各自代表不同人生歷練之色線白、紅、金，它們於黑色的節目冊封面抹上自我個性，於漆黑的劇場，尋求與之共鳴的聽眾；隨著現場音樂、光影產出「痕」，有回憶、有崩壞、有重組及昇華，這些過程不斷地、持續地重複於腦海中，似乎促使想起什麼、忘了什麼，或者想通什麼、看透什麼。台灣編舞家林懷民於著作《高處眼亮》中寫到：「出走。回家。再出走。我希望看到一代代人不斷的出走。」【1】或許真的如文中所說，必須渡過緊張、興奮、疲累、挫折與重建，才真能頓悟出真理。

2016年3月，筆者聆賞奔放樂團藉由《海頓：十字架上的最後七言》樂曲，引領觀眾用人性的角度看神，並傳達、分享他們的音樂核心理念「藝術與你我生命的深層共振共鳴」。音樂總監吳敏慈對於生命探索似乎沒有要停下腳步，這次藉由演奏《葛利果聖歌》、布列頓《第二號弦樂四重奏》、姚瓦《補痕》等音樂來抒發理念，在弓桿觸弦瞬間，宛如書法家之筆觸，不論是提或勾，一併都將墨汁刻劃在白淨宣紙上，一道道的痕，隨著輕重緩急，字跡雖然越來越繁雜，字體卻慢慢清晰、成形。

音樂會分為《憶逝》、《對話》、《淬鍊》、《重生》四部分，以女高音手持缽，敲三下、歌頌一句為一單位，每次演奏三單位作為初始，也是連結每一段落的橋樑；初始之聲迴盪耳邊，隱憂感隨之產生，或許是那無添加伴奏的歌聲，也或許是那首古調，持續直擊心中某道傷口，隱隱作痛。未完結的歌詞，停在九下鐘聲後，獨奏中提琴慢慢地唱出《補痕》旋律，且持續地重複此樂聲，藉由不同樂器的重疊、交錯，劇場空間感也被放大，搭配漸出漸入的影像，一片星空就這樣被點綴出。奔放樂團所演奏的《布列頓：弦樂四重奏》，與其去探討詮釋，更想提他們所塑造的樂曲氛圍，那更加迷人；不僅是第一樂章的祥和氣氛，還是第二樂章奔馳競奏，甚至終曲的熱血壯烈，樂團傳達不只是音樂的核心，他們更在乎樂曲有無與觀眾對話；拉威爾《頌歌》，小提琴拉出帶有哽咽聲的裝飾音，或者樂團奏出悲鳴、煎熬詮釋聲等，猶如樂譜與觀眾的橋樑，一音一字以各種面貌，甚至抽絲剝繭，將一條條的痕，清楚述說。

端詳音樂會手冊內頁的序文，寫著「天空中沒有翅膀的痕跡，但我已飛過（l leave no trace of wings in the air, but I am glad I have had my flight）─泰戈爾（Tagore）」【2】，咀嚼此文字時，內頁一張帶有景深效果的蜘蛛網相片吸引著我，頓時間耳邊響起《布列頓：弦樂四重奏》終曲之龐大和弦，強行地撞開繁雜思緒，雖然因為製作需求，沒有反響板的場地導致弦樂器音響偏乾澀，不過此曲將情緒引往高處，並重重地撞擊思緒，不僅空間凝結，情緒幾乎也被撞開，宛如模糊的人生大海中，突然找到宣洩的出口。震撼過後，由台南室內合唱團唱出《羅瑞森：啊！偉大的奧妙！》，身著白衣的團員似為了回到初始；看似犧牲自己的文字是為了成全別人，還有那和諧、共鳴的歌聲也是為了昇華生命，讓苦難離去，就像歌詞每次都停在第九下鐘聲的《葛利果聖歌》，最後結尾竟唱出「哈雷路亞」，筆者因宗教差異無法了解此句含意，但卻實質感受到那是一種圓滿。

《痕》的製作整體性不侷限於舞台上，連幕後一切也屬於範圍內，不僅是猶如苦行僧的演奏音樂，還是如夢境般，無聲、簡單卻清楚的燈光效果。書法家陳世憲書寫的主題「痕」，勁道十足的筆法勾勒出滿是不平整痕跡的字體，下、收筆時，餘墨潑灑的點綴，滿是滄桑和淬鍊；甚至節目冊內頁的攝影作品、製作團隊對於製作的感受、現場影像和裝置藝術、服裝等，乍看之下均為獨立個體，不過當自己注視越多，似乎就能透視自己的那道「痕」，不管它是苦的、甜的、痛的、失去的，隨著幕啟幕落，只能看透、釋懷、重組後，再出發吧。

註釋

1、林懷民，《高處眼亮》，臺北市，遠流，2010，頁100。

2、《痕》音樂會節目單，封面內頁。