對台北的劇場常客來說，這是個頗新奇的組合方式，特別的題材，陌生又令人好奇的創作名單：俄國來的導演Oleg Liptsin，俄國小說家果戈里(Nikolay Vasilievich Gogol)的原始文本；台灣演員：說書人是「台北曲藝團」藝術總監、竹板快書高手；肢體演員受過歐洲學校的肢體訓練­──巴黎賈克樂寇(Jacques Lecoq)及倫敦國際表演藝術學校(LISPA)；影像設計、服裝設計、造型設計、樂師、舞蹈設計、燈光設計，均為業界頗受好評之士。各方面來說，這份「國際套餐」的menu給人無可挑剔的感覺，料想是嚴謹的製作，值得期待之作。

一個肢體演員，一個說書人，一個樂師，三人在舞台上演繹九十分鐘的故事，不錯的構想。背景是一大張白色的紙幕，談不上好看難看，但簡單明瞭。道具桌的多功能設計，嚴謹有效。演員也各盡其分：說書人的功能、肢體演員的功能、光影戲的功能。

但或許就是因為一種追求「標準」答案的精神，使整體演出給人一種國際「標準套餐」的索然無味。「標準」的十九世紀俄國文學感性，「標準」的中國曲藝，「標準」的鑼鼓點打擊，「標準」的歐洲肢體劇場演法，連投影都正確無誤地打出聖彼得堡夜景，並且正確地教給我們有關俄國外套的穿著說明；就好像連刀叉如何使都唯恐有誤地教給我們的標準套餐。套餐的內容，給人感覺就像端上中國牛肉麵加臭豆腐，配上凱撒沙拉和提拉米蘇，每一樣都採「標準」做法，然而這就是「國際合作」的「標準」答案嗎？

誠然，在台北各種跨國際合作或跨領域融合的表演，已經到了令人見怪不怪的程度。許多台灣的跨文化製作只是「誤讀」的不自覺呈顯，天馬行空章法零亂的「融合」；就像很多所謂異國創作料理，其實是透過本土想像的「異國」，而「創作」更給足不按牌理出牌的膽氣。這齣戲確實小心翼翼在避免誤讀，也壁壘分明不亂融合。如此一來倒提供了另一種令人驚奇的跨文化答案！

原來，當所有元素都「原封不動」並置的時候，同樣把觀眾推向陌生疏離。所謂「標準」若未經辯證，很容易變成刻板印象的複製。我們不知道該用哪一個世紀的角度，去閱讀這個故事，該用寫實或象徵的標準看待表演。說書人理所當然進出評論者和表演者之間，但肢體演員同樣跳躍於扮演與象徵，有時彷彿準備忠實扮演十九世紀一個年老而前途黯淡的俄羅斯九品文官，但每脫下外套，演員又變回了自己──一個年輕嬌羞的東方女性。拉赫曼尼諾夫的小提琴從音響系統傳來，在台上待足九十分鐘的樂師，僅僅扮演提點音效的鑼鼓效果，就像冷凍食品的主餐與現場立做的醬料之配合。

這齣戲偶然也會出現令人意想不到的戲劇效果。譬如一個立在舞台中的外套，突然間動了起來，像甲殼般被演員穿上。說書人從觀眾席背後走來，殷勤勸進觀眾水酒，讓劇裡宴會的氣氛漫溢到觀眾席來。光影紙幕後的剪影，一把被抓出台前，「立體」地顯出它的「扁平」──原本就是一張紙片的新外套，此時赤裸裸地展示之前建構起來的象徵。

但沒有任何一個象徵能給予我們想像力游動的空間。過度追求「標準」也令想像力停擺。這份國際「標準」套餐，我不會說它做錯甚麼，只覺得度過了一個想像力休息的九十分鐘。