過去幾年，台灣國際藝術節以及香港藝術節陸續嘗試原創歌劇製作。台灣錢南章《畫魂》、《落葉‧傾城‧張愛玲》（分上下半場，上半場是德國作曲家佑斯特譜作的40分鐘小型室內歌劇）以及香港陳慶恩的《蕭紅》，故事皆以女性為主角，且《落葉‧傾城‧張愛玲》、《蕭紅》皆以室內歌劇形態創作，降低成本之餘，力求小而美。

《蕭紅》2013年於香港藝術節首演，今年10月31日、11月1日隨「2014香港周」來台演出兩場。《蕭紅》登台，藝術節主辦單位抱有期待，如同香港藝術節行政總監何嘉坤所言，台灣民眾對於文學具有高度興趣，應該更有機會被主題吸引。然而蕭紅這位只活了三十一歲的民國女作家，在普羅大眾心目中，比不上張愛玲以及《畫魂》主人翁潘玉良的知名度，近來雖因許鞍華電影《黃金時代》稍顯提升，但由湯唯主演的電影後勁不強，蕭紅對於一般大眾還是陌生名字。

蕭紅的故事，觀眾是否熟知，雖與歌劇製作成功與否，理當沒有直接關係。但當蕭紅三十一年人生濃縮在七十五分鐘的舞台上時，觀眾能否跟著劇情鋪陳而走進蕭紅的戲劇性人生，這個前提相形變得很重要。

先來談談歌劇與舞台劇形態的差異。歌劇在以音樂為本的情況下，對於故事的陳述，多半抽取精髓，直接命中文本中幾個戲劇性的高點，重點刻畫。至於舞台劇的對話可以絲絲入扣，任何過場可一磨再磨，言語的抽象、劇情的破碎可變成一種風格。兩種藝術類型在此有很大差異。

歌劇《蕭紅》中，明顯可見編劇意珩是以舞台劇的手法進行歌劇的鋪陳。整齣歌劇文字使用趨於抽象，雖然試圖以詩意營造氛圍，但用詞甚為拗口，提高入樂的困難度，導致許多段落，作曲家陳慶恩只好選擇以宣敘調處理。宣敘調使用過多的結果，情感和戲劇性大打折扣。

如果整齣歌劇只以蕭紅生命的某一事件或階段為主軸，觀眾的理解力或許比較容易聚焦。但是，《蕭紅》野心很大，刻畫的是蕭紅的一生，究竟希望觀眾看到怎麼樣的蕭紅？甚至為何要以蕭紅作為創作題材？導演和編劇必需進行交待。然而蕭紅本非觀眾熟悉的人物，編劇給的提示又不多，觀眾欣賞到最後，大都僅留下一些片段印象。

序幕，蕭紅走向生命盡頭；第一幕，她逃脫傳統婚約，愛上報社編輯蕭軍：第二幕，與蕭軍不時發生磨擦，魯迅的出現指引她道路；第三幕，蕭紅懷孕，作家丁玲規勸她去延安，她拒絕而前往香港；尾聲，在香港結束人生。在這種敘述鋪陳下，整劇終了，挑起的是更多的疑惑：蕭紅的文壇地位？她和蕭軍結合的理由？她和魯迅的關係？她的懷孕？她為何選擇香港？香港藝術節為何要挑選此題材，創作這齣歌劇？

《蕭紅》是意珩首次的歌劇創作，也是陳慶恩第一齣歌劇作品。音樂上，由於陳慶恩出身國樂，他在西方室內樂編制中，加入笙、琵琶和二胡等民樂。劇中民樂器明顯的獨奏片段，具畫龍點睛的作用。譬如角色內心的糾結與不安，以琵琶的輪指加強戲劇效果；二胡的綿長琴音，襯托情感的動心起念。

第一幕，蕭紅對抗傳統的媒妁之言準備逃婚，在此陳慶恩讓歌隊唱出樣板色彩極強的農村樂，象徵一種舊時代思想的禁錮。場景一轉，蕭軍出現並與蕭紅一見鍾情，成為拯救她逃脫傳統、迎接新時代的救贖。在此，作曲家巧妙將現代樂的旋律與農村樂進行交疊對位，透過現代樂風唱出自由與新生命。

陳慶恩的音樂，雖然不時有精采鋪陳，但在聲音處理上，似乎可以更大膽。或許因文本已預設框架，歌唱的部分多半為獨唱，缺乏重唱等其他形式變化。譬如蕭紅與蕭軍的磨擦，應可透過重唱的設計，凸顯貌合神離的狀況；蕭紅對魯迅的崇拜之情，以及魯迅對於蕭紅的欣賞，也不妨藉由重唱「隔空」對話。

《蕭紅》的舞台由曾文通擔任設計，台上一池水展現他的高明手法。序幕，由女高音鄺勵齡飾演的蕭紅，雙腳踩入水中，此時的她正邁向人生的盡頭。水在此有許多影射，可象徵她漂泊的人生終結在四面環海的香港。水也可以被解釋成河流──那條位於哈爾濱的呼蘭河，它串連著蕭紅與家鄉的關係，她無論如何掙扎，總是脫離不了自己生命的根源。

香港藝術節當初委創《蕭紅》時，抱持一定的使命，包括提供香港年輕歌手一個練功的舞台和表演的機會，若以香港音樂櫥窗的角度觀察此創作，聲樂家的確維持在一定的表現水準，尤其是飾演蕭紅的鄺勵齡，從聲音、肢體至情感均到位。

平心而論，當前版本的《蕭紅》未達成熟，還屬於初胚，尚待修整細節，才能趨於完善。明年香港藝術節再接再厲，委託陳慶恩譜寫另一齣歌劇《大同》，沿用多位《蕭紅》的歌手。有了《蕭紅》在前，《大同》往前的步伐要如何調整，應該可引以為鑑。