非常出人意外地，當晚最動人的音樂時刻，反倒是音樂會最一開始，世界首演的梅宇軒《鯨落》：在這首小而美的一分鐘交響曲中，木管音群反覆交織，充滿拉威爾式的音樂光彩，三段體裁簡明而意圖清晰，不致過短。如此耽美的仿法音樂氛圍，才是我認為馬寇爾最擅長的風格。音樂演出真的不必總是動用史詩巨作，有時只需那一點點的，細緻的美。只要足夠地美，音樂再短都足夠。（顏采騰）

這場《靠近．荀貝格》獨唱會首先以樂曲安排為手段，做出扭曲／重塑荀貝格形象的第一步，未來的進一步可能，則是提出全新的音樂詮釋，使之脫離歷史時刻必然性的包袱，重新和大眾需求接軌。畢竟，「靠近・荀貝格」的方式，不只是我們主動走近那釘死於歷史時刻與學術象牙塔的作曲家，也可以是我們主動地解凍他、改變他，將他拉近（進）我們所處的歷史時空。唯有如此，才是避免荀貝格與我們漸行漸遠的唯一逃生口。（顏采騰）

當然，這場音樂會的表現並非100%的極致完美，這場獨奏會的鋼琴合作並非和他默契較高的吳菡或黃海倫，在合奏上有較多閃失，鋼琴演奏者本身失誤也稍嫌多，但這仍不損小提琴家技藝的極高造詣。黃俊文仍是近年曝光度極高的幾位青年小提琴家之中，最曖曖內含光，琴藝也最頂尖的一位。無庸置疑，黃俊文從不「炫技」，卻是真正的炫技家。（顏采騰）

所謂好的演奏家，正能夠超越時代性，並重新發掘、向聽眾傳達那些巧思與創意，《莫札特：鋼琴四重奏》的四位演出者皆是如此。在台灣，我們或許還沒有發展健全、演出頻率充分、足以走向世界的室內樂團體，但我們絕對有能夠演奏出頂尖室內樂的音樂家。（顏采騰）

單以音樂聆聽的角度而言，譜曲與演奏無疑十分精彩。但仍有一個問題值得我們深思的：在這個田野採集—發想—再創造的生產方式之下，《城市基音—啟程・臺中》究竟和現實裡的臺中市呈現出怎麼樣的關係？（顏采騰）

這場音樂會，我是透過YouTube線上直播欣賞的。少了現場的渲染力與氛圍，呂紹嘉的指揮予人與現場不同的感受。⋯⋯在線上直播的這端，一言以蔽呂紹嘉在《深刻・如歌》的詮釋風格，就是「對於流暢的迷戀」。（顏采騰）

在疫情禁令與線上大資本公司宰制的雙雙窘境下，音樂人也許還有自救空間，尚需極度努力的嘗試與發展。當然，線上多人的音樂演出無法也不該取代物質的現場表演，多位評論人早已在其他表演藝術領域上著筆論述，音樂想必也絕非例外。疫情終有結束的一天，但數位時代還會永無止盡地發展下去，線上多人的音樂直播演出要如何找出自己的「調性」，才是在《點一首歌給明天》的歌唱完之後，值得我們在每一個明天不斷思考下去的。（顏采騰）

詼諧曲（Scherzo）樂章則是當晚最佳的演奏。史坦茲在A段所添加的大幅音量突強突弱、速度變化空前絕後，猶如驚濤駭浪，效果極佳；若前二個樂章演得太過沈重拖沓，恐怕此樂章沒有辦法這樣演奏。視角大一點地來看，史坦茲確實會在大段落前後刻意留下較大的空間，使得音樂較不連貫。（顏采騰）

當然單單一場獨奏會本來就不可能完整地展開夜曲的全貌，重要的是顏華容看待、彈奏這些曲子的「態度」相當地健康，前頭提到的教育意義也正是在此：她似乎並無意要透過夜曲抒發個人的情感與審美觀（而像傅聰與白建宇便屬於這種類型），而是和觀眾平起平坐地一同思考，推敲曲子，讓這些音樂盡量如其所是地呈現。（顏采騰）