攝影師與畫家《機械中的幽靈》
4月
22
2024
機械中的幽靈(盧長劍提供)
Link
Line
Facebook
分享
小
中
大
字體
819次瀏覽

文 徐韻豐(專案評論人)

時間藝術工作室以「機械中的幽靈」為主題,呈現英國作曲家盧長劍(George Holloway)的五首作品,無論是節目單的封面,或是作曲家於音樂會後的發言,都強調希望藉由音樂會所演出的作品,呈現作曲家的「肖像」。近年來,台灣有越來越多活躍的中小型演藝團體,包括演奏古典室內樂的重奏組合、特定樂器家族的重奏團體、考究演奏技法與時代感的古樂團等等,而時間藝術工作室則是以現代音樂為核心,除了呈現作品本身,團員也盡可能地磨練現代演奏技巧,將當代作曲家在聽覺藝術上的想像化為現實。

音樂會開頭的五重奏《德魯斯基寧卡農》與其說是五重奏,以四加一重奏來形容,或許更精確。由中音長笛、雙簧管、降E調單簧管、中提琴所組成的四重奏,從樂曲一開頭,便展現出相當銳利的演奏,每個聲部都演奏得很飽滿、清晰,四個聲部在相互競合後,迎來站在觀眾席中的低音管獨奏,當低音管歌詠時,台上的四重奏則化為音樂的擺盪不斷重複。或許曲末收尾得頗令人意外(甚至可以說唐突),但也在寧靜中,使筆者在心中默默確認,台上音樂家反覆演奏的擺盪感,是否還在寧靜中以無聲的方式繼續徘徊?雖然現場觀眾在給予掌聲前,已停留了兩三秒,但筆者仍覺得這略早出現的掌聲,破壞了心中因懷疑感所產生的無形音樂。

《空城故事(第一篇)》則是一首具有敘事性的二重奏,雖然作曲家並未把情節詳述給聽眾,但仍然留了一個標題作為欣賞者想像的標的物。由於作曲家給予差異甚遠的音域,鋼琴與大提琴多數時間產生漂浮感的音樂,兩位音樂家的演奏也盡可能地貼合彼此。作曲家在節目單上說明,雖此曲有其敘事性,但音樂的創作與發展則另有一公式來主導(也應是故意不在節目單中說明公式為何),來製造一個形而上、形而下同時並存的音樂時空現場。而接續由五首短曲組成的弦樂四重奏《亞穩態》,不僅在五曲作品之間鮮明迥異,任一單獨的小篇也有誇張的發展過程,節目單中說明此四重奏是以聲音呈現物理數據,此場音樂會並沒有呈現首演時所同步播放、以利視覺化物理波形的動畫。

下半場的《晶影(二)》則為七首短曲所組成,雖然作曲家並沒有特別說明,但筆者聆聽的當下,從其結構中彷彿看到巴赫清唱劇——在作品中間放一條中軸,前後鏡像對稱的結構。這七首作品各自擁有不同的聲響立體感,從滿盈到扁平,相同音樂元素的疊加而更厚實的對比。作曲家特別說明此曲為「最接近頻譜音樂的作品」,音樂與大自然中的樹枝撥動、水面漣漪有所連結,作品於2019年首演時,也同步呈現了作曲家自己所拍攝的畫面,然而此場音樂會中則僅呈現聲音部分。

單就《空城故事(第一篇)》與《亞穩態》、《晶影(二)》的創作手法,使筆者感受作曲家盧長劍的特別之處——如果多數作曲家的創作如同畫家一般,以音符做為顏料,將繆思在畫布上從無到有地呈現、發展,最後產出的畫面讓觀眾感知,以進入創作者想表達的世界;那盧長劍則更像是一位攝影藝術家,以音符代替相紙與藥水,選用一個特定的視角取景,呈現一個實際的場景或是已存在的現象。在這三首作品中,音樂呈現的無論是形而上與形而下同時存在、進行中的時空,或者是不斷運行前進的物理波形,而作品的創作手法與所呈現的意涵,可能更高過音符所產生的一連串聲響,就如同推演愛因斯坦的相對論時,重點在於如何得出這些物理公式,並且這些公式又如何影響與呈現在我們的現實時空中。相對而言,科學家得出公式用的是哪個牌子的筆,其墨水用了哪些化學物質而產生了特定的顏色,反而並不是那麼重要。

而筆者認為,音樂會的最終曲《鑲嵌(五)》,就創作手法、發展方法而言,反而可能是最接近傳統音樂創作的作品,作曲家使主題發展、變形,而構成整部作品。雖然作品仍然運用現代音樂的語彙,但動機交錯之間也混合地相當絲滑,泛音也被作曲家包裝成悅耳的音色。

音樂會結束,作曲家盧長劍特別說明,他希望以這五首作品,構建聽眾對他個人肖像的認識。雖然選曲跨了作曲家創作生涯的十年歷程,但十年對於一位創作者的生涯而言並非特別長的段落,所呈現的創作風格方向明確,但也仍然帶有一定的一致性。整體而言,筆者認為盧長劍善於利用作品整體的節奏感,在短時間即可達到其目的,聆聽的過程也不會覺得作品冗長,其中並沒有太多的醞釀,直指重點,其中的反覆也都可以明白其目的。時間藝術工作室的音樂家也都使盡全力呈現,運用現代音樂演奏技法的部分,音樂家們皆毫無保留;下半場的作品由於作曲家親自指揮,為達成演奏精確多少犧牲了一些音樂家獨自在台上的私人個性。而幾部作品刪除了首演時所安排的影像,僅單獨呈現音樂,筆者覺得是音樂會最為遺憾之處,二十一世紀的今日,無論是人類對於已知世界的認識,或是藝術呈現的樣態,所觸及的極限早已難以想像,如果作曲家想用作品呈現的,是宇宙間的物理運行、精神與肉體(感性與理性)同時存在或獨立進行的哲學時空樣貌,僅以音樂與節目單的說明來描繪,反而顯示了音樂單方面的侷限性。當代藝術作品對於藝術小白而言,往往難以下嚥,不知其作品所云,但換個角度思考,這卻也最適合拿來跨域,並非僅是藝術創作與呈現層面,也是吸引其他領域潛在音樂欣賞者的好機會。

《機械中的幽靈》盧長劍作曲家肖像音樂會

演出|時間藝術工作室
時間|2024/04/09 19:30
地點|國家演奏廳

Link
Line
Facebook
分享

推薦評論
應該說,臺灣作為沒有古樂學院或科系的非西方國度,也作為吸收外來西方音樂文化的它方,我們的角色本就是、也應是廣納不同風格及特色的演奏家,進而彰顯展現其中的多元性。並且,這個多元性本身,正是古樂在臺灣的絕佳利器。至於在每個演奏會的當下,這種多重學脈的複合、專業與學習中的並置,藝術性和古樂發展的價值要如何取捨,則是演出方自己要衡量的責任。
5月
15
2024
在特里福諾夫回溯「建築」的過程與材料中,筆者亦深感其演奏缺乏(我更願意理解為不願透露)具備一定個人私密性的情感層面。特里福諾夫固然具備宏觀的詮釋視野、細緻精確的觸鍵,仿若欣賞唱片那樣的無瑕,但我更願意相信那些引人共感的幽微情緒,儘管那未必完美,總能勾人心弦。
5月
15
2024
在打開耳朵聆聽、試探的過程中,激發出能與夥伴相融的音色,便是邁向合作的一步。舒曼《詩人之戀,作品48》藉由男中音趙方豪清晰的咬字及語氣,巧妙地運用情感,將音樂帶入高漲的情緒,為這個角色賦予了靈魂。他與程伊萱兩人對音樂的理解是相同的,鋼琴家通過樂器所產生的不同聲響和觸鍵力度,呈現了主角在十六首小曲中面對真愛、從狂喜到冷漠甚至失去愛的過程。
5月
14
2024
作品應具備明確的聲音發展元素,亦即讓音樂設計脈絡是具一致性,而本場演出是由多組短篇樂段串連而成,許多段落未能適當的設計「聽覺終止」,樂段收在漸弱的電子聲響,接著幾秒鐘的空白後,再由器樂開啟另一種「樂句文法」,敘事邏輯相當凌亂、既突兀也不連貫
5月
09
2024
魏靖儀以俐落而精準的換弓技巧,果敢地模仿鋼琴觸鍵,將自己融入了鋼琴的音色之中。儘管在旋律進行中製造出了極其微妙的音色變化,但在拉奏長音時,由於鋼琴底下的和聲早已轉變,即便是同一顆音符,配上了不同的和弦堆疊,排列出不同組合的泛音列,也會展現出不同的色彩,就像海浪拍打岸邊時,每次產生的泡沫和光線都不盡相同。因此,當鋼琴和聲在流動時,若小提琴的長音也能跟上這波流動的水面,必然能夠呈現出更加豐富的音樂景象。
5月
06
2024
《這不是 音樂 會》利用聲響與視覺的交錯,加深了觀眾對於音樂的想像,也藉由超現實的畫作與動態影像結合,捕捉藝術家內心真實的想法。或許,這真的不是一場音樂會,而是戲謔地、哲學地提點我們在座的各位:莫忘初衷?
5月
03
2024
究竟一場音樂演出需要何種劇場介入?這到底是趨勢還是必要?今年TIFA(台灣國際藝術節)不約而同在四月的第二個周末,同時推出了兩檔音樂、聲音結合劇場的作品,分別是ㄧ公聲藝術《共振計畫:拍頻》與春麵樂隊《後現代登高指南》——沒有明確的戲劇情節、舞台元素與劇場語彙,卻讓人看見音樂與聲音如何「提問」與「建立關係」,而這恰好也是當今戲劇構作(dramaturgy)的核心實踐。
5月
02
2024
所以,我們該如何評價他現今的演奏詮釋?筆者私以為,歷時性地看,從他十餘年前以大賽出道至今,他其實恰好形成了漸進式的變化:從一個圓融和諧、路徑一致的俄國學派鋼琴家,成為面向廣大聽眾、挖掘自身吸引力的「明星獨奏家」。
4月
22
2024
演奏者精心設計了樂曲的開頭,結尾自然也不會遜色;飛快的思緒在〈快速舞蹈〉( “Sebes” )層層堆砌,達到終點時,所有人的急促呼吸終於得到了舒緩,果斷而清晰的結尾彷彿軟木塞自香檳瓶噴飛的瞬間,清新、輕盈的氣息隨之呼出,像是三人同時舉杯相碰:「成功了!」
4月
18
2024