《虫章虫郎》由三段落組成，包括了觀眾搶答、單人表演和聲音裝置。觀眾搶答的題目在各演出略有不同，含括歷史、法規、國籍等多元面向的問題。單人表演雖然篇幅不長，在文本和表演上卻有一定水準的完成度，並與觀眾建立了一種親暱的、友善的近距離觀演關係，也是此篇的觀察重點。（楊禮榕）

人物們幾乎以靜態般的移動節奏，浸入非日常的情境，猶如試圖召喚自身肖像中的「靈光」，回應樂曲開創的氛圍與時間性。（謝淳清）

在《原鄉戰歌~七日讀》中，大抵透過兩種方式來指認真實，一是透過簡化的方式，模擬早年與當代的原住民生活樣態，並以集體樂舞做結；一是透過意象表演的方法，如脫離原民元素的服裝與肢體動作，表現意境或心理狀態。⋯⋯更值得討論的，則是不在這兩種方式內可歸類的演出段落，它們是創作者需要多加警惕，或是本次演出中偶有靈光的時刻。（盧宏文）

不會太過低齡兒歌化的大量歌舞穿插運用，則是如果兒童劇團作品的美學特色。其次，大量兒童演員擔綱小精靈，以及不同人家家中等待禮物的小孩等角色，沒有刻意把這群兒童演員調教到過度誇張造作，讓孩子保留他們的自然可愛表演，這樣尊重孩子天性發展，也是戲劇教育可以給予孩子的禮物。（謝鴻文）

《2019柒樓必需小戲節》雖然製作的品質素樸，並充滿業餘痕跡，但這樣的「素」卻巧妙地幫助作品企圖達到的效果。那樣粗糙的生活感質地，讓「演」變成「不演」，也回頭過來讓我思考「不演」怎麼改變「演」的定義。（許仁豪）

穿透廣場的詩與歌。在肢體動作的高潮過後，表演者四處橫躺在地上不動，卻突然打破語言的靜默，從四面八方吟唱起來。歌聲與詩文字穿透人群與第四面牆，擊中筆者適才為了確保個人的觀看權利，置他人於不顧的舉動，擊中筆者日常中對於生存的焦慮與人海中的恐懼。（楊禮榕）

坦白說，這些作品很難在原著之外另闢蹊徑，因為風險太高、成本太大，劇本已經夠強了。也許中文在地化編修和導演、演員的詮釋造成些微差異，但不同之處遠遠未到創新的程度。可是，為什麼非得創新呢？（張又升）

《花姐的店》的出現，更重要的是讓人看見後面推動的團隊，在臺東所做的努力，就像花姐的店，對於離鄉之人，或是留下來之人的意義──當在地產業興起，就業選擇更多元後，它可以是個堅實的後盾，也可以是個讓人能繼續留下來的理由。（盧宏文）

如同《眷戀何方》的帶領過程，我也不禁同步在思考：在既有的教習劇場形式之外，我們要如何更無形地運用策略，如同尋找眷村當代意義一樣，找回教習方法裡更有機的「劇場」可能？（黃馨儀）