作為首齣以同志情慾為題的歌仔戲劇作，《斷袖》應可說是未演先轟動。無論自藝術性或社會性來看，都顯見劇團的高度企圖心，演出細節的微調也看出劇團精益求精的自我要求。

比較台北首演版與高雄重演版，董賢父母改為純粹獻聲而不出場更凝鍊；劉欣的天人交戰改為第二次才有歌隊扮演心魔，使原顯重複的段落產生層次。至於結尾荻無疆與劉欣亡魂出場次序的調換，或許是雛鳥情結作祟，臺北首演似乎較優，臺北首演安排劉欣魂魄會董賢後，荻無疆被殺，喪鐘音響正式宣告劉欣的死亡，繪出的董賢情感曲線圖由焦慮到期待至痛心到絕望（董賢亟欲守候於重病愛人身邊的焦慮感在劉欣幻影出現後攀至高峰，荻無疆象徵一絲希望卻迅速幻滅，喪鐘則是最後一根稻草），堆疊出萬念俱灰的「生有何歡、死亦何懼」氛圍，情感濃郁；高雄場則感覺步調整體變快，荻無疆救人失敗很快遇害，亡魂告別很快離開，董賢心碎很快自殺，看似較具邏輯性（摯友先死摯愛再死，由心痛到心碎）的安排，卻少了跌宕的轉折力道，過度流暢的節奏反而一恍神即過。

若再以性／別角度切入，則可調整之處仍多。如開場的鳳凰女神設定固然使演員的性別轉換更有意思（女性扮演反串女人的外柔內剛男人、親姊妹扮演同性戀人），但董賢排斥被視為女性（厭女情結？）、劉欣對「美女」的一見鍾情（第一眼就見到本來面貌的董賢而愛上不是更呼應「愛本自然、無關雄雌」的主旨嗎？），彷彿對同性戀的下意識抗拒；下半場的吃醋論，固然也可說是反映世俗觀點，卻仍給人刻板印象。

而高雄首日的音效狀況差更影響整齣劇的品質，合聲唱詞首句往往無聲，幾乎令人懷疑是歌者遺忘；最後一幕戲本應感人至深，麥克風卻也隨著董賢的摔跌在地毫不客氣的轟鳴作響，甚至聽見後臺人員催促「快點」的細語透過麥克風傳出，再容易入戲的人於此刻要不出戲恐怕也挺困難。並非要責怪劇團，相反的，為其可惜的成分更重，臺北首演狀況絕佳，足可確信產生了相當程度的社會擾動，能至南部演出、擴大影響本令人欣喜，預期公視播出後效益更大，若因物理環境不佳損傷成效，豈非太冤，儘管預演時再三小心猶可能產生突發狀況，仍提醒劇團日後演出時多留意。

首演後半年內即加演，隔年又由臺北轉戰高雄，觀眾的熱情相挺大約已說明了《斷袖》的成功，其於藝術性上勇於嘗試又不忘初衷，故能使新編調奠基於傳統調上、以崑曲身段修飾動作仍保有歌仔戲固有的腳步手路，整齣劇的創新元素成為不可分割的部分，真正「一體成形」而非強披隨時可拆卸的跨界外衣；然其真正值得肯定者，實應在於其社會性。其劇情確實浪漫又香草，乃至稍嫌「灑狗血」，但仍感瑕不掩瑜：不可否認傳統戲曲於劇情上於觀眾群上都較「傳統」，一心戲劇團卻敢於挑戰此無形框架，「誘引」觀眾看見並同理「異己他者」，如前述達成一種「擾動」，已具指標性意義，故事的唯美化，或許是為達成此一目標的「必要之惡」。劇團於節目冊中自陳致力思考一個歌仔戲團可為社會做什麼，而其端出了《斷袖》這個成果。這不可以是一種社會運動嗎？歌仔戲終歸是教忠教孝的。