《大家都想做音樂劇！》場景設定為攝影棚，觀眾進場時舞台上有工作人員忙著打點事情，這樣的戲前戲讓觀眾一進到現場就能感受到作品的氛圍，在觀賞時也能更快速的進入作品。觀眾適應空間，同時演員也在感受今天觀眾的氛圍。演前須知拋棄冷冰冰的字正腔圓，改以說唱歌曲熱鬧開場。在工作人員的引導下，藉由「掌聲+尖叫」的字牌和觀眾建立默契，這樣的小互動非常有趣。

另外一個演出中與觀眾很重要的互動─投票，也是《大家都想做音樂劇！》最主要的一部分。由OD（曾志遠飾）主持的「大家SHOW」錄影現場，一出手票就賣光光的藝術總監李宇君（詹喆君飾）和新銳作曲家Brian（蔡恩霖飾）兩方激論 ，以音樂劇在觀賞或製作時常見的問題提出各自見解，同時進行現場觀眾投票。我們觀看、我們參與，觀眾彷彿一同經歷了音樂劇產出的提案會議。

不管是哪個選項，都無法保證選擇了哪一邊，觀眾就會買單，票房就會大賣。這一篇想談的是關於四個問題裡，在選項背後的共同價值。

一、題材選擇：想看小情小愛小清新，還是取材歷史事件。看似一大一小的選項，任何一邊，探討的議題都離不開人性。慾望、情感、迫害、抗爭，而這些歷史上不斷重演的事件，依然持續發生在當代社會。要加入時空穿越或靈魂交換的情節也無不可，最重要的核心還是「要說什麼事？」，創作方想要藉由事件提出什麼樣的觀點？作品能不能提供對話的空間？想要對時代、對人類拋出什麼樣的質問？觀眾買了票，就是進來看：你要說什麼？

二、原創或經典歌曲：選擇量身打造的原創歌曲還是如《MAMAMIA》由流行歌曲組成的Jukebox。原創有原創的新鮮，經典歌曲有著無可取代的神聖地位，就像每個台灣人心中都有自己認為第一名的滷肉飯。要在劇情中安排適合的歌曲，選曲、改編的難度不亞於寫出原創歌曲。音樂像是長長的樓梯，順著樓梯恣意起舞，穿越山林，都只是為了讓想說的話傳到彼端，這裡的彼端，是觀眾。

《大家都想做音樂劇！》2020版本劇照（唱歌集音樂劇場提供／攝影Kito Li）

三、傳說中的字幕機：「星星」還是「醒醒」？詞曲咬合牽動著觀眾聽覺接收結果，日常對話都會出現聽錯詞、會錯意的誤會。歌詞加上樂器、旋律的堆疊，大腦來不及辨識聽覺所接收到歌詞裡精闢的針砭，失去了文字本身的力量，像是一桌山珍海味，狼狽吞下了許多東西，卻想不起來珍饈的滋味。《大家都想做音樂劇！》工作人員用字卡和觀眾互動，影像設計用影像控制觀眾，如果字幕成為影像的一部份，那麼字幕機的角色興許就有趣多了。

四、唱歌和說話的比例：人本來就會唱歌、跳舞，藝術乘載了超越語言所能表達的情感。一直唱歌或一直說話，都會讓聽覺疲憊。歌曲出現的時間點，是否更優於說話以推動情緒的表達？只是為了唱而唱，那麼去聽金曲大補帖就能得到滿足，好好說話與把歌唱好同等重要，如同上述第二點所提：都只是為了讓想說的話傳到彼端。

《大家都想做音樂劇！》所提出的四個問題，都與觀眾緊密相關。身為觀眾，也很好奇投票結果和時間有沒有影響，去年和今年有沒有不同？午場和晚場有沒有差異？演出團隊本身又怎麼看待這些數據？

詹喆君所飾演的君姐，歌聲嘹亮暢響，遊刃有餘地駕馭各種不同曲風；蔡恩霖深情卻不煽情，充滿魅力的轉音，分寸掌握得剛剛好；曾志遠像是香料，即要製造衝突，又要當潤滑劑，還得肩負與觀眾互動的任務，一句「現在沒有百老匯了」，說得令人感慨萬千。觀眾保持距離的參與現場，讓作品在可控範圍內把事情說清楚，還能得到觀眾及時的回饋，觀眾也因為互動環節的設計與作品產生連結，更容易引起共鳴。

劇場這條路，總是磨人心志，即使困難重重，依然願意投入全身心去拚搏，唱歌集音樂劇場喜歡音樂劇喜歡到做了一齣音樂劇來談音樂劇。就像張清彥所飾演的觀眾，即使身上只剩下八百塊要活到下個月，生活捉襟見肘，戲票一張八百塊卻是毫無猶豫的買下去，對任何表演團隊來說，能遇到這般熱情觀眾的支持，再辛苦也都值得了。