舞蹈系所舞團的年度展演，背負著不同於一般藝術創作的功能，更多的是教育工作的意義。⋯⋯《奪》以整合的劇場美學與抽象化的敘事，展現臺體於現代舞、芭蕾舞與中國舞方面的教學成果，以及師生同心的團結氣氛。這樣的劇場美學與師生情誼，也正展現了臺灣舞蹈高等教育系統的傳統。（李宗興）

但於前輩演員而言，似因劇團的教學性質與劇本編排之故，而使表現上顯得「安全」——找不出致命性的錯誤，演員實力亦如常發揮，只是身為觀眾，總會希望前輩演員們在深厚的實力上能夠再多一些亮眼的、甚至是炫技的演出，讓演出更為精彩、並超乎觀眾期待，也讓不同世代的演員有更強勁的交流。（蘇恆毅）

能夠互相襯出彼此的演出特色，更是難事，更讓這些老戲並非成為新秀演員的練功場，而是他們的表現「重新成就」這些老戲。同時，正因演員基礎紮實，使之在不同的劇目、甚或是跨行當的演出上都有相當傑出的表現，也讓人期待他們未來參與各類演出的表現。（蘇恆毅）

在結束獨舞後，舞者消失在舞台上，卻出現在即時投影裡並且不停地詢問：「你們有聽見我的心跳嗎？」，對我來說，這個片段反應了舞蹈藝術的當下性——舞蹈的迷人之處在於舞者當下所呈現的靈光，而一但離開了舞台、離開了當下的時空背景，就再也感受不到彼此之間的心跳了。（石汶欣）

《觀看的方式》一書中約翰‧伯格（John Peter Berger，1926－）提出：「我們的知識與信仰，會影響我們觀看事物的方式。」在未能全面觀看時，個人已會從自身視角（鏡頭）產出了一套論述，再經由具備凝視者霸權的錄影機決定被觀看者的露出面向與詮釋後，事件的全貌便經過了數次的擷選難以客觀呈現⋯⋯（莊漢琳）

在媒體入侵的當代，以影像作為中介的虛擬關係，已讓身體從此落入質疑。舞者緩步拍攝並播放身體影像的過程，因而是鏡像階段（mirror stage）的反身模擬。肉身的存在，轉而成為鏡像期（mirror stage）的虛構幻影。影像化的主體，正在成形。（謝淳清）

即便台灣版的《媒體入侵》可能未觸及瑞典版欲深入的議題，但對臺灣觀眾而言，已經是大膽而直接地將視覺遊走在觸覺上。⋯⋯舞者們於此處展現了臺灣編舞作品少有的質地，那種戲稱為「很歐洲」的身體，在現代化／全球化的臺灣身體上依然成立，這或許印證了Marina於節目單的宣言⋯⋯（陳盈帆）

這些嘗試，值得鼓勵，也希望能引導觀眾對劇場有更深切的期待，但，或許是因為台灣當代劇場「非政治性」的性格特色，創作者在素材與形式的選擇上，對觀眾參與的期待與設計，都較為保守，避免太過尖銳的提問或衝突，或者以娛樂的訴求減輕對觀眾（或演出者）的心理負擔，《我們與惡的距離》大約也是最具代表性的範例。（陳正熙）

整體而言，這仍然是一場別具意義的製作。利用IP與議題帶起的潮流，應該能或多或少擴大劇場觀客群，甚至可以達到影視與劇場版本互相加溫的效果。劇場版也加入了現場即時投票決定不同結局，以及讓現場輿論被投影到舞台上的環節，在「感受輿論」這點，劇場版自然達到比影劇更加迫切的效果，這是劇場的優勢。（張敦智）