如果說要給《動量的條件》下一個總結，我會說他是日常的本質。我們人時時刻刻都在「動」、時時刻刻都在轉換身體的重心。而肉眼上的感知，不動到動之間，我們又能從中獲得多少訊息，明白構成動量的條件？因為習以為常的生活小事太多，我們常忽略它，甚至視為理所當然，我們曾幾時專注自己正在「動」這件事上？

踏入劇場，舞台區位是個三角形，觀眾席的安排是打斜的，而舞者在其中的移動使觀眾視線也有大幅度的跟隨；據編舞家鄭皓說，三角形舞台區兩條長邊交會的頂點如同黑洞，所有事物都從那慢慢擴散。在燈光設計上除了透過燈具照明之外，也加入松菸LAB空間的自然採光，使觀者視覺擁有更多層次的刺激。舞作一開始，五位舞者從黑暗的角落為起點，逐漸加速的往外擴散開來；音樂安排上也相輔相成的堆疊，整體清晰顯現出編舞家想傳達的能量積累。服裝顏色設計上，五位舞者也穿著白色的衣服，白色相較乾淨，因此視覺感上不會有太多衝突打擾，但襪子的配色對照上凌亂些。

作品中，「動」的表現方式被拆解，如平衡的極限、地板給予的支撐、瞬間的靜止，諸如此類的狀態，讓觀者透過編舞家不同的架構設定，獲取新的見解。也憑藉舞者擅長的身體動法來詮釋，讓觀者感受屬於個人特質的運用。對我而言，表演最耐人尋味的地方，莫過於表演者在舞台上對自我的追問。在每個獨舞片段，舞者不斷藉由正在流動的時間，處理每一刻的狀態。究竟達成眼前這些動作的來源是透過多少條件在支撐？動量怎麼來？又到何處去？觀眾都能夠在這當中提出自己的看法，也因編舞邏輯循序漸進，自然使觀眾更容易貼近作品，所產生的互動就增加許多。舞蹈本是用身體說話的藝術，而怎樣說的清楚明白、如何讓觀眾接收到清晰的訊息，我認為《動量的條件》與觀眾之間的交流表現的淋漓盡致。

值得一提的是，作品名稱《動量的條件》讓我們感受到十分理性的概念，但舞蹈本身又是那樣抽象、甚至有時候是如此曖昧不清，但經由「舞蹈」表現「動量的條件」，不禁讓人覺得再適合不過！且舞作整體傳達方向明確，舞者沒有過多情緒的感性，而是回到處理「動」這件事的專注。身為旁觀者在關照這件事情的角度，顯得更為純粹。

再談談觀者本身，時常在想，究竟我在看表演時，應該如何看待？多時候都認為對我來說它像是一種體驗，我不確定體驗帶來的感受，會在何時發酵，又怎樣感染我的人生；但不得不說，這些當代作品都是現今世界的縮影。只是，是什麼樣的社會現象，影響著創作者的創作？又是什麼樣的周邊環境，改變著觀眾所期待的視角呢？