雖然在演後座談上，永子與高麗說，他們從不稱自己的表演是舞踏，也不會宣告他們不是舞踏，但是師承舞踏宗師土方巽與大野一雄，歷經日本六零年代學運風潮的背景，是不是舞踏的這個定義問題，或許不比作品本身的述說更重要，況且他們兩人從1976年踏上美國紐約開始，近四十年的藝術生涯始終堅持初衷，以幾乎相同的模式創作至今，但讓我們更好奇的是，創作者內在的思維，是什麼樣的信念（仰），支撐著他們孜孜不倦的藝術生命？

2013關渡藝術節邀請了永子與高麗進行了一次小型回顧展，包括了劇場演出《再生》與美術展覽《殘餘》。《再生》由兩人在不同階段的作品中，抽取片段組合成一個晚上的演出，包括了《掠奪》（2010）、《夜潮》（1984）與《白色之舞》（1976），這三個作品的片段形式也許有些差異，主題也有些不同，但放在一起組成了一個新的作品《再生》，也就是讓這些作品的意念，藉由新的組合連結，重新碰撞出新的生命，一個不斷重複子題的樂章。

《掠奪》的舞台上，背景是散落著被烤焦成點狀的白色帆布，與地上的白布相呼應的，是麥稈與黑色鳥羽毛，舞者如田野上的黑鳥，其黑色頭髮更是將人與禽，符號化地象徵在一起，鳥因飢餓搶奪食物，而人因為飢餓而相互戰爭，鳥與人其實相同，只是現代的人類戰爭，目的卻遠離了飢餓。

《夜潮》是永子與高麗第一個全裸演出，在幽暗中分散在左右的兩具白色身體，在極安靜的夜裡緩緩地蠕動著，沒有臉的身體，腦袋的運作放在一邊，笛卡兒的「我思故我在」先讓位給梅洛．龐蒂的靈與肉的合一，然後永子與高麗往前更推一步，以東方思維──身體與自然合一的展現，將這兩具身體比擬成兩座相戀的山脈，只有在寂靜的夜裡可以相見，然後得在第一道曙光來臨之前返回，身體、自然與愛，呈現出宇宙中最本質性的事物。

《白色之舞》是永子與高麗剛到美國時，歷經數年的創作，當年他們在戶外、街頭、美術館…等不同空間的演出，後來集結成一個晚整的舞台呈現，作品改編日本女詩人金子光晴的詩作《蛾》，節目單中說：「我們那時年輕，有想走出與我們老師不同路線的慾望…」。比較明顯的就是舞者穿上寬鬆連身長袍，以將身體遮蔽下的動作，來表現一隻蛾的短暫生命，同時動作的質感也刻意與「暗黑舞踏」不同，於是命名為《白色之舞》。

跳開了舞踏定義的問題，永子與高麗更自由地以美術觀念來進行創作，他們的作品也常不在劇院，很多是在戶外免費演出，甚至開著汽車做移動式劇場。他們帶著日本學潮的精神，躲避現代社會過多的資本主義色彩，自己做布景、道具、自己編舞、跳舞，內容持之以恆無視於世界的紛紛擾擾，用最一顆純樸的心，用一具勞動的身體，去描述生命宇宙的本質，用一生的累積來成為一個真實的藝術家，於是，《再生》這個回顧作品，也為我們帶來了一種，極為珍貴的藝術典範。