文　黃廣宇（2024年度專案評論人）

近年戲曲跨界作品輩出，雖說「跨界」或許是商業考量下的產物，但這一類型打破藝術界限的作品，若能與新生代創作相結合，無非是新生代戲曲演員除了傳承外，另一條展現自己的新路。而《逝》由目前仍就讀於國立臺灣戲曲學院歌仔戲學系，年僅二十一歲的青年歌仔戲演員蔡宇倫獨立製作並身兼導演，以自身阿嬤蔡吳秀花的故事為發想，運用現代舞結合歌仔戲；音樂亦非傳統文武場配置，鑼鼓點大量減少，配合編劇打破傳統戲曲七字正格的唱詞，增添許多西樂，讓整體如同音樂劇表演，企圖打造不同藝術載體的對話。破繭初生的新作品，從「舞台／現實」、「戲曲／現代舞」、「新生代製作／新觀眾」，多重空間的交纏，也令筆者不禁思考，作為獨立創作的第一部作品，之後該如何開創新意？「新生代」創作的戲曲展演，是否能長久運用蔚為風潮的「跨界」？

歌仔戲現代舞並陳　詞舞聲演均勻和諧

本齣戲以主角蔡吳秀花（林芸丞飾中、老年的蔡吳秀花，許家綺飾少、青年的吳秀花）的生命進程做為劇本核心，描述被賣到戲班至登台、喪父至喪偶、再次託付感情又被拋棄等生命曲折情節。編劇邱佳玉運用五場戲的篇幅，將這具有本事根源的歌仔戲演員生命史，透過虛實並陳的時空，加上舞者的肢體語言，渲染內在複雜情感。然而綜觀全戲，無論是演員配置（兩位戲曲演員、三位現代舞舞者）或是舞台美術，皆十分簡約。但在導演蔡宇倫的調度下，透過簡易的光影點綴，讓舞者的抽象符碼與歌仔戲演員的抒情唱念，相得益彰地給足角色內在情感的想像空間。

例如序場，舞台上遍布起伏的黑色紙袋如同隱喻著人間「塵世」，光影微亮，舞者掙脫身上的膜，宛如未知的「初生」踏入塵世；轉入第三場，登台後青年的吳秀花，面對親人的生離死別，演員一連串慌張神情，不斷斬斷舞者遞上的「束縛」絲帶，宛如暗示纏繞於內心，無法根除的心結創傷，最後結合戲曲「走圈」身段，似乎表達不斷地追尋未來，卻也難以掩飾的失落；第四場，兩名舞者相親相愛、若即若離，看似美好實則悲戚。由上述可見，導演似乎僅是運用舞者「拼貼」出全戲的情感厚度，導致現代舞與戲曲演員表演似乎各成一區，觀眾無需藉由舞者的表演，來感受角色的內在複雜情感。這也使筆者思考當代戲曲強調「導演畫面感」與「演員表演性」平行並存的情況下，《逝》加入現代舞的跨界元素，是否為這齣戲所必備？倘若面對兩種共同有運用肢體抒情的藝術特質，似乎考慮的並非運用何種元素輔助表演，而是更要思考如何「緊密融合」不同元素打造戲劇效果。

逝（蔡宇倫提供／攝影徐欽敏）

至於歌仔戲表演方面，演員林芸丞著實將主角年輕時「哭袂出聲」（khàu bē tshut-siann）的收放、中年時的堅韌，最後收束在老年「厭倦了搬演他人的悲歡苦樂，說一擺咱家己的故事，意如何？」的看破，表演層次分明。這類型如苦旦戲路的角色，卻因編劇打破傳統七字正格的唱詞書寫，讓演員在複雜的情緒狀態中，跳脫歌仔戲常見的【哭調】表演方式，轉向音樂劇般寫實的表演張力。這也呈現出劇本語言旋律的改變，連帶使前後場演員與樂師，為更強化詞情，調整表演節奏和曲調和弦；在不失傳統【七字調】、【南倍思接落背】、【哭調】、【月夜思情】等韻味中，讓這齣小劇場作品，展現詞（劇本）、舞（現代舞）、聲（後場音樂）、演（歌仔戲演員）的相互均勻和諧，進而烘托本事情感。

跨界突破表演形式　首當思考戲曲本質

多數「戲曲跨界」作品，皆須面對戲曲「程式性」的藩籬。若將「跨文化戲曲」視為題材跨界的作品，常見戲曲程式性成為調和西方文本，打造獨特的東方戲曲效果的策略；但倘若是全新創作的題材，戲曲演員常是運用自身行當身段重新組織角色，以符合角色情境，導致內心情感容易放大，反倒忽略外在情節流動。然而如《逝》這齣戲，僅有一位角色人物，劇情情感充沛，戲曲演員固然有極大的表演空間，但當加入跨界元素，突破演出框架後，戲曲本質又剩下多少？筆者認為，種種疑問在第二場〈盜仙草〉一折中得到回應，看得出來新生代企圖突破表演形式與跨界，但難以拿捏其比重。

逝（蔡宇倫提供／攝影徐欽敏）

第二場轉入少年時期的吳秀花，因扮演白素貞成角。別於戲曲既有的主角與龍套共同拋槍、對打的排場，導演改由舞者與吳秀花，運用舞者肢體帶動花槍，形成互相對打的武戲。如此場面調度，雖在既有的歌仔戲套路上，作出屬於新生代創作思維的突破；舞者肢體與演員也著實塑造「力與美」的畫面感。觀照故事「成角」情節，似乎要呈現一個演員展現個人功底，及其所擁有的「成角」的表演能量；但顯然加入現代舞元素，導致表演形式產生質變，這變相地犧牲演員自身的功法。重組過後的戲劇效果讓舞台整體場面氣勢有些不足，無法讓觀眾深厚感受一個演員「成角」的表演能量，實屬可惜。或許「跨界融合」在《逝》這齣戲是未竟之功，但不可否定的是新生代創作者敢勇於挑戰既有框架。若能夠精準運用跨界元素強化歌仔戲，或許能有更耳目一新的詮釋。

如今2000年後的新生代創作者逐漸崛起，傳藝中心亦有「青年展演平台」與「出角－歌仔青世代」等屬於新生代創作之補助計畫。戲曲界注入一股活水，固然可喜，但新生代創作者也會面臨到「突破」與「承襲」的壓力。從《逝》的演出，可看出身兼導演與製作人的蔡宇倫，匠心獨具，試圖調和歌仔戲與現代舞兩種元素，勾勒出屬於新生代的歌仔戲。但令筆者憂心的是，若要長期獨立製作，除了累積作品讓觀眾看見外，首當其衝的是表演風格不能永遠大同小異。倘若多是實驗型作品，似乎該思索如何運用表演形式、劇本、音樂、舞美來強化所製作的劇種特色？「融入」、「拼貼」多種元素的「跨界」形式絕非長遠之計，觀眾亦會疲乏。或許能反向思考，往「原汁原味」靠攏，保有戲曲既有表演模式，運用2000年後新生代的創作思維，讓破繭初生的「新生代戲曲」並非揚棄傳統，而是追求更宏觀的視野，運用作品打造兩代戲曲觀眾與演員的審美對話。