展覽「社交場」串聯了舞蹈、身體、戲劇、音樂、聲音、影像、文本，探討一個來自於「展示」和「表演」之間的共生關係。更為重要的，一個藝術展覽如何混雜表演，不論是相互逼近，或是彼此交集，都可以視為一種創造性的「共生」。

——策展人 / 蕭淑文

「社交場」將社交的命題帶入美術館空間，展覽連結了「靜態展示」（the displayed）及「現場藝術」（live art），並規劃了「活展示（live exhibition）」專區，以現場藝術的方式，將「實體表演」的概念，帶入展覽中。當代藝術常用的參與式手法、舞蹈、音樂、聲響、行為、影像等，在藝術家的巧妙編排下，打破對美術館既有形式的界線，策展人以此方式，企圖展開了對「當代藝術展的媒介和材料」、「觀看者和作者之間的關係」以及「藝術場域的社會性和公眾性」的提問。【1】

明日和合製作所《等待果陀》

展示場地搭上了一個巨大帳篷，觀眾在現場抽著號碼，等待霓虹燈的叫號進場，等待與排隊似乎是熟悉的場景，在這個「活展示」的空間裡，只見一群觀眾在場等待，或許滑手機、或許無聊的四處張望、或許放空，展場人吵擁擠，全部是在等待的群眾。而《等待果陀》是諾貝爾文學獎得主貝克特的代表作，描述兩名流浪漢維在傍晚時刻，到一棵樹旁等待果陀，而果陀沒來，所以他們也不能走，為了打發時間，他們不斷地來回走動，說著片斷式無意義的對話，然而果陀始終沒來，但他們還是每天在同一個地方等待果陀，《等待果陀》呈現出人類面對空虛絕望時的恐懼無奈，劇本呈現出一種無處可逃的荒謬感受。

展覽現場，號碼牌已發完，創作者黃鼎云對著筆者說：「你在這看一會兒，就會知道怎麼回是。」語畢，筆者大笑，瞬間明白。觀察在場的觀眾，每個人都是殷切等待，黃鼎云告訴我，有小孩子進去了帳篷之後，出來大聲的宣告：「裡面什麼東西都沒有！」但即便如此，等待的觀眾依舊沒有要散去的意思，外面的人繼續苦苦的等，但也有人在等待的同時，一邊用手機搜尋《等待果陀》的故事，然後決定默默離去，黃鼎云說：「觀察觀眾的反應，是這個演出最有趣的部分。」

於是觀眾成為演員，身體力行演出《等待果陀》的劇本，創作者巧妙地將展覽調度成劇場，而觀眾的參與就是作品本身，這場演出恰如其分地體現策展人想要運用「活展示」的概念，讓人反思這個經典劇作在美術館脈絡中的實踐性。每個參與者的經驗都是獨一無二的重複，內容相同感受卻可能不完全一樣，在長時間性（durational）的重複中，也讓人聯想到法國後現代主義哲學家德勒茲和瓜達里所說的：「差異並非與重複相反，而是重複的一部分，重複是透過差異所組成的」，【2】這件作品的調度，在不同觀眾的參與中，堆疊出了重複與差異，既是回應了表演史曾經存在的著名劇碼，又創新性地展示了在當代美術館中可以被執行的美學策略。

孫尚綺《透明》; 林人中《八天兩夜與十個藝術家》

孫尚綺的作品，似乎與林人中的表演有著互相對應之處，兩人皆有表演生活行為的質地，前者的演出在空間中凝聚了群眾，人群像是快速聚焦而又擴散的分子，而後者的表演，卻是在時間流逝中，讓觀眾隨著空氣的擴散，分佈到整個空間場域之中，前者是聚合性的，而後者是發散性的。

《透明》的質地似乎來自觀察，外國男子拿著鈔票的獨白，在開始聚集的人潮不知其所云之後，慢慢消散到一旁，而舞者扭動身體的動作卻宛如奇觀，引來人群集聚凝視，而在美術館中庭玻璃牆的前後，舞者與環境建築互相依靠的動作，讓觀眾彷彿看見了身體與鏡中風景的畫作，綿密而融為一體，似有生命力的活雕塑。而周遭人群的集聚、打卡、拍照、或網路上直播造成「可移植性」（transportability）的效果，在他人電腦、平板或手機中都可以觀看，這不再是過去舊的劇場觀念，而是更開放的可閱讀性。作品暗示了某種身體與空間的關係，凝視與回望的距離，在群聚效應之中，似乎也回應了策展命題，「社交場」看似喧鬧互動，但若無人靜下心來細細聆聽時，溝通還能成為可能嗎？

林人中的表演，似乎專注於探索時間性表演（Durational performance） 的概念，有趣的是，任何演出都有演出時間，而時間性表演與一般演出的差別或許在於，觀眾的重要性提高， 參與成為劇場之前的祭儀，與每個觀眾的獨特經驗交織在一起，在這樣的演出策略中，時間是「真實的」而非「劇場的」，觀眾可以去外面走走，吃飯完與人交談、看看其他展覽、甚至是看個電影再回來，這樣對「真實時間」的感受，讓參與者在觀看中成為真實事件的角色，而非旁觀者，真實的生命體驗也因此顯得格外重要。

林人中在自己的臉書表示，他在這些表演中處理了：「美術館與劇場之間的空間條件差異、觀看模組差異； 美術館呈現作品的時間性（長時間、破碎、隨機）；身體性作品成為展覽的一部分的表演語彙；Acting 與 Performing 之間的差異。（什麼是演太多、演太少、演與不演）；美術館裡看展覽的觀眾的行為模式。（與作品自拍、拍作品、自動成為表演者的自戀姿態）；介於日常性與表演性之間的模糊地帶。（時間的長度、表演的密度）；表演者與觀眾之間的政治、權力關係（The politics of spectatorship）」。【3】這些藝術家所提到的面向，每個都是探討「表演在當代藝術空間」中的關鍵性議題。

演出令人印象深刻的，並不是某個特別的片段，而是這些表演者在過程中，不斷溝通討論、嘗試、出錯（也許根本沒有對錯）與實驗的過程，他們或許在大廳，躺在地板上、滑行爬過服務台的櫃子、在展場中嘻笑遊行、伴隨著現場音樂聲響發出聲音....如從以色列舞者發展的「慢雕塑」或是曾編給舞者林祐如的行為藝術作品「爬山」，在每個表演者不同方式的緩慢移動中，身體成為測量空間的物質，經歷特定的空間，將原本的空間架構打破（如爬過販賣處的服務台），身體的爬行也讓人想到法國哲學家列斐伏爾在探討空間的生產時，曾以蜘蛛織網為例，指出蜘蛛無意識勞動所產生的能量消耗，創造出「痕跡」（trace），進而生產出空間【4】，以表現的無意識能量消耗來生產空間，在林人中作品的動作語彙裡，每位表演者的個性、個人生命史在移動變換的過程中演化，只有在場的陪伴可以浸透穿越這個過程，這或許也是現場藝術的最終美學。

註釋

1、參考 「社交場」展覽新聞稿。

2、Deleuze, Gilles, 1995. Paul Patton Translated. Difference and Repetition. Columbia University Press.

3、參看林人中臉書 https://www.facebook.com/notes/river-lin/%E9%97%9C%E6%96%BC8%E5%A4%A92%E5%A4%9C%E8%88%8710%E5%80%8B%E8%97%9D%E8%A1%93%E5%AE%B6/10154789683961551/

4、Henri Lefebvre (Author), Donald Nicholson-Smith (Translator). 1992. The Production of Space. Wiley-Blackwell. 而這樣的空間也讓人聯想到後現代舞蹈家伊凡蕊娜（Yvonne Rainer）的著名作品Trio A，透過幾組重複的「日常」動作，既是打破技術的窠臼，也是在某種模組的重複中，開創出空間的可能性。