結合當代舞與街舞身體的日本編舞家梅田宏明，於2021臺灣國際藝術節（TIFA）推出包含了新、舊作的「雙舞作」製作，除了讓觀眾可以見到其結合影像與跨舞種肢體的經典作品外，也透過臺、日的跨國共製新作，嘗試跨文化的身體探索。而對於臺中國家歌劇院作為共製單位來說，也能為臺灣舞者增加與國際知名編舞者合作的經驗，並藉此增進臺灣舞者的國際能見度。雖然本製作是在上半場先演出新作《並存序列》（以下簡稱《序列》），下半場才呈現舊作《存在粒子》（以下簡稱《粒子》），但就其創作理念與美學發展，此文必須先討論舊作中的身體與視覺美學，才能就其發展脈絡探討新作。

《粒子》首演於2015年，是梅田的獨舞代表作之一。梅田自身的跨舞種身體與其掌握劇場影像的精準能力，讓觀眾感受到獨特的劇場知覺。舞作開始於梅田站立於右舞台，結合數位雜音所構成的節奏，梅田讓動作從身體各部位開始流動，透過街舞的脈衝韻律，呈現出結合當代舞的動作發展與街舞的動作質地。後方全投影的白光線條，讓幾乎全黑的舞台呈現一種視覺的流動感。不同於現代舞常有的舞台空間運用，梅田大部分時間僅立於右舞台，並未位移，然而後方線條由左舞台至右舞台的流動，讓我感受到梅田在全黑的舞台上快速流動的錯覺。因此，此作中如此肢體、影像與聲音的結合，似乎有意以極簡的視覺效果，表現知覺操弄的幻象。梅田獨特的劇場美學，清晰地表現於此作之中。

《序列》為臺中國家歌劇院共製、NTT－TIFA首演作品，梅田與跨國（台、日）、跨舞種（現／當代、街舞）舞者合作，各位舞者的個人身體特色與訓練背景清楚可辨，為「並存」一詞下了貼切的註解。兩位街舞背景的舞者——來自日本的AYUMI與來自臺灣的洪翊博——表現出街舞的爆發力、地板動作與脈衝式節奏，對比三位具芭蕾及現／當代舞背景的凃立葦、王甯與中村優希，所擅長的扭轉、流動與重心轉移，加上每位舞者的個人特色，舞蹈的多樣並存，可以看見梅田在編舞上企圖在突顯而非融合差異。

然而多樣的並存，亦非無序。舞作的編創似乎採用結構即興的方式建立動作，舞台上可見舞者之間，在時間與空間要素上互相關照，例如舞者相互成為cue點，一方的動靜變化，驅動另一方動作開展；又或另一段洪翊博試圖跟隨另一舞者的動作線條與形狀，卻又因此自身的街舞訓練，呈現出相似的擺動形狀，卻又配以截然不同的動作質地。結構即興的編舞手法，架構了動作「秩序」，卻也因此挑戰了「秩序等同單一」的直覺想像。

《序列》可視為《粒子》的延伸作：從獨舞延伸為群舞，影像亦從線條延伸為顆粒。舞台背幕投影的影像皆由流動的巨量粒子組成，這些粒子流動的速度與聚散，似乎呼應著編舞結構，例如當三位舞者分散於左右舞台，粒子便流轉於影像的左右兩側，像是呈現了舞者之間的能量流動。然而，不確定是否為編舞者刻意安排，或是硬體限制，粒子影像多次快速停止，或是出現類似運算遲鈍的卡頓，儘管這些速度的瞬間歸零或變化，或許呼應了舞者的動作停頓，然而舞者不間斷的呼吸，與舞者之間不間斷的相互關注能量，卻與後方數位影像的全然靜止，呈現了強烈的對比。舞者身體變動於凝結與流動之間，所呈現的特殊身體，與數位運算的絕對二元所呈現的「動」、「停」截然不同，舞者的靜往往並非之的停滯，舞台上的能量流動與呼吸並未真的中斷。這種對比反而讓後方影像與舞者表現有些扞格，呈現出與《粒子》中獨舞者與後方影像的知覺融合完全不同感受。

從《粒子》到《序列》（雖然節目演出的安排是相反的），可以看到梅田在《粒子》一作的成功之後，試圖繼續探索其劇場美學可能的發展方向。從獨舞轉變為群舞，《序列》一作透過跨國共制，試圖引入更多的肢體元素，然而不同於梅田自身對於不同舞種的掌握能力，當舞者受限於其自身對於特定舞者的表現方式，例如街舞者常常使用顯而易見的街舞動作，似乎打破了《粒子》一作的視覺融合，突顯出舞者之間的差異。加上後方影像的卡頓，也讓影像與舞台有了區隔，《序列》一作反而像是一個探索的過程，而非未表現出如《粒子》一作精緻的成果。這樣的結果，可能是受限於疫情下的跨國製作困境，編舞者與舞者工作的時間與方式，無法達到動作與技術上的精細調整。但必須讚許的是，梅田跨國共制的嘗試與其持續探索獨特劇場語言的努力，一位編舞者的成功，並非僅是單一作品，而是如何發展出其為人著稱的劇場美學。就此點來說，梅田的嘗試依然可貴。