文　張瑋珊（特約評論人）

過去十多年間，國內音像作品從視覺藝術的創作角度，開始轉移、擴散至非典型展演場域，更透過各種形式與媒介，與其他藝術領域交互作用、擦出多彩火花，不管是具實驗性或是發展成熟的創作，皆為台灣的藝術能量累積豐厚的創造性。音像作品總是充滿著絢麗感，不僅在視覺效果上抓住觀眾的眼球、更於聽覺設計上刺激觀眾的感官脈動，所以藝術家的素材選用、比例拿捏、如何佈局、創作概念是否切合實際呈現等考量，便涉及藝術家的美學觀點、關照藝術層次的深淺，而2024 NTT Arts NOVA 張方禹╳韓承燁《December Nite》就是一部值得探討的創作，本文並分別以製作概念、聽覺內容兩方向進行探討。

翻開節目單，呈現著上乘之選的製作名單，不經嗅出創作團隊對於作品所祭出的誠意，但成員們彼此合作能否達成加乘效益，才是創作最關鍵的火花。再者，受委託的藝術家於各自領域有相當亮眼的表現，真有其必要性——亦即端出這樣的黃金組合，實際展演卻僅流於華麗的聲光視覺表象，空洞的內容敘事、匪夷所思的聲響脈絡，不僅撐不起最初的創作美意，更是可惜了舞台上的器樂演奏家、人聲表演者，連同台下的觀眾們，僅是來陪主創者享受在沈浸過去經驗的「自我」裡？

December Nite（臺中國家歌劇院提供/攝影李建霖）

節目單的節目介紹，委外邀請寫作者透過訪談方式，從主創過去經歷書寫起，也對於創作影響等細節有諸多著墨，當描述著藝術家張方禹擅長雷射的段落時，文中便不斷提及他可以做到精準控制雷射，寫道：「由歌劇院委託創作的《December Nite》，其中一段就是將直徑3公尺的『環』吊掛在中劇院旋轉，雷射由觀眾席射向舞台，精準的打在『環』上、讓觀眾有如浸漬在光浴之中。 」這句「雷射精準打在環」上的文句，曾出現在多篇發佈的新聞內容，以及歌劇院臉書宣傳文案中，難道，藝術家「雷射很精準」也算這個作品的主要賣點？

對於擅長雷射技術的藝術家而言，在作品中想達成某種藝術性的設計，技術到位本來就是基本條件，且作為高度專業的項目，卻只有精準與技術被拿出來不斷強調、對於此作品的設計思考僅就短短文句——「希望展現出雷射的線性、 精準與純淨，同時與影像、投影、煙霧、音樂相互連動」帶過，無深入補述的情況下，一來觀眾看完描述，還是無法理解雷射創作意義，二來這段簡略文字與演出無法引起有效的連結，因為雷射本身就是線性光束、對於空間距離設定也得仰賴人工技術的精準度，且過去幾十年之間，早已有其他國內藝術家的雷射創作能夠同時與影像、投影、煙霧、音樂相互連動，如果主創的設計動機只想達到這幾個目的，實為可惜，若藝術家可從「環」與雷射創作源起、發展脈絡談起，相信能帶來更深入的創作觀點。

音樂創作領域中，依目的性粗略分成幾種發展方向，例如有搭配戲劇文本的配樂、也有純粹透過音樂敘事、創造出具氣氛感的背景音樂、或是搭配視覺創作相應而生的聲響設計等，不管是作為前述的哪一種，都需要經過的均衡的結構設計、思考整體聲音佈局，得以發揮聽覺張力。為此，作品應具備明確的聲音發展元素，亦即讓音樂設計脈絡是具一致性，而本場演出是由多組短篇樂段串連而成，許多段落未能適當的設計「聽覺終止」，樂段收在漸弱的電子聲響，接著幾秒鐘的空白後，再由器樂開啟另一種「樂句文法」，敘事邏輯相當凌亂、既突兀也不連貫，這類聽覺現象不僅出現段落與段落間，也發生於器樂演奏與電子音樂銜接處，彼此未能相互呼應的情況下，中斷了觀眾聽覺情緒和節奏感，大幅降低演出的流暢度。

December Nite（臺中國家歌劇院提供/攝影康志豪）

再來，音樂內容空洞的尷尬感，其一來自於織度設計的缺陷、聲部間互不交流對話，加上前一段所述，其語句前後不連貫所造成的聽覺組織弱化，於此無法駕馭空間場域。如一開始鋼琴主旋律不斷於重複單音、固定上、下行分解音程、琶音這幾個模組進行，即便左手加入給予和聲色彩、弦樂四重奏各聲部加入，後續帶入電子聲響與音效，三組聲音加疊後如同平行線般，聲響各自表述，無重點可言。

其二來自於器樂、人聲素材設計缺乏有機性，主創於作品介紹中，曾提及欲「在低限與減法概念的聲音創作中，開啟劇場觀眾的感性知覺」，而低限音樂的能量作動是來自於聲音設計上有機且規律的動態發展，即便作品裡的器樂句法素材看似低限，若未能發展下去，又急著安插電子聲響橋段，別說加入器樂與人聲後能夠期待增加音樂效果，各聲部聲線在無法充分發揮的情況下，便讓全曲的組織充滿諸多矛盾與衝突。

聲音本身具抽象性，讓聽覺敘事素材組織成有力的詮釋、兼具言之有物並非容易之事，主創者對於音樂創作具備藍圖是首要，但在落實想像畫面、並發展成聲響間彼此互迴關係是需要縝密的思考，才能夠讓台下觀眾的聽覺心理有所參與，進而產生「共感」效果。