2018年曾在兩廳院台灣國際藝術節（TIFA）《3x3計畫—異常返響》中，從「三個人」與臺灣青年作曲家的六首新作，聽到該團勇於以古箏、中阮與笛簫的組合探索音樂新聲的成長與蛻變。今年新點子實驗場「三個人」再以《誤讀聲響》為題，與鋼琴家徐惟恩或獨、或合，以各樣的「誤讀」角度呈現作曲家與演奏家、樂器本身與樂器之外的多元音聲及其意義。

這場音樂會以「誤讀」（misreading）為題，其概念引申自美國文學批評家布魯姆（Harold Bloom）在《影響的焦慮》一書中所提出的誤讀理論，【1】詩人常透過各種「誤讀」為字符創造新的意義。同理衍伸，當作曲家與演奏家面對典範、傳統、常規時，或也透過「誤讀」激發自身的原創性，進而推動時代風格的滾輪。據此，音樂上的「誤讀」效果對聽眾而言，或與聆聽時「違背預期」的心理效應契合，成為作品的亮點，並建構出與眾不同的音樂意涵。然而，相較於文學，音樂本身即具有聽覺與詮釋上的開放性與不穩定性，單一音樂事件（musical event）之於各個作品，其意義皆大不相同；況且，當音樂從作曲家、演奏家流轉到聽眾耳裡，也產生更為複雜的閱聽層次。因此，當處於毫無參照對象的聆聽經驗與狀態下，「誤讀」空間的存在與否依舊回歸到最純粹的聲音意義之中。

《誤讀聲響》以八首作品串成一場「誤讀」的旅程，從改編自古琴曲《瀟湘水雲》（阮咸獨奏）始，至仿古琴語法的《平園箏詩》（鋼弦箏獨奏）終，中間則以編制的對應穿插四重奏、三重奏、獨奏與電子音樂之作，形成鏡框式的曲順結構，搭配無中場休息的設計（但實質上可鏡像劃分為上、下半場），意圖引領聽眾一氣呵成地經驗各種誤讀面向。第一首《瀟湘水雲》由劉星改編為中阮獨奏，在部分旋律婉轉處加入阮咸常用的演奏法，原則上已於原曲大相逕庭。而潘宜彤改以大阮演奏，雖一開始特意以肉指撥絃演奏泛音，營造彷若琴曲的空靈感，低音的殘響也讓滑音更有古琴味兒，但隨著樂曲後段因樂器性能而擴增的表現幅度，兩相對比下樂曲反而脫離了原作框架，自成一格。最後一首由梁在平創作的《平園箏詩》，原是淡雅悠遠的文人風格，儘管善用鋼弦箏的音聲特質保留部分古琴語法，但在郭岷勤的演繹下，經由更豐富的音樂層次、更直接的情緒展現，讓樂曲聽來形似，卻滿溢剛厲的個人風格。

第二首上演的是楊祖垚的委創新作《伊紹拉素描》（鋼琴、箏、阮與笛），樂曲幾以陌生化手法產生的非常規聲響為主，加上古箏偶發宛若走音般的定絃音，讓音樂行進聚焦於音質音色的細微變化，聲聲相連好似城市聲響的縮影。隨著節奏段落有力地推進，再由旋音管帶出樂曲高潮，呼應作品欲表達的意象。儘管本作在段落銜接的斧鑿痕跡略微明顯，但楊祖垚巧妙地透過聲響的組合變化，讓聽眾聽見了他在卡爾維諾（Italo Calvino）《看不見的城市》中所「讀」到的城市風景。相對地，第七首由郭岷勤為「三個人」創作的《灰色》，伊始三人即以強烈的節奏型輪番亮相，在此起彼落的序列反覆中，新的音樂事件陸續為樂曲注入新聲。當樂曲從點狀聲響轉為線狀音質後，以節奏推進的音樂內容逐漸移轉到音高，但曲終僅留下箏拂絃而出的連串樂音，為此作落下閃亮的點綴。

第三首為拉亨曼（Helmut Lachenmann）的經典之作《刮葫》（Guero），一反「彈」鋼琴的聽覺與身體慣習，而是透過刮、撥琴鍵、琴絃來建立一套全新的演聆體驗。全曲由指尖一連串宛若浪潮般的刮琴鍵開始，當聽眾習慣後又逐一加入各種非預期的音色，點狀的、木質悶響的、琴體共振的乃至刮絃軸的金屬聲，藉由聲響的交互表述一步步建構非屬常規的聽覺記憶，然最後卻在兩個音高明確的撥絃迅速結束。曲已終，但記憶彷彿隨著音色導向響起那熟悉的鋼琴樂音，聽眾就像是立於噪音與樂音的十字路口，孰是孰非？心隨意轉間，翻轉的音樂意念透過聲響的辯證更顯其義。

美中不足的是，當腦海裡仍瀰漫著拉亨曼曲終的不言而喻，接續的是鄭伊里與陳韋安以電聲與影像創作的《誤讀》。此作運用三十二個體感喇叭（分別安置於聽眾座椅下方），輸出古箏、中阮與笛的聲響片段，搭配投射於天花板的影像，讓聽眾在視、聽中與之共振、共鳴。乍看之下，此裝置設計頗為別出心裁，但就作品聲響而言，音聲結構尚屬完善工整卻了無新意。音聲設計上主要遵循著呈示、發展與再現的脈絡，從電子聲響為主的面狀，到突顯樂器片段的點狀，藉由節奏達致高潮後，再以素材的綜合再現作結；影像方面除了甫見天花板投影的驚嘆之外，僅配合音樂運用顏色渲染變化、塊狀切割等單純設計。理想上，電聲與影像技術應為觀眾在聲、影方面打開另一扇窗，但此作似乎囿於文本重組的「誤讀」角度，而讓聲影素材的呈現過於單一。同樣的手法與架構可從鄭伊里為笛與即時電聲的作品《露》聽之，該作【2】拆解笛子名曲《三五七》（趙松庭曲），藉由即時電聲的延遲、重層堆疊等處理，產生卡農、對位、時間性錯位等聲響效果，雖偶有趣味的音聲對應，但當消弭了音樂原身脈絡，音聲技術若無法建構新的意義，其內容也隨之蕩然無存。文本不存，還需「誤讀」嗎？

最後值得一提的，許是最能體現本場音樂會旨趣的作品，費麗岱（Francesco Filidei）《瘋狂的練習II》為四重奏。此作將音樂展演中所排斥的翻譜聲轉化為聲音主角，以不同尺寸的樂譜和紙張模擬弦樂四重奏的概念，呈現作曲家透過「誤讀」音樂展演而產生的精彩之作。全曲先以模擬四重奏的演奏速度來展示四聲部錯落的翻譜聲，再透過規律交疊、宛若節拍器的翻譜聲，令聽眾專注於單一或疊加的翻譜聲所聆聽到的音量變化與音色差異，而漸趨激烈地晃動、吹奏、撕裂紙張，達致頭敲樂譜的高潮。聽眾在一系列的「譜聲」中為聲響感到驚奇，為動作效果感到荒謬，同時也藉由樂器之外的「譜聲」反思器樂演奏家的存在目的。

綜聽這場音樂會，與其稱之為「誤讀」，倒不如說是現代作曲家、演奏家與聽眾對於經典曲目、音聲文化、創作傳統的一場跨時空對話。無論是二度創作且賦予個人風采的《瀟湘水雲》與《平園箏詩》，或是顛覆聽覺經驗擴展音聲受眾的《刮葫》與《瘋狂的練習II》，抑或是發掘器樂新聲組合的《伊紹拉素描》與《灰色》，甚至是運用電聲技術重組文本的《誤讀》與《露》，皆是在聆聽當下與過往經驗產生拉扯、解構與重構。若將「誤讀聲響」視為對話手段之一，在音聲去脈絡化下雖然帶來無限可能，但其詮釋與發展空間也仰賴作品音聲意義的體現，否則就淪為音效與噱頭。四位演奏家在這場展演中以精彩的演出呈現了多種「誤讀」（或是誤會）的現代音樂作品，並帶領聽眾一覽多樣的音聲世界。若說，每一個讀者透過「讀」參與了作品，那每一個聽眾也透過「聽」內觀了音樂意義。而你，誤讀了嗎？

註釋

1、美國文學批評家哈羅德・布魯姆（Harold Bloom, 1930-），於1973年《影響的焦慮：詩的理論》一書中提出「誤讀」一詞，說明後輩詩人面對前人作品時，以一種具創造性的修正主義，來對抗前人影響帶來的焦慮。詩人透過各種誤讀，帶來全新的解讀，從而創造新的意義。布魯姆賦予誤讀正面的意義，並強調任何一種閱讀都是一種誤讀。

2、鄭伊里《露》在開頭與結尾處亦運用紙聲，但主要做為串聯前曲費麗岱（Francesco Filidei）《瘋狂的練習II》與後作郭岷勤《灰色》過場之用，故在此暫不納入討論。