俄國鋼琴家尤莉安娜・阿芙蒂耶娃（Yulianna Avdeeva）在2010年第十六屆國際蕭邦鋼琴大賽榮獲金獎後，便廣受世界各地邀請，並屢屢來台獻藝，今年已是第七次在台灣的演出。特別的是，在有別於以往以蕭邦（Frédéric François Chopin, 1810 - 1849）、李斯特（Franz Liszt, 1811 - 1886）、普羅高菲夫（Sergei Prokofiev, 1891 - 1953）等為主軸的曲目安排，這次除了上半場的蕭邦系列曲目外，下半場她排出了穆索斯基的知名鋼琴組曲《展覽會之畫》（M. Mussorgsky: Pictures at an Exhibition），舊中有新意。

和一般印象中俄國鋼琴家用全身力量灌入鋼琴的演奏方式不同，阿芙蒂耶娃彈奏時主要將力度集中在下手臂與手掌，上手臂幾乎很少使用，只有幾個張力較大的段落才會看見她以整隻手臂提起身軀，彈奏較厚實的大音量。這種彈法雖無法製造出太大的音量跨度，卻能在中強奏（mf）到極弱奏（pp）之間，做出無窮無盡的色彩變化。同時，每個音符都有著清晰而精緻的顆粒感，與過往法國學派強調的「似珍珠」（Jeu perlé）、快速靈活、漂浮等特色彈奏法有幾分神似。

阿芙蒂耶娃在上半場的蕭邦曲目中最引人入勝的，就是那有限的表達框架裡，隱隱透露出的豐沛音色變換。如在升C小調前奏曲（Prelude in C sharp minor, Op.45）中，她在幾乎貫穿全曲的上升音型，配合著大量臨時升降記號改變的和聲，每次都彈出完全不同的音色，右手在高音域仿若抽絲剝繭，將每一種弱聲高音的色彩可能性都挖掘透澈。這裡所謂的「框架」，並非過於學院化的理論分析，而是鋼琴家本人所堅持的蕭邦美學觀點、一種宛若語言口吻的腔調。阿芙蒂耶娃的蕭邦是不躁動的，不使用過度誇張的音樂表達、不將縮與放之間的距離拉至無限，她反而追求在有限的幅度中創造無限、節制地彈奏，忠於樂譜、忠於自我。她彈奏的降A大調第三號敘事曲（Ballade No.3 in A flat major, Op.47）與升C小調第三號詼諧曲（Scherzo No.3 in C sharp minor, op.39）在戲劇性上略遜一籌，然而樂句設計的巧思卻無比豐富，時時使人眼睛一亮，猶如以智取勝而心思縝密的軍師。

然而她的精巧彈法也確實有缺陷。第一，是她顆粒感奏法的細微處。在音的收尾，她的手總是會有類似「抓」的動作，手指與手掌微捲。這似乎是她顆粒感音質的成因之一，但也間接造成音符的發音不完整，有非常美麗的頭與身，尾處卻沒有良好的共鳴。第二，是她的演奏續航力。將力度集中於下手臂的彈法容易積累疲勞，而上半場的六首曲目總長近乎一小時，阿芙蒂耶娃似乎為了表達完整的蕭邦樣貌而不離開舞台歇息，只在幾個樂曲間起身稍略致意。連續彈奏下來，她的疲態漸顯，在最後波蘭舞曲《英雄》（Polonaise No.6 in A flat major, Op.53 “Heroique”）時錯誤頻傳，最後幾乎以意志力勉強完成。但，前面五首積累下來的藝術成就，已使人感動萬分。

下半場的《展覽會之畫》中，阿芙蒂耶娃全然在樂曲中挹注靈魂，更加自由地表達了音樂。在節目冊裡，她親自寫道：「《展覽會之畫》的各個樂章中，涵括了人類的幾乎每一種情緒，……，這些表演都該忠於藝術家的內心深處。」我們確實能在音樂裡聽見這樣的真摯表達。相較她的蕭邦演繹，她的《展覽會之畫》觸鍵更加耿直，毫不保留地將心裡所思傳達給觀眾。每一次〈漫步〉（Promenade）的重現，都讓我們感受到經歷畫作場景後觸動的深沈心思，情緒完整地通透全曲，此般境界，只得用「真摯」形容。

返場後的第一首安可曲無疑是最大的驚喜：巴赫第二號英國組曲中的布雷舞曲（J. S. Bach: Bourrée from English Suite No. 2, BWV. 807）。她近年在巴洛克、古鋼琴演奏等領域頗有心得，並在2017年發行了巴赫作品專輯，當中即涵蓋了第二號英國組曲全曲。她的清晰彈奏讓多聲部的每個線條都清晰無比，分開聆聽都有各自的完整音樂性，合在一起卻又無一踰矩，令聽者傾倒於她強大的控制力。如此精湛的演繹，卻只得在安可時驚鴻一瞥，令人惋惜。礙於市場接受度、大獎光環等因素，許多大賽得主國際巡演時往往受限於比賽成名的作曲家樂曲，許多的曲目安排可能性被就此犧牲，這是相當可惜的。

阿芙蒂耶娃已來台累積近乎十次，台灣聽眾也對她漸漸熟悉。2017年她和NSO的協奏曲之夜已為我們帶來莫札特（W. A. Mozart, 1756 - 1791）與柴可夫斯基（P. I. Tchaikovsky, 1840 - 1893）的「非蕭邦作品」。在未來，或許也有機會在獨奏會的場合，擺脫「蕭邦金獎一定要彈蕭邦」的刻板印象，勇敢地為我們帶來如全套巴哈、或是20世紀作曲家等等的更多偉大作品，讓聽眾看見她蕭邦之外的多元面貌。