張又升（專案評論人）

吳梓安的《虛舟紀》素材豐富、色彩斑斕，影像行進過程零散，卻折射出一條穩固的主軸。從台灣獨特的濕熱氣候所導致的身體不適出發，導演依序呈現健身（包含復健）、身體治療（尤其是拔罐）和懷孕（以及孕婦的身形）三類現象，並以宇宙、生命和神祕學說作貫穿。這些身體因而不只是任意的存在，還是特定幾何形狀的具體化：健身的舉重器材、拔罐的器具和肉身隨後留下的圖案、乃至孕肚本身，都跟圓形或球體脫不了關係。在雜多的現象背後，原來藏著一套本質密碼。

值得一提的是，觀眾欣賞作品時，還能感受到導演在身後的「表演」正為影像內容添加更豐富的元素。如果習慣面朝前方，凝視單一投影或螢幕，我們可能會受到這些光影、動作和聲響的干擾。但當它們達到一定程度，我們也會懷疑起眼前影像中的若干層次，是否為導演即席製造的結果──轉頭一看，吳梓安果然正在使用紙張（書頁？）為光束製造閃爍的暗影。

台灣國際紀錄片影展 現場電影《虛舟紀》（台灣國際紀錄片影展TIDF提供）

由於文宣直接列出音樂家姓名，因此相對於「現場電影」，觀眾第一時間得知的，反而是這些作品的「現場配音／樂」性質。在下午的場次中，吳梓安於播放的頭十秒鐘內即因技術問題而重新來過，雖然略顯尷尬，但因為影音皆已播出，我們反而能在正式（也就是第二次）播放時，明確感受到小幅差異，「現場」難以重複的特質於焉浮現。

聲音部分，由丁啟祐的（軟體）合成器首先發出。儘管循著事前編好的樣式前進，仍需緊抓影像的發展加以對話，個別聲線屬於「小聲→大聲→小聲」的型態，佐以類似倒放的效果，影像後半部則漸漸傾向音牆式的噪音。相對於此，劉芳一的彈簧聲響（經過部分調變）在影像中後段才稍微明顯。聲響方面類比與數位器材的互動，應該能進一步跟影像方面膠卷和更多當代技術的交融來對話才是。

如果吳梓安的作品看似零散、實則一貫，那麼黃邦銓的《紅茶時光─通照光》正好相反。雖然全片整齊地泛著昏黃的古色和緩慢的節奏，內容卻是一派悠閒和不太連貫的現代寫意手法，我們可以見到畫家洪通的作品及其故鄉南鯤鯓的風情，包括鹽田與工作中的蚵農。最後，則有頗幽默的黃邦銓和林強泡茶沖片的反身片段。當兩人給那壺茶撒下一包白粉時，不知有多少觀眾戲劇性地聯想到砒霜？幸好鏡頭拉近，我們看到瓶罐上「Soda」的字樣。

正是在此，大家從影像的內容來到製程。不待映後座談的介紹，缺乏背景知識的觀眾或許已經能猜到，這是一種相對老派的沖片技術，或至少在化學原理上，是一種簡約而有趣的沖片替代方案。當林強看著膠卷上的片段，這些片段又顯出看著膠卷的創作者，層層疊疊、世世代代，影像就在這次的放映主題「濕熱」、「記憶」和「膠卷」三者之間流轉更迭，返舊卻也復新。

台灣國際紀錄片影展 現場電影《紅茶時光──通照光》（台灣國際紀錄片影展TIDF提供）

大概是巧合吧，不只黃邦銓作品和吳梓安的氣質相反，林強和丁啟祐、劉芳一的聲音設計也有同樣狀況。當《紅茶時光──通照光》以茶壺和茶水點滴揭開序幕時，林強的聲響便直接指涉水滴；稍後取樣洪通本人的話語和民俗祭儀的聲響亦然，概念都是讓聲音返回其載體或發聲體──水聲對應茶水，話語對應洪通及其畫作，祭儀聲響對應鑼鈸等器樂──聽者便於聯想物件或聲音發出時的具體環境。丁、劉的造音思路與此相反，他們的聲音和聲音載體無涉影像內容，意不在領人進入特定時空，而是為了跟影像的氣韻匹配。上述特色讓林強的「現場配音／樂」具有可預期性，對於一般聽眾而言也更友善；至於丁啟祐和劉芳一的操作，則更講求偶然性和聲響編排及音色上的特殊性。

總的來說，上下兩部作品，無論就取樣素材、創作風格，還是影音即時互動的邏輯來說，可謂既對比又互補，不同風貌盡收單場放映。更有意思的是，它們擴張了觀眾對「現場」和「表演」的想像：「現場」不只是觀眾參與、接收的當下，還包括母帶的在場──黃邦銓使用的膠卷不是拷貝（事實上也很難拷貝）──儘管這不是最狹義的錄影當下，但跟複製品相比，已是「第二現場」；「表演」也不專指創作者將作品端至觀眾眼前的行為，發生在空間的一切，凡與影像的生成與改造有關者──吳梓安在觀眾背後大動手腳──皆是表演的一環，只待觀眾被誘發，進而尋找之。

再一次，我們處於錄像藝術和表演藝術之間的模糊地帶。在當代進步技術和思維的不斷刺激下，既有的分類體系並非無效，但或許在將來，最單純的錄像和表演反而才會成為概念光譜上的極端，甚或常態之外的異例。我們等著看。