小鎮(Our Town)為1938年美國作家桑頓．懷爾德(Thornton Wilder)所編寫，同年首演於普林斯頓，在當時以寫實主義掛帥的美國劇場圈裡，懷爾德覺得此美學主流「令人窒息」，因而選用劇中劇(méta-théâtre)的方式書寫，並使用空台演出，讓觀眾能運用文本建構的意象，跳脫寫實場景的滯涸，保持一定的理性疏離，並透過自我的想像，穿梭於理性與感性之間，省思「小鎮」於時間的流裡，我們週遭人的生活與物的變遷。

這樣的舞台概念似乎於美國是創新之舉，然而早在19世紀末的歐洲，反寫實已成為提升劇場藝術的主要思潮，1917年法國，傑克．柯波Jacques Copeau 更完整提出空台(tréteau nu)的詩意概念：「在紙箱做出的樹中，觀眾只會看到紙箱，不是樹的顫動。舞台上的環境是由演員透過演出來創造…，鳥鳴聲來自於演員而不是音響效果。空的舞台讓演員與觀眾的想像被解放。[…]舞台越空，越多的動作(action)可以產生魔力，舞台越是樸實無華越多的想像可以於此自由地發揮。[…]在這空無的舞台上，演員承載了一切的實現與將自我的掏出。」寫實與詩意兩者極端的爭辯在「導演」引領之下逐漸取得了平衡，交會於新寫意的十字路口(carrefour naturalo-symboliste)成為了新的「現代劇場」語彙直至今日，在這樣簡述的歷史回顧下，我們試著去分析為何台南人劇團《安平小鎮》導演廖若涵會如此呈現此劇，與其中的優缺。

《安平小鎮》因為是「改編」作品，所以整體的情節脈絡劇中劇的形式仍依照原著而走；偌大的片廠內，一齣名為《安平小鎮》的戲正在上演，特別是團長李維睦成長的安平，透過本人於舞台上演出，訴說安平的過往，建構己失去的過往原貌。因為「真人」「實地」的演出與一份在地的情感，讓我們希望有更真的事物來回憶感動，導演廖若涵選擇了當時懷爾德的方法，以「疏離」的方式建構「認同」。由扮演舞台監督的蔡柏璋開啟戲中戲的起點，開場最初「舞台上的環境是由演員透過演出來創造…，鳥鳴聲來自於演員而不是音響效果。」隨著演員於舞台上的扮演，慢慢引領觀眾進入《安平小鎮》的故事情節中。

人物構成雖是「安平」的人，情節主軸仍是「小鎮」，《安平小鎮》的「安平」認同構成筆者認為主要是隨著舞台上的機動性而呈現，舊照片的影像投影與過往安平船筏浮移的呈現，再加上在地土生土長李維睦團長的口白講述，「那個味、足安平。」可惜的是，《安平小鎮》的解構疏遠也隨著舞台上，舞台戲中戲的裝置，演員戲中戲的演出，技術器材的展現，攝影機與投影的介入等…產生。筆者於2011年亞維儂藝術節，見識許多國際知名劇場導演，遇用不同的攝影投影技術與方法活用於舞台之中，近年攝影機於劇場拍攝投影運用似乎正成為一種流行，或許有時舞台因著投影畫面，建構出另一種視覺美感與可能，然而是否每一部戲都適用於這流行中值得討論一番。《安平小鎮》劇中多位演員演出超齡的角色，因著投影的放大，將原本建構的劇場幻覺完全打破揭露，原來已經的戲中戲，因著攝影影像更拉出了「戲中戲中戲」而令人無法入戲，這原本極需要一份在地認同的《安平小鎮》於是成了陌生，將筆者(身為台南人)想要感受於安平味中拉出距離。「安平」應該成為全戲的主體，卻似乎僅成為懷爾德「小鎮」劇中的客體，只是借安平之地為「小鎮」故事的「安平」「小鎮」。

雖然疏離了點，但台南人劇團做戲的品質與技術仍是值得讚許的，導演廖若涵是位懂得舞台語言(langage théâtral)的年輕導演，然而一股年輕的衝勁，如同她於節目冊中自述「抵抗這個文本，拒絕被它『收服』，[...]可以不僅限於『再現』，而能有機會探尋另一種表現方式[...]。」這樣的想法反而令筆者感到也許她不自主地(或有意識地)專注於舞台形式的探尋之中，而忽略了真正核心主旨的確認──是真正台南的安平小鎮，還是美國的小鎮搬來安平？導演「現代劇場」的手法，如果僅挑戰經典文本《小鎮》，也許加上了比懷爾德當年更為現代化的技術顯得新鮮精彩，但加上了古早味的「安平」，是否單純的「寫實再現」讓人少點疏離，那份寫實或許會令人更加感動認同。