Eisa Jocson的《身體計畫》已有不少人闡述其性別意識與操演，這篇主要做的是補遺，其一是Macho Dance裡音樂的時代性，其二則是詢問作品Corponomy如何透過回顧與現場性、形成論述，最後則是獨立藝術家帶著作品移動的策略。

在台北藝術節，《身體計畫》歸屬於「共想吧」之中，開宗明義，思考、討論、溝通，是「共想吧」的要點。以《身體計畫》來說，除了演出，也包含了工作坊與創作對談。當然，有工作坊與創作對談並不意味著作品有著強大的論述能力，畢竟任何作品都有可能有工作坊與創作對談。在此我主要還是把作品被擺在「共想吧」視為一個小小的指標，細看「共想吧」，其節目的挑選與相應內容的操作，存在著溝通或者論述議題的渴望，而我認為《身體計畫》也提供了許多思考的空間，且作品本身就有著論述的企圖。

以Macho Dance在台北演出的操作為例，如果對比Corponomy影片中Macho Dance使用的音樂，其實有相當大的時代差異。台北場的音樂，幾乎完全著重在軟調性的芭樂情歌，以及陽剛的搖滾樂，但其實透過Corponomy的影片，看見的Macho Dance，還包含了嘻哈、電子音樂等等樂種。在台北場Macho Dance的音樂裡，恍惚間會感受到類似台灣美軍俱樂部可能有的氣氛，大量可翻唱的英文歌，也很像是雙城街的老派Pub會出現的橋段。在冷戰架構下，美軍駐軍與當地流行文化的關聯，其交纏似乎恍然可見。刻意選擇老派芭樂歌與搖滾樂，為作品定錨了運用音樂向前回溯的時間點，當然，這是一種全球化的狀態，但更多的，我認為也暗示了展示男性氣概中的特定幻想與時代性裡的政治意義。

從音樂的差異去強化與理解的政治性，牽涉了作品發展的時間性，這正好也是Corponomy讓我感到相當滿足的地方。在Corponomy當中選擇的作品，除了線性的敘述與作品本身的影像紀錄，也包含了Eisa Jocson的學習歷程與田野紀錄，對於「文字性」的論述，或許在演出中稍微粗糙地直接以文字傳達，然而影像的編年與檔案播放的方式，是相當有意識地回應著文字的論述。例如鋼管舞中爬上公共空間的旗竿，其對公共空間的侵襲，配合著文字更有著力點。與此同時，Eisa Jocson應該也深深了解作為表演者的自己，是她擁有的最大武器，在影像的輪番／並時播放中，她在現場選擇的動作與節拍，並置了此刻的時間與當時的紀錄，於是並置一方面是影像性的，例如不同的Macho Dance學習過程，另方面也是時間性的，是此時此刻的Eisa Jocson對當時的身體的回應、補遺、附註。

以身體回應身體，以身體的回應來製造論述，我認為是這個作品最有潛力也最深思的部分。從文字開始，進入影像的邏輯與身體的回應，再慢慢導至現場的演出、互動、嘲諷，觀眾一方面觀看藝術家線性的成長與變化，一方面透過現場的身體去理解前作與後作之間可能的連續性，以及藝術家在摸索過程中逐漸拋棄的（至少，不打算在這個演出中呈現的）。例如對公共空間的侵襲從鋼管舞後就消失了，然而學習舞蹈的身體，以及轉化空間與象徵的創作增多，都是例子。

Corponomy的影像紀錄對於現場觀眾而言，也是較為方便（理解）的媒介，對時間與行動有種仿若在場的想像，又或者多了幾分（虛構的）「真實性」，尤其是攝影機的畫質粗糙時。縱使攝影機的視角永遠有限制，且視覺僅只是感官的其中一種，在影像紀錄、創作交錯播放、現場身體三者之間，不同層次的視覺內涵，確實有彼此對話的空隙。

這個空隙是什麼？我覺得還是來自肉體活生生在場的Eisa Jocson。是她身體的此時此刻，讓過往有了一個相對的位置。也因為現場身體對過往身體的回應與重現，讓她作品的關懷核心得以浮現，不管是國族、身體、節奏、文化意義上的核心，都鎖在她的身體之上。從解釋性的文字過渡到表演性的語言，身體與影像的互動關係逐漸過渡到現場的身體，這對我而言相當令人振奮。這個過渡的過程，說明了表演及紀錄之間，不一定需要長篇大論的語言，觀眾也可以試著理解演出者的身體知識如何成就為此時此刻，而這身體知識的展現與回顧，也是論述的一種。

最後，這兩個作品都有些小地方值得獨立藝術家參考，其一是兩個作品舞台設計上的刻意簡單，這讓移地發表的可能性大大增高。其二是媒介的可親程度，在Corponomy的影像轉換上，只需要最低技術的螢幕動態擷取，就可以一小部分地讓觀眾從創作者的角度去看見影像。一台筆電在手，身體準備好時，都可以依著不同地點而微調Corponomy的呈現內容。媒介的技術程度降低，作品的完整度仍然足夠，孤軍奮戰時，把形式想簡單些，或許作品本身的意義更能清晰浮現。但當然，一切還是需要創作者清晰的思考，Eisa Jocson對身體的現場性，以及身體的現場性能勾引出什麼困惑、愉悅或思考，有一套自己敘述的脈絡，讓智識與心智的構成不至於阻斷現場的氣氛，這非常難得。