當今舞蹈進入美術館，對我們而言已經不是件陌生的事情；而作品本身的空間與建築提供的空間如何產生碰撞或聯動，我想是值得觀者去探索的部分。

《我在這裡》是由編舞家張忠安所帶領的滯留島舞蹈劇場之作品，並於臺北市立美術館當期展覽《藍天之下｜我們時代的精神狀況》中展出，且此作品為單純現場演出，每場演出內容也不盡相同。在《藍天之下｜我們時代的精神狀況》文宣品上的描述「想表現出活展覽具一種激活性。」我想表演是名副其實「活展覽」；至於「激活性」，就得看作品是否能從觀者之間的對話產生出來。

演出時間一到，舞者一列出來，面向落地窗，牆壁貼著一張告示「觀眾可調整舞者的肢體」呈現出時針與分針，可惜告示於空間中顯得渺小，一開始觀眾就讓出整個走道給舞者，似乎沒人發現，因此多數人是由現場工作人員說明，才得知如何參與。而告示也清楚寫出「舞者會依照觀眾調整的時間，做出他們在這個時間下的日常。」當舞者「跳」完一段日常後即回原位，等待下一位觀眾互動，才會再開始。

這場演出裡面，多數是由小孩去「調撥時間」但也感受到小孩沒有完全理解指示，已經將舞者雕塑成各種樣子，卻也形成一個有趣的反射：「我們如何控制時間？」、「我們如何想像時間？」、「我們如何做時間？」……等。因此，也增添一些幽默感在這個作品當中。

回到作品結構中，我當下觀看的角度多半放在作品重複形式、舞者的即興及空間與作品的關係。重複這件事放在此作品中，我認為只是歸零的符號，並無太多強調的表現，但因為重複疊加了舞者表演的安全感，因此可以發現舞者的動作越來越接近作品本身想傳達的「日常」，也能在每一次的結構即興中越來越自由，觀眾便能更輕鬆的進入。再來想談作品與空間的對話。當此作品放入美術館中，在冰冷且挑高的長廊、大理石地板與大面落地窗之上，創作者選擇用色彩鮮明的服裝先將舞者（素材）放置上去，故開頭即製造出一片相對的空間，卻也直接的畫出舞台與觀眾的區域，直到觀眾得知能與作品互動後才逐漸打破；但除了互動之外，觀眾的位置、如何觀看是否有被放進作品中？這部分對我而言稍嫌沒有太多的處理。不過有趣的是，這樣的感受反而巧妙的把作品放在美術館，我可以經過它，我也可以認真的觀看它，更顯現觀者個人的喜好與自由，以及如同我們看靜態作品時的好奇與直接的主觀。然而若要看見作品與建築本身空間的呼應，我認為較無產生出特別的摩擦。

簡而言之，在創作這件事上，多數創作者都期待作品本身可以與觀者有所對話，無論是現場表演，抑或是靜態畫作、裝置、影像等等各種類型的作品。回到身為觀者的我，保持開放與好奇是重要的，但也莫忘懷疑也是重要的對話方式之一。笛卡爾曾說「懷疑是智慧的源泉」，當觀者對於接收到的訊息有所疑惑，便會有所提問，「對話」進而開始。