劉馬利（專案評論人）

探索、新奇、青春、想像、感性浪漫、當代思維、突破、第一次……；這些詞彙都可以很貼切地形容這場音樂會。

《狂想．不止》無疑是一場別開生面又充滿挑戰的演出，激盪出精彩絕倫的生命篇章。臺上的五位演奏家（鋼琴家汪奕聞、小提琴家魏靖儀與陳瑾瑒、中提琴家蔡士賢、大提琴家柯容軒）都是出色的臺灣旅外音樂子弟，皆為新生代箇中好手，身經百戰，屢屢在國際大賽中脫穎而出。因此他們不只演奏技巧精湛，對於音樂詮釋的敏銳度，更是不在話下。演奏室內樂的經驗，亦可從他們每一個人亮眼的資歷一窺究竟。雖說他們不是固定組合的重奏團，但那一晚他們展現了高度的團隊精神。

對「初次」的期許與突破

這場音樂會，首先登場的是出生於臺中、目前活躍於國際舞台的作曲家 —— 陳可嘉。《季節狂想》是她的第一首絃樂四重奏作品，誠如臺上演奏家的全新組合，這也蘊藏了「第一次」的期許，共同在音樂裡尋求突破。

陳可嘉在《季節狂想》裡，運用絃樂音色的變化，營造神秘而悠遠的意境。譬如第一樂章〈將要成為的當下〉，使用靠近琴橋（sul ponticello）所拉奏出的高頻泛音，勾勒出萬物滋長的過程，之後進入旋律性的段落，聽見飽滿的和聲，展現了聲響上的平衡感。四位演奏家用弓與絃連結了大自然的奧秘，對宇宙的想像，誠如作曲家的巧思；用藝術提煉自我心靈，也是對音樂的景仰、敬畏、熱情。

在第二樂章〈散落的片刻〉，陳可嘉用大提琴的厚實聲響，以撥絃奏呈現驅動音型，描摹飄零的景致。四件樂器在點描的音高與綿長的旋律之間，產生出飄逸感。而樂章的最後，四位演奏家悉心地營造出亂中有序的效果，確有感受到虛實共生且相互參透。在第三樂章也是以充滿活力、層次分明的表現出顫動的想像，彷彿就是四把絃樂器的觸感神經體驗，也是游移在虛與實的探尋。四位演奏家們整體的表現，將作曲家精心的佈局表現得淋漓盡致。

對「創新」的演繹與想像

音樂會中的第二首 —— 舒曼的《降Ｅ大調鋼琴五重奏》無疑是整場音樂會的重頭戲；這點光看音樂會名稱「狂想・不止」就能意會，也應是所有演出曲目中較為人所熟知的作品。對於舒曼本身與鋼琴五重奏形式而言，這首作品亦有「第一次」的意義，因為《降Ｅ大調鋼琴五重奏》不僅是舒曼「第一次」創作的鋼琴五重奏，也為鋼琴加入絃樂四重奏的編制，成功地揭開序幕。

舒曼利用鋼琴與絃樂音色的異質性，交織出精彩的對話，既富有交響化的豐富聲響，也保有室內樂的親密細微。很明顯地，五位演奏家深諳作曲家的創作思維。鋼琴的存在，除了是四把同質性弓絃樂器的延伸與拓增，更利用樂器各異的聲響效果，激盪出豐沛的聲響能量。整體來看，在五位作曲家精心的佈局下，所有具對比性的力度與織度，皆拿捏得宜，滿足聽覺上的立體感與完整性。再從細部推敲，每個聲部都有獨立自主的特性，每個動機發展的脈絡皆縝密處理，有志一同地帶領觀眾抽絲剝繭，進入浪漫主義的篇章裡。

從第一樂章「華麗的快板」第一主題的上行音型，在聲響上就展現出全然的豐富性，果決而俐落。汪奕聞的琴聲頗具包容力，不但給予聲響上的支撐，更激發了所有聲部的音樂張力。而第二主題由大提琴帶領，柯容軒的拉奏充滿了自信與活力，與蔡士賢的中提琴形成輕柔優美的二重奏，確實掌握了舒曼情感豐富的浪漫風格。

五位演奏家深知舒曼在音樂裡強調鮮明的對比性，他們小心翼翼地處理每一個緊密的和聲、阡陌交錯的旋律線、明確的主題動機，並逐步將曲式結構擴充。他們充分展現出情緒的抑揚頓挫，用節奏、音型、織度、演奏技巧大幅擴展音樂的格局，讓樂曲具有高度的統整性。第二樂章如同送葬進行曲風格，展現出小提琴與大提琴的平衡性，讓附點音型的主題不斷以各種形式重覆出現。進入激動的段落（Agitato），鋼琴則用三連音推動的凝聚力，使用同樣的主題，彷彿進入一個嶄新的境地；之後各組絃樂聲部再依序出現，回應鋼琴的三連音聲響，相當引人入勝。

第三樂章的詼諧曲，有大量的快速音群，考驗每一位演奏家的穩定度以及運音 （articulation）的精準度。在第四樂章「不太快的快板」最終段，以賦格的形式再現第一樂章的第一主題，更是挑戰五位演奏家的耐力與智慧，在他們的演奏下，使得所有音符皆圓融飽滿，每一個樂句也濃郁沉穩，確實構築了堅實的聲響感知。

對「青春」的回溯與抉擇

《狂想．不止》室內樂音樂會演出的上半場，是由陳瑾瑒演奏第一小提琴，下半場則是由魏靖儀擔綱第一小提琴。而下半場的兩首作品：魏本《慢板》與康果爾德《E大調鋼琴五重奏》，雖不似舒曼《降E大調鋼琴五重奏》經常被演出，但這五位演奏家用純粹而成熟的技巧演繹，表現出晚期浪漫風格的音樂美學，也藉由這兩首作品回溯兩位作曲家在年少時期的浪漫情懷，頗具說服力。

《慢板》是魏本二十五歲的作品。此曲不似他後來成熟期的「無調性」與「十二音技法」作品的惜音如金，反而是旋律蜿蜒而細膩的伸展，優美而綿長，但也如同他的晚期作品，有著精巧的格局。第一小提琴的份量顯得較為吃重，許多音樂的張力與細枝末節，魏靖儀都處理的相當有層次性。

至於《E大調鋼琴五重奏》，則是康果爾德二十四歲的作品。他使用豐富的和聲與音色變化，對於演奏技巧有極高的要求，也需要聲部織度的平衡完整，因為每個段落都是有機的組織。整首樂曲在五位演奏家的演繹下，時而經營出深遠、層次分明整體感，時而像是小提琴與鋼琴相向互行的二重奏，時而在各聲部之間產生細膩微妙的對話。相信臺上的他們與臺下近乎滿座的觀眾，都充滿著無與倫比的共鳴與感應。

雖說這五位音樂家個個身懷絕技，對於室內樂的演奏經驗豐富，演出品質也很令人驚豔，但有時因為演出場地的限制，難免稀釋掉一些現場演出的能量。畢竟國家音樂廳場地太大，很多室內樂的獨特聲響無法充分與空間共鳴；而泛音也是聽覺上相當重要的一環，是音樂與空間對話的結果。雖然很多重要的細節仍能清楚地被聽見，但所產生的共鳴很容易飄散，尤其舒曼的作品講求層次性與對比性，在大廳演奏反而無法充分感受到音樂飽滿的張力，在聽覺上有時似乎稍顯渙散。

但整體來說，這是一場令人耳目一新的音樂會，表現出五位演奏家們對於「狂想」的共通點，也代表人生各種必經的抉擇，包括這場音樂會的選曲、用什麼樣的方式回應作曲家的樂思，又要如何用自己的方式經營每一個起承轉合，是以回歸原點為核心精神。

這五位演奏家用音樂做了最美好的抉擇。正當安可曲 —— 蕭泰然《原住民組曲—終曲​》的樂音響起時，現場滿溢著對土地的感激與對音樂的堅持。的確，他們都是時代的菁英，以民族的血液為標誌，共同扛著浪漫主義的大旗，在當代持續尋求古典的突破。相信時代的巨輪，也在那晚一連串的狂想之中，悄然邁進了一大步了。