印尼編舞家艾可‧蘇布利陽托（Eko Supriyanto）的個人獨舞作品《鹽》（Salt, 2017），作為其海洋文化三部曲的終章，將自己深海探索的體驗，化為一場精神特質的創造，通過身體質地與水的聯繫，以及發自心靈的感受性。
舞台陳設，以光作為主要素材，藉由人造的場景，逼顯出真實的感官。一片被截成橫長條狀的銀色地面，鋪設於舞台與觀眾席相連的地板，在燈光的照射下產生反光，形成一道刺眼的光芒，如同一扇無形的隔間，讓其後的舞台不僅顯得昏暗不明，亦像是另一個充滿深度的時空。空曠的舞台中央，有一個迷你小堆，似是由白色粉末堆疊而成。幽暗中，大提琴音乍然開場。現場演出的樂手，奏出尖銳、急促的旋律，看似平靜的場景裡，潛伏著不平靜的氣息。緩慢中，艾可的裸身背影，出現於舞台另一側。微弱的光線，穿越、瀰漫於空氣的密度差異間，折射出肉身的輪廓、肌理的浮動。身體的顯影，既如一幢海市蜃樓的成形，又像是深海底下的視覺景像。古老神祇的形象、自然生靈的姿態，投映於男性肢體。下盤穩固，臂膀堅實，化身為隱匿於遺跡中的神靈，未曾轉身。
男性舞者的白色紗裙、場中的白色粉末，在這裡，似乎脫離刻板印象，成為晶體的比喻，如自然界的物質呈現和轉變、如時間性的綿延與分解。在樂手暫時離去的空台，及昏暗燈光的緩慢變奏裡，肉身的塑造，從偏向靜態的造型質地，轉向人體動態的精神焦點。背部弓起狀如包覆的身體表現，宛若古老生物的演化，誕生於光、水與氣體的交互作用，並與珊瑚的多重屬性形成對照，亦即牠長久以來被視為介於動物與植物之間的存在特性。由於游移與混雜的歷程，成全生命的結晶。
不再幽暗的舞台上，舞者艾可掀起紗裙以腳步揚起白色粉末的煙霧變化，彷彿藉由土、陸地的元素，將動作的詮釋延伸至飄浮的領域。目的或許不在於揭露重力的在場，而是與其神秘性共舞。過程中的一個段落裡，舞者徒手拾起早已散落於地的白色粉末（或結塊物）．並將之置入口中咀嚼。其神情的牽動包含舌頭的伸吐，傳達出極度豐富的情緒。採集於古典身段的傳統舞步、面部表情與眼球動作，包括據說源於North Maluku的戰舞Cakelele、來自Magelang地區的民俗舞Jatilan等，伴隨由打擊樂逐漸混合人聲的配樂、溢發強烈的節奏，共同交織成祭儀般的能量。現實與過去相互觸及，身體結成時間形象的晶體，反射出通靈之語。古文化的獨特性，從此成為一道充滿魅力的謎語。
在現場演奏的大提琴音裡，換上深色褲裝的舞者再次走向場中，踩踏沾有白色粉末地面的雙足，於地板描繪出軌道般的印記。舞台明亮，接續於大提琴聲之後的獨舞，協同激起浩瀚感受的音樂，旋轉於場中，一如身體超出本身所含，浸入整體的組成。再置入、回顧前作《哭泣賈伊洛洛》（Cry Jailolo, 2014）與《Balabala》（2016）的姿態和身影，最後來到舞台前一隅，敞開的雙手握拳、顫動，眼神篤定無惑、步伐從容不迫，直到舞作結束，生命的定位因而重估。
如果說，「去除場域的框架」是藝術行動的目的之一，艾可透過對於海洋場域的剖析，以及反重力的身體經驗，探索場域的複雜性。也因他相信「跳舞是遊歷、是旅行」，《鹽》的行程，潛入深處，朝向異境。
《鹽》
演出｜艾可舞團（Ekosdance Company）
時間｜2019/08/14 19:30
地點｜台北水源劇場
