過去在舞蹈史上如果提到「叛逆」一詞，大都以顛覆過去的觀賞表演慣習（演出場域或演出形式的顛覆）、舞蹈結構的解構（敘事、非敘事、結構式與解構式等風格的顛覆）、重新詮釋舞蹈肢體的使用觀念（表演、日常、行為等肢體語言的顛覆）、音樂與舞蹈關係的新合作（並列、合唱、序列、非結構等織體形式的顛覆）、藝術家對自我、社會意識的顛覆等等，從藝術創作的表現來引用此一詞彙。然而，今年雲門《春鬥2017》以「叛逆之作」作為這次的宣稱【1】，令人好奇這群新生代創作者，如何顛覆？如何叛逆？以他們年輕的生命經驗裡，如何能站穩這樣難以駕馭的文字背後所代表的意義？又或者，他們只是想表述很私人很自我的叛逆行徑？但在這世代從來不缺這樣叛逆的性格！尤其是這個強調個體（Individual）如何從社會連帶（Social Solidarity）中突圍而出的世代。

上半場黃懷德的《亮》，以黑暗作為引介：「因為黑暗，才看見光亮，因為音樂，才看見身體。在微光中擺動身體，襯托音樂搖晃，只是單純跳舞。僅此如此。」【2】「亮」與「身體」在黃懷德的創作概念裡，成為一個被動者。於是光亮，成了黑盒子裡的潛逃者，而身體在音樂之下，最直接的律動是什麼？從黃懷德大玩身體的律動在空間裡製造出層次：點、線、面的編織，以及腳步動作與音樂之間的合唱關係，從身體律動、空間、音樂三者之間，皆可看到編舞者在整體空間上的巧思與其值得玩味之處。尤其是訓練有素的舞者們，以鬆、垮、旋等身體動能，上身肢體以類似狂顛的扭曲、甩、搖擺、顫動等動作張力，下肢動作主要以踩踏的方式進行多面向的空間轉移，與音樂節奏時而附和（多以下肢律動展現音樂節拍），時而疏離（主要以上身的搖晃脫離音樂旋律）的表現，加上舞者臉上塗滿白色顏料，以類似國劇丑角的誇飾表情與動作設計貫穿整場演出，讓身體律動隨著音樂鼓動起舞。然而，不知是否白臉太過醒目？還是誇張的表情與扭曲的肢體強過主體意識？最終對於主體核心一直無法從《亮》的意義解說進入更純粹的解讀，就在末段一處暗燈後，隨著燈光的剪影處理舞段，讓看似失序離散的簡單跳舞，在燈光與呼吸的鼓譟之下，陷入一陣規律與光的陷阱。

第二首陳韻如的《潛》整體以細緻的微觀移動，試圖改變空間調度的手法，從對自我的叩問，再到深入意識交錯的空間對話，都讓整首作品彰顯出一種特殊的氛圍與魅力。陳韻如以海的深、廣、無邊作為創作發想，再扣回自我對黑暗的恐懼、頓困、孤立的自問，開頭雙人舞的相互施壓與欲溺斃的狀態，隱喻隱形殺手對她的控訴。於是輕輕的卻墜落了、碎語的卻壓迫了、孤單的卻恐懼了！

陳韻如的動作設計雖然展現出學院風的現代芭蕾訓練，卻能應用時間的對立與空間的抽離關係，達到視覺上如被慢速播放的影像。例如：從群體舞蹈中忽然一人跳脫原來節奏與空間，使個人與群體的關係立即受到注視，同時緩慢的身體節奏製造凝固的時空與聚焦。陳以這樣的方式處理時間與空間，使得這首作品展現精練的編舞技法。唯一可惜之處是應用口白與手語作為堆疊與複語的意象，雖然舞者重複很多次，但是因為與觀眾席仍有些距離（筆者坐第八排中間），卻仍然無法聽清楚舞者在說什麼，因此疏離的時間拉長，讓這段與前後文產生斷裂。另外《潛》透過舞台燈光設計的氛圍中，深度描述出這作品的主體性，讓作品富有詩意並為之一亮。

最後一首作品是蔡博丞的《瞳孔裡的灰牆》，從雲門提供的文本中，得知這是由蔡親身經歷的一段故事作為創作動機【3】，主要是描述人類疏離感的故事，並且在肢體上以日本畫家石田徹也的畫作進行發想：「石田的畫裡，人物的眼神都充滿空洞、不安、失溫以及對社會有點失望的意象，跟這次的事件有些神似處。」「著重在眼神的元素『觀看』，眼神的使用將著重在舞者間的互動，台上的舞者自以為是第一人稱，其實他們是被觀眾觀賞的第三人稱。」（引自官網蔡博丞文自述）。

舞蹈作為社會文化的縮影，文本本身必須具備能穿透故事情節的能力。然而，蔡著重技巧動作的設計結構，除了讓女角色的技巧表現相對突出，舞作中三男的段落脈絡混亂，其他舞者多以簡單的「觀看」出現陪襯在側，這顯得技巧地位崇高，而讓主體「疏離」與「觀看」失去地位形成陪襯之境。舞作後段的碎語之處，在前一首陳韻如的碎語殘響之下，產生相似、雷同、卻無法突破陳之前所營造的意象，實屬可惜。

一年一度令人期待的《春鬥》展演，總是讓所有觀眾讚嘆年輕舞者在長期訓練下，呈現多元豐富的身體，這也是臺灣一項重要的文化財。身體的展現，不僅僅傳達編舞者的創作意圖，舞者本身所散發的內在氣質更在這次展演中，增添了作品的厚度，謝幕起，所有辛苦的舞者是最值得尊敬的藝術家。離開了雲門劇場再次踏回淡水捷運站，《春鬥》終歸日常。

註釋

1、引自雲門官網與文宣資料http://www.cloudgate.org.tw/ticket/detail/38

2、引自演出節目單

3、參閱雲門官網https://www.cloudgate.org.tw/news/show/941