場藝術呈現演出的《冬之旅》作品之外。在去年，也有臺灣詩人導演鴻鴻所精心製作的劇場作品《末日前的冬之旅》，當時搭配演出的聲樂家則是臺灣著名的男中音趙方豪。

而筆者在2012年間開始觀察所謂的跨界表演藝術中，其中也有一個在2013年4月的美國位於路易斯安那州紐奧良的馬里尼歌劇院（Marigny Opera House），由女高音安妮卡．奧爾森（Anneka Olson）和舞者兼編舞家瑪麗莎．梅爾卡多－納西斯（Maritza Mercado-Narcisse）以及鋼琴家戴夫．赫伯特（Dave Hurlbert）合作演出的舒曼（Robert Schumann, 1810~1856）聯篇歌曲《女人的愛與生命》（Frauenliebe und Leben, Op. 42, 1840）。這個與今晚作品一樣有著鋼琴、女高音和舞者的表演，也一樣運用了「椅子」擔任歌者與舞者間的劇場道具，但其中最不相同之處，在於2013年的表演聚焦在舞者本身，而歌者除了開場與結尾參與在肢體編排中之外，其餘皆是專注於演唱本身而沒有特殊的文本設計。

但今天的編舞與導演海斯，從他自己舞者的出生，到他之後於芭蕾舞劇和歌劇導演的廣泛性發展來看，如此的背景意味著他在創作上不僅僅是舞蹈動作設計者，更具備劇場導演的總體敘事呈現與視覺安排能力。另外，他在《冬之旅》燈光設計上，運用極簡的光影來補強舞台上的故事性。他不追求故事的表層再現，而是將作品中主人翁的情緒，與文字中的詩意，透過這樣的極簡處理，壓縮成為身體語言與音樂之間的對話，構建出全方位的舞台敘事效果。導演海斯在作品中模糊了聲音與舞蹈的邊界，將鋼琴家、歌者與舞者混搭於同一創作場域，賦予古典音樂一種嶄新的表演能量！如此強大力度的作品呈現，足以喚醒古典聲樂圈的表演創作者，乃至於教育領域，都可以重新思索對於未來的歌者在跨界藝術的培訓，和展演設計發想上的再更新！