如果說要用一個詞語形容這個作品，我心中只有「勇敢」兩字。（劉俊德）

如果人們每一秒都在創造歷史，那我想談談在這個後疫情時代裡，身為表演工作者的人、創作者們，甚至觀眾有什麼樣子的改變？我試圖從此舞作中，去觀察這個時代造成什麼影響。（劉俊德）

在艋舺國際舞蹈節呈現的舞作，或是新創作，或是既有作品，無論何種性質，空間都大大地影響了舞作。這些作品在艋舺戶外場地演出，將成為一個特別的戶外版、天橋版、草地版，可能並非作品的原始構想，需改變表演方式以適應此特定環境，也可能限制了依地新創的作品未來於他處展演的適應性⋯⋯（陳盈帆）

《苔痕》是德國Peculiar Man及臺灣FOCA福爾摩沙馬戲團的共製作品。傳統雜技表演常有「段落區分明顯」的特性，此次透過舞蹈劇場形式，將前述特性做了昇華，提高作品整體性，也向內探索馬戲演員的特殊性，「如何讓新馬戲獨當一面」成為作品的主體。（劉俊德）

重新回溯自身的歷史，藝術觀點反而可以更清晰，而回溯的過程恰似重新審視自己最貼身的經歷，《工尺鼓詩》巧妙地與本次臺北藝術節「共享吧」另一場的實驗創作──葉名樺的作品《SHE》一樣，重新審視了個人的身體歷史，而這些身體史恰如曾走過的殖民記憶，探討什麼樣的身體訓練內化成如今的自己，再一次，兩位編舞家用實驗性的舞蹈思辨互相對話，演繹了歷史、記憶、傳統與傳承如何成為討論當代創作不可獲缺的養分。（張懿文）

簡而言之，在創作這件事上，多數創作者都期待作品本身可以與觀者有所對話，無論是現場表演，抑或是靜態畫作、裝置、影像等等各種類型的作品。回到身為觀者的我，保持開放與好奇是重要的，但也莫忘懷疑也是重要的對話方式之一。笛卡爾曾說「懷疑是智慧的源泉」，當觀者對於接收到的訊息有所疑惑，便會有所提問，「對話」進而開始。（劉俊德）

當在同一個時刻看表演者表演兩次相同的橋段，表演者狀態會有些許不同，你會去比較、去思考有什麼不一樣，也鑑於觀眾觀看的狀態、角度不同，可見感受上也有所差異，這些都是我認為時間上最直接的影響。但由於「不同」，所以我們品嚐到的新鮮感並無減少，反倒是我們更有時間與機會去回應作品所要傳達的意義。（劉俊德）

舞作不長，談的內容清楚，那些浪漫中，連最悲傷的時刻都只是一場雨罷了。我彷彿感受到創作者的個性，甚至可以說認識一部份的他。（劉俊德）

關於即興我們難以定義對與錯，大多只能主觀地提出自己認為好不好看，但在這邊我想先撇除「好看」與否，單純地觀察即興表演者怎麼處理每一個當下，甚至去看「誠不誠實」。（劉俊德）