即興中的舞者和音樂家在找到特定方法時，往往會因為安全感而產生自信，隨著自信而表現自在。隨後，他們又害怕這樣的方法成為自由的牢籠，只能苦思變化。變化時，有時因為無法迅速找到著力點，索性任由混亂發生，拋棄方法，即興就這麼擺盪在兩種極端之間。以此文再探即興的第三種選擇。

「歷史的返視，評論的在場｣系列導言寫到：「每個時空下的評論生產流程不斷變化，因此評論不僅僅是對於作品的反響，更 […]

從《夜半鼓聲》、《我所經歷的性事》、《The Second Woman》、《非跳不可》，再回到《M，1987》，也是一記提醒：表演藝術的觀眾是如此重要，觀眾人口需要被培養、被重視。當表演場館越多、展演越爆炸的時代，或許也是新一波爭取新觀眾的契機。（羅倩）

對劇場元素或劇場作為一種再現機制的降低或還原（reduction）實則是本作品的重要概念，透過老歌歌詞下達指令，本身即具有多重意涵，除了曝露作者的權威中心，也暗諷八○年代白種人的、美國的流行文化輸出對世界影響之劇烈，以致這些舞者幾乎如喪屍般聽令行事。（王昱程）

開幕表演配上展覽，讓人反思亞洲舞蹈間可能的關聯……兩位舞者對世界文化遺產的重新調查，與運用當代舞蹈展演的實驗性形式，也讓人思考台灣舞蹈對傳統和當代議題的可能對話。（張懿文）

《半身相》反叛觀者的期望，意圖以「不舞之舞」和自我論述來激發觀眾思考性與想像力，卻在最後第三段即興出現了符合宣傳主題、觀者期待的雙人共舞。在作品的結構上，第三段的存在否定了第一段作品的獨立性，同時否定了第二段的自我論述。（楊禮榕）

最終的結束則交給觀眾來決定，決定權回到觀眾自身，自己可以選擇結束的時間、可以選擇對傳統的定義，而你所追求的傳統其實是每個人給與自身的定位。（連佳宣）

每一個印象，都是如此片段，有可供連結的邏輯，但也刻意地在聽覺的剝奪與燈光轉化的形式中，留下了曖昧。這樣的殘象與實相，確實也是所謂傳統或文化，或身體訓練，必然留下的殘象與實相。（劉純良）

關於傳統、關於身體、關於當代、關於跨文化，創作者本身「才剛開始」，所有懸而未決的「結論」無從出口，因此，交付觀眾，交付選擇。忠實虛假之間，《半身相》扮演空城計，取得了逸逃空間，但是否也讓自身陷於智與詐的詭祕處境？（紀慧玲）