文　林鄉雨（2025年度專案評論人）

導演尚米歇爾．克奇與製作團隊的美學整合與詩意呈現

NSO這次為廣大樂迷在盛夏季節中所帶來的，是華格納（Richard Wagner, 1813~1883）在德勒斯登時期，創作的三部浪漫歌劇之一的《飛行的荷蘭人》（Der fliegende Holländer, 1843）歌劇音樂會。而在創作出這部神話式浪漫愛情故事前，華格納在1839到1842年間，居留於法國巴黎。在當時受到了白遼士（Hector Louis Berlioz, 1803~1869）《幻想交響曲》（Symphonie fantastique, 1830）和《羅密歐茱麗葉》戲劇交響曲（Roméo et Juliette, Op. 17, 1839）的影響，他將這種樂團的戲劇效果，延用至他歌劇之中，並且受到了固定樂思（idée fixe）的啟發，進而在他的歌劇中開創了「主導動機」（Leitmotif）。他有系統地應用「主導動機」這樣的作曲手法，使得他的歌劇富有組織性與統一感。另外，他也受到歌劇作曲家麥雅白爾（Giacomo Meyerbeer, 1791~1864）的那種大排場的合唱場景和樂團編制擴大的法國大歌劇（Grand Opera）之影響；華格納沿用了這種大歌劇的格局，加入更為豐富且具變化性的音樂內容，也因此拓寬了華格納歌劇發展的道路。正因為這樣的作品背景，使得NSO這次邀請了法國歌劇導演尚米歇爾．克奇（Jean-Michel Criqui）來製作這部歌劇，更顯得有意義又令人充滿了期待。在觀賞完演出之後，更是不得不佩服他在團隊中領導與協調的能力，將過往NSO固定合作的歌劇製作團隊，帶領到一個新的高度與境界。

尤其這次燈光設計的郭建豪，以其充滿象徵詩意的燈光效果，與服裝設計高育伯恰到好處的服裝搭配，整部作品以紅、黑、藍為主軸色調，在視覺效果上，兩者成功合作並展現出具有變化，而其中又有統一感的整體效果。這是在前面幾次歌劇製作中，所無法達到的層次，實可歸功於導演深厚的協調溝通能力。在整部作品中，可發現法國導演將其風格設定在低調而簡約的中間色調（demi-teinte）上。這尤其在高育伯的服裝配色中清晰可見。特別是第二幕的紡紗場景，其中的畫面配色，更讓人覺得呼應了美國印象派畫家惠斯勒（J. A. M. Whistler, 1834~1903）於1865年的畫作《海》（The Sea）和1871年的創作《夜曲：藍色與銀色—切爾西港灣》（Nocturne: Blue and Silver–Chelsea）兩部作品。而在歌劇第二幕仙塔（Senta）的〈敘事歌〉（Ballad）演唱中，小女孩帶著玩具船，在舞動的紗布間所勾勒出的故事畫面，更是令人拍案叫絕。幾個重要角色的服裝精細且符合性格期望。服裝色彩的安排上。也能讓觀眾更為清楚地了解角色中的性格特色。這樣的設計，十分高明地呼應了華格納時代中波特萊爾的「感應說」（correspondance）。而這個論點與華格納實踐在他歌劇中的「總體藝術」（Gesamtkunstwerk）理論相近，強調在藝術創作上不同面向的交互感應，也啟發了當代的藝術家們去追尋所謂的中間色調，更注重色調中光影所呈現出的詩意美感。

飛行的荷蘭人（NSO國家交響樂團提供／攝影羅文傑）

在郭建豪不張狂的燈光設計中，暗藏著令人無法忽略的深刻意涵。他運用燈光中的變化，將角色情緒與關係、音樂中的情感和節奏，透過微妙的顏色與光影的組合，低調地渲染出內在深層的情緒。用燈光將音樂、故事與觀眾緊密地圈住，將華格納總體藝術的精神，精準地掌握在他的設計之中。另在導演在戲劇上的編排，從幾個重要群戲場景，不難看出尚米歇爾．克奇的導戲功力。他能夠適度地運用群戲演員，以十分流暢的節奏和動線來改變場景，景與景之間的不間斷轉換，完美配搭了華格納歌劇的延續性。而導演更十分擅長運用影像，安插在樂團段落中，適度地引導觀眾在這些片段中，透過搭配畫面的音樂，去理解角色關係，描繪出下一段故事的前景。而這次的影像相當巧妙地融入了音樂廳管風琴的畫面之中，那些排列的音管，好似錯落的船桅，畫面營造出一種神祕、奇幻的故事氛圍。

聲樂家的精湛詮釋與世代傳承的動人展現

這次的演出華格納歌劇的聲樂家，皆具有超高水準的演唱能力。幾位國外歌手，其技巧、音色與詮釋都十分到位，其中最令人印象深刻的，是飾演女主角仙塔的伊沃娜．索博特卡（Iwona Sobotka），無論在扮相上、戲劇肢體表現中，或是演唱的音色，都相當精湛美好。她的聲線控制技術更是一絕，使得她得以唱出華格納聲樂線條中的延展特性，並以其豐沛的聲音份量成功地呈現出華格納女高音的特性。透過伊沃娜．索博特卡利用充滿技巧的聲線的控制，和異於其他華格納女高音，聲音中更多了些絲質的柔軟性，使她能將仙塔這個角色中，那種對於獻出生命去證明愛情的堅決，詮釋出一種令人難忘而深刻的美感。飾演荷蘭人（Der Holländer）的男中音賽門．貝利（Simon Bailey），其音色溫暖乾淨，他所詮釋的荷蘭人帶有英雄特質，透過他的咬字又透露著某種病態的抑鬱傾向，不張狂又恰到好處的戲劇肢體，深深抓住觀眾的注意力，讓人深陷於荷蘭人這個帶著神秘色彩的角色。飾演船長達蘭（Daland）的男低音理查．維格爾（Richard Wiegold），其音色深沉厚實，有著相當漂亮的德文咬字，單就聆聽其演唱，便能陶醉於他聲音中的溫度與光澤，更不論其外型與戲感，相當契合船長的這個角色，因此演來極為自然且毫不費力。

飛行的荷蘭人（NSO國家交響樂團提供／攝影羅文傑）

在這次的歌劇製作中，值得一提的，是國內歌手王典與吳翰師徒同台的美事。飾演艾瑞克（Erik）的男高音王典，在這次歌劇的演出中，又再一次地突破自我，攀上了新一層的高峰。從他穩紮穩打的聲音控制，到他深思熟慮的角色詮釋，都達到了不同以往更高水準的表現。其中最令人深刻動容的，是最後一幕他和仙塔、荷蘭人三角關係中的對戲。男高音王典演來毫不遜色，更是巧妙地運用音色的轉換，強調華格納樂劇中的戲劇性，將艾瑞克的性格特色與角色心境，詮釋得淋漓盡致。另外他那清晰卻富有聲音彈性的德文咬字技巧，更是令人折服。他的學生是飾演舵手（Steuermann）的男高音吳翰，一出場便以乾淨、漂亮又健康的聲音，和相較於同齡歌手更為成熟的咬字技術，成功地吸引了觀眾的注意。更期待這個青出於藍的吳翰，能夠承襲著王典的腳步，未來能有相當寬廣發展。這正是臺灣的聲樂圈所期許看到的「未來希望」。近期不少受教育於臺灣的優秀歌手，在國外一級的舞台上發光發熱，這意味著在青年世代中如王典的這些優秀的歌手們，不但勤於磨練自我，更深耕於培育出未來的新秀。在今天的這個歌劇製作中，我們看到了這樣的成果，希望他們的努力，能夠替臺灣的聲樂圈注入新的力量！

而指揮準．馬寇爾（Jun Märkl）則是用音樂勾勒出華格納音樂的多彩與戲劇氛圍，尤其這次NSO的銅管表現令人驚艷，木管亦不遑多讓，整體樂團演出水準極佳，對於指揮和樂團而言，這無疑是一場成功的演出。唯有字幕翻譯，建議可以白話一些，否則極可能陷入所謂「超譯」的泥沼中，也就是過度詮釋的翻譯。筆者也發現在節目冊當中，歌詞翻譯僅標示，是由夜鶯基金會所提供，但卻沒有附上譯者姓名的小缺失，也希望能夠藉此，引起古典聲樂圈對於譯者專業的重視與尊重。不過，NSO這次如此完整又精確的音樂呈現，搭配上目前看來是最能掌握音樂廳舞台的歌劇導演和製作團隊，必須說NSO的歌劇音樂會，終於突破了以往因為音樂廳場地受限的魔咒，而用這個高品質的華格納歌劇製作，帶領NSO航向了一個嶄新的、充滿可能性的指標航道。期許未來在不同的製作中，能夠更多地看到導演尚米歇爾．克奇與NSO歌劇音樂會的合作！