由「 素材」驅動音樂性,抑或是主動創造「聲音識別」?《共振計畫:拍頻》、《感覺的邊界》
7月
09
2024
感覺的邊界(臺中國家歌劇院提供/攝影陳建豪)
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文 張瑋珊(特約評論人)

從合作共創中再造聲音藝術的風格識別

每當提及聲音藝術,直覺連結至聲音素材各種層面的探索運用,而再進一步探討藝術家創作中對於樹立風格的命題,雖無絕對的標準答案,但對於擁有創作識別的藝術風格來說,觀眾也能夠基於此基礎深入其中、品味其美學觀點及思路佈局,獲得更多共鳴迴響。透析當代音樂指標性作曲家、以及新媒體藝術各大流派領航先行的聲音藝術家的創作美學,不論在單一創意或是群體凝聚的創作能量,暫不管媒材技術為何,其共通性則來自於自成一格的敘事邏輯、某種創作調性或藝術姿態的鞏固強化,拓展創意的同時、也是風格形塑過程的關鍵。

而從獨立創作到共創,如何統整創作語言,透過聲音媒介展現使觀者達到身歷其境、且清楚感知具鑑別度,得以樹立藝術風格,考驗著創作者們對於這個共同創作過程彼此間的默契、風格定位認知及共識來定錨。本文欲透過四月份於國家兩廳院實驗劇場的演出—一公聲藝術的《共振計畫:拍頻》主創者—作曲家林煒傑、以及五月份於臺中國家歌劇院小劇場由SYNZR共同創作《感覺的邊界》的新媒體藝術家—吳秉聖,從個人延伸至合作共創的角色狀態出發,就其創作選擇上,重新探討進入組織作品的全貌以前,優先思考共創所應具備的風格識別,得以突顯組團合作的價值。


共振計畫:拍頻(一公聲藝術提供/攝影林育全)

作曲家林煒傑,自2021 年起,協同一公聲藝術的音樂家賴奇霞於苗栗通霄木魚工廠,分別為五十六顆木魚,結合錄像、震動喇叭,由五位樂手共同完成的實驗之作《共振計畫:木魚》,當時展演形式,則是他與賴奇霞各自呈現獨立的短篇作品,而林煒傑也梳理出樂器聲響裡亂中有序的聽覺印象。

在經過了2022年、2023年階段的研發與展示,至今年的發表,聲音織度介面的探索更為豐富,他運用多組尺寸的木魚和鑼、以及天頂的自動裝置作品,打造沈浸感的聽覺音場。環繞聽覺設計的確在黑盒子空間具相當的「表演性」、也具視覺上的吸引力,但音樂構成的思考仍然選擇以點(器樂及聲音裝置)出發,連結至線(演出者),表現器樂聲音質地之餘忽略對於「面」的構圖發展力道,也就是說兩位主創者分工合創,各自擁有的藝術特質卻未能整合串連。另外,擊樂點狀聲響的聽覺重點被打散於每組的結構篇章中,在詮釋「亂」的這道命題下,讓這樣長度規模的聲響組織不夠緊湊,尤其挑戰擴張成總長八十分鐘的長作,雖透過演奏來達到不同的張力變化,但聽眾面對著如此規模的作品,到了中後樂段後,注意力易趨於發散,若於結構中建立明確焦點,為樂段內容形塑屬於共創下的「聲音形象」,進而發揮敘事張力,或許每段不同的聲音組合更能夠展現音樂性情,構成一氣呵成的精彩。


感覺的邊界(臺中國家歌劇院提供/攝影陳建豪)

另一個可以反芻的案例,則是新媒體藝術家吳秉聖,早期關注其現場音像展演時,感知出其美學準則及清晰的創作目標,如透過一致或變異的節奏型作為基礎核心去發展聲音織度、搭載著視覺的敘事架構,勾勒感官情境等,不管是多媒材運用結合或是作品論述,美學上具相當說服力。回顧吳秉聖的新媒體藝術創作軌跡,在獨立創作、抑或是參與團體展演,也藉由這些豐厚經驗提升技術、深研觀演感官的細微變化,提升了他的創作觀察力與能量,而首次以團體SYNZR的共創合作形式進入表演場館—臺中國家歌劇院小劇場,作品以三幕為架構的敘事文本,視覺則由大型投影幕與幾組LED屏幕環繞,主創者們利用光引導,後續帶入影像,也透過光與影像色調、型態設計去勾勒、突顯聽覺輪廓,運用多種影音媒介牽引觀者感官與專注力。

吳秉聖與兩位主創者為順應劇場特有的空間性,進行聲音媒材探索、試圖讓作品形式激發多重感官體驗,為「在劇場發生的現場音像表演」帶來有別與以往的新意,但在造境與敘境的同時,要思考的不僅只是透過科技媒材觸發觀眾感官經驗這件事。在透過光線、影像、與聲音交錯下的技術設計僅是佈局手段,沈浸式感官的詮釋僅能創造單次性高潮,直觀表象的刺激有其限制性,若能試圖在團體藝術個性展現上多著墨、強化集體特色創造具目的性強的敘事語言、以及深化科技媒材運用的論述,將能成為具代表性的科技藝術團體。

擅長發揮器樂特質的作曲家林煒傑、或是新媒體領域多棲發展的藝術家—吳秉聖,從自我投身於集體創作中再造驚艷,惟需在組團共創中累積更明確、具特質化的聲音語彙,觀眾的聽覺得以依循辨識,因為具高辨識度的創作語彙一旦建立,不管未來在哪一個空間場域,才能不斷延續藝術家聲音創作的生命力。

《感覺的邊界》

演出|吳秉聖 × 邱俊霖 × 劉承杰
時間|2024/05/18 19:30
地點|臺中國家歌劇院 小劇場

《共振計畫:拍頻》

演出|一公聲藝術
時間|2024/04/12 19:30
地點|實驗劇場

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