劉馬利（專案評論人）

一走進劇場，就隱約感應到一股神秘力量——映入眼簾的，是以黑白色系為基調的舞台設計，頗有儀式感。觀眾被安排坐在舞台的兩側，舞台上有七張椅子與七個譜架，面對面地排成橢圓形，置於兩側觀眾席之間。

當七位演奏家出場時，直接就定位並開始調音。全場沒有掌聲，大家似乎都很有默契，深怕打破眼前的寧靜氣氛，但空氣中就是有一股隱隱的騷動，宛若心中懷著電光火石，驅使著眾人的好奇心。

音樂、舞蹈與影像的圓桌會議

在這七位演奏家的位置裡，是將絃樂四重奏定位在橢圓形的短邊兩側葉緣，古箏與笛簫、阮置於橢圓形的長端，遙遙相對。如此的眺望關係，是讓講求和諧對稱的西洋擦絃樂，與強調形、聲、韻的東方絲竹樂，儼然成為對峙的態勢。加上擴音的效果，讓整個實驗劇場像是多了立體聲道環繞音響；各種樂器之間的異質性，反而激盪出音樂的張力，達到一種聲響平衡感。整場六十分鐘的演出，除了帶出了音樂劇場的概念之外，音樂、舞蹈、影像，彷彿在這個空間裡開起了「圓桌會議」，也開啟了眼、耳、身三種感官，去解讀、詮釋、回饋聲音的共感。

自 2019 年以來，由兩廳院所主辦的「新點子實驗場 R&D 計畫」，就是用自由實驗的精神反覆辯證，再以紮實的演奏與創作技巧為基礎，勾勒出具有觸感、立體性的觀賞經驗。而今年的音樂節目——三個人《催化效應—融．共感》也是將各自獨立的藝術元素，催化、相生、加速融合於一體，相當具有實驗性與藝術性，的確令人耳目一新。

催化效應－融・共感（國家兩廳院提供／攝影張震洲）

用三首新創作，構成一幅三聯畫

本次演出包含三首全新的作品，分別是呂佾庭《瓶中花》、林煒傑《众．㠭》、黃苓瑄《催化》，而這三首作品可謂各自精彩、各有千秋。一氣呵成的曲目安排，貫注了連續性，猶如一部三聯畫作，或是一齣戲劇作品中的三篇短故事。每位作曲家用自己的語彙來詮釋一段衍生、催化的過程，實為一個脈絡清晰卻又阡陌交錯的叩問、探詢、思辯、實驗、延伸，彷彿讓人聽聞到一座融合共感的「音樂千層塔」。

國內優秀的三位青年音樂家——郭靖沐、潘宜彤、任重所組成的「三個人」，在本作中擔綱創作團隊。他們邀請了四位絃樂演奏家張家倫、曾敏青、江婉婷、張智惠共同演出，並與視覺藝術家李浩、舞蹈藝術家小得，以及呂佾庭、林煒傑、黃苓瑄等三位新生代作曲家一起合作。他們用各自的專業，共同成就了一場具實驗性的演繹，讓音樂走在永恆的時間軸裡，產生出抽象的空間感知。這除了是聽覺上的驚喜之外，也產生了某種精神上的魅惑。

整場演出相當流暢，一氣呵成，並善用場域氛圍建構出一股飽滿的內聚力。換句話說，作曲家透過音樂裡所形塑的「指令」，不只成為聲音的藍圖，也是聽覺與視覺的觸媒；這個「指令」賦予音樂一股磁力，將所有原本各自獨立的符號聯結起來，像是花的生命、容器、延展、扭曲、眾聲喧嘩、寧靜致遠、催化等等，同時整合了所有片段的主題意象。整場聲響與視聽的設計，使用非線性敘事的理念，強調意念的一致性，因此糊化了時空的疆域，猶如經歷一場場夢境接力，令人感受到頓悟的驚喜。

用七件樂器，激盪出張力與對比

本次演出的七位演奏家，已在各自的領域耕耘多年，個個身懷絕技，早已建立出良好的口碑。無論是「三個人」或這四位絃樂演奏家，皆擅長演奏當代音樂，更是許多新創作的首演者。透過這七件樂器異質性的組合，實為一組室內樂的呈現，也像是競奏／協奏般具有對比性。

而這七位演奏家以特殊的演奏技法創造獨特聲響，他們彼此面對面、使用平板閱譜器，同時背對著觀眾，因此我們可以窺見他們錯綜複雜的樂譜，也感受到每一位演奏家不僅對於自己的聲部熟練，也將總譜研究得相當透徹。於是他們能夠循著音樂脈絡，不斷交換彼此的能量，同時表現高度的統整性與協調感。

催化效應－融・共感（國家兩廳院提供／攝影張震洲）

第一首曲目是呂佾庭的《瓶中花》，開頭由笛吹奏出音域極高的長音，抑或是由泛音產生的虛音，之後古箏再撥奏出點狀的音符。接著，絃樂四重奏用各種技法營造出特殊的聲響，如滑奏、撥奏、手指拍打琴板、琴絃等，試圖以豐富的音色組合，逐步暈染出立體的效果，描摹出花的生命氣息與各階段的變化。此時的多媒體投射出高山流水的影像，產生一種空靈意境，又像是一個有機的生命體。其中，舞者小得身穿白衣、頭戴黑色面罩，穿梭於這個橢圓形的舞台，像是遊移於各種聲音元素的精靈，精準地傳遞音樂律動，彷彿是用身體架構出存在於宇宙間的超自然意象。筆者認為，呂佾庭的音樂設計十分縝密，在聽覺上是神聖而莊嚴、幽微而廣遠的。

接下來的曲目是林煒傑的《众．㠭》，也就是「眾」與「展」。其中的「众」，根據《甲骨文字集釋》的解釋：「字从日者，蓋取眾人相聚，日出而作之意。」另就字面上來看，就是「三個人」的意思。至於「㠭」，根據《説文解字》的解釋是「極巧視之也」，再就字形上來看，就是「四位工匠」或是「四人合作」的意思，在這裡不正是指「絃樂四重奏」嗎？由此可見，這首曲子的訴求不但是純粹音樂的再造、聲響層次的堆疊，更緊扣七位演奏家的特性，是為他們量身訂做的作品。

催化效應－融・共感（國家兩廳院提供／攝影張震洲）

第一首曲目是呂佾庭的《瓶中花》，開頭由笛吹奏出音域極高的長音，抑或是由泛音產生的虛音，之後古箏再撥奏出點狀的音符。接著，絃樂四重奏用各種技法營造出特殊的聲響，如滑奏、撥奏、手指拍打琴板、琴絃等，試圖以豐富的音色組合，逐步暈染出立體的效果，描摹出花的生命氣息與各階段的變化。此時的多媒體投射出高山流水的影像，產生一種空靈意境，又像是一個有機的生命體。其中，舞者小得身穿白衣、頭戴黑色面罩，穿梭於這個橢圓形的舞台，像是遊移於各種聲音元素的精靈，精準地傳遞音樂律動，彷彿是用身體架構出存在於宇宙間的超自然意象。筆者認為，呂佾庭的音樂設計十分縝密，在聽覺上是神聖而莊嚴、幽微而廣遠的。

接下來的曲目是林煒傑的《众．㠭》，也就是「眾」與「展」。其中的「众」，根據《甲骨文字集釋》的解釋：「字从日者，蓋取眾人相聚，日出而作之意。」另就字面上來看，就是「三個人」的意思。至於「㠭」，根據《説文解字》的解釋是「極巧視之也」，再就字形上來看，就是「四位工匠」或是「四人合作」的意思，在這裡不正是指「絃樂四重奏」嗎？由此可見，這首曲子的訴求不但是純粹音樂的再造、聲響層次的堆疊，更緊扣七位演奏家的特性，是為他們量身訂做的作品。

催化效應－融・共感（國家兩廳院提供／攝影張震洲）

兼容並蓄、共感相生、爾後悠然自如

在端午連假期間，同時面臨當前疫情的考驗；三個人《催化效應—融．共感》能夠連續舉辦四場音樂會，仍有不錯的票房成績，實屬不易，也證明當代藝術展演仍有一群固定的支持者。

而在演後座談中，透過李浩、小得、林煒傑、黃苓瑄，以及「三個人」的分享，讓人對於「催化效應」有了更宏觀的解釋與多面向的視角——其實就是以不同層次的重覆，再透過緩急有序的影像變換，讓相同的節奏形態在不同的拍號裡輪轉。於是就算捨棄旋律、罷黜和聲，聽眾仍舊能從音樂找到脈絡，進而引起共鳴。

催化效應－融・共感（國家兩廳院提供／攝影張震洲）

此時，筆者感覺如同置身於一個渾天儀當中，親身體驗催化過程中所產生的一連串化學反應。而在這個氣場裡，是以音樂為圓心，再外推出生命的力道，衍生出層層疊疊的繽紛漣漪。於是心中開始有了另一番感悟：理解，不如感受；知天地之足，不如窮至大之域；迷亂不能自得，不如兼容並蓄、共感相生，爾後得以悠然自如。