文　張瑋珊（特約評論人）

從合作共創中再造聲音藝術的風格識別

每當提及聲音藝術，直覺連結至聲音素材各種層面的探索運用，而再進一步探討藝術家創作中對於樹立風格的命題，雖無絕對的標準答案，但對於擁有創作識別的藝術風格來說，觀眾也能夠基於此基礎深入其中、品味其美學觀點及思路佈局，獲得更多共鳴迴響。透析當代音樂指標性作曲家、以及新媒體藝術各大流派領航先行的聲音藝術家的創作美學，不論在單一創意或是群體凝聚的創作能量，暫不管媒材技術為何，其共通性則來自於自成一格的敘事邏輯、某種創作調性或藝術姿態的鞏固強化，拓展創意的同時、也是風格形塑過程的關鍵。

而從獨立創作到共創，如何統整創作語言，透過聲音媒介展現使觀者達到身歷其境、且清楚感知具鑑別度，得以樹立藝術風格，考驗著創作者們對於這個共同創作過程彼此間的默契、風格定位認知及共識來定錨。本文欲透過四月份於國家兩廳院實驗劇場的演出—一公聲藝術的《共振計畫：拍頻》主創者—作曲家林煒傑、以及五月份於臺中國家歌劇院小劇場由SYNZR共同創作《感覺的邊界》的新媒體藝術家—吳秉聖，從個人延伸至合作共創的角色狀態出發，就其創作選擇上，重新探討進入組織作品的全貌以前，優先思考共創所應具備的風格識別，得以突顯組團合作的價值。

共振計畫：拍頻（一公聲藝術提供／攝影林育全）

作曲家林煒傑，自2021 年起，協同一公聲藝術的音樂家賴奇霞於苗栗通霄木魚工廠，分別為五十六顆木魚，結合錄像、震動喇叭，由五位樂手共同完成的實驗之作《共振計畫：木魚》，當時展演形式，則是他與賴奇霞各自呈現獨立的短篇作品，而林煒傑也梳理出樂器聲響裡亂中有序的聽覺印象。

在經過了2022年、2023年階段的研發與展示，至今年的發表，聲音織度介面的探索更為豐富，他運用多組尺寸的木魚和鑼、以及天頂的自動裝置作品，打造沈浸感的聽覺音場。環繞聽覺設計的確在黑盒子空間具相當的「表演性」、也具視覺上的吸引力，但音樂構成的思考仍然選擇以點（器樂及聲音裝置）出發，連結至線（演出者），表現器樂聲音質地之餘忽略對於「面」的構圖發展力道，也就是說兩位主創者分工合創，各自擁有的藝術特質卻未能整合串連。另外，擊樂點狀聲響的聽覺重點被打散於每組的結構篇章中，在詮釋「亂」的這道命題下，讓這樣長度規模的聲響組織不夠緊湊，尤其挑戰擴張成總長八十分鐘的長作，雖透過演奏來達到不同的張力變化，但聽眾面對著如此規模的作品，到了中後樂段後，注意力易趨於發散，若於結構中建立明確焦點，為樂段內容形塑屬於共創下的「聲音形象」，進而發揮敘事張力，或許每段不同的聲音組合更能夠展現音樂性情，構成一氣呵成的精彩。

感覺的邊界（臺中國家歌劇院提供／攝影陳建豪）

另一個可以反芻的案例，則是新媒體藝術家吳秉聖，早期關注其現場音像展演時，感知出其美學準則及清晰的創作目標，如透過一致或變異的節奏型作為基礎核心去發展聲音織度、搭載著視覺的敘事架構，勾勒感官情境等，不管是多媒材運用結合或是作品論述，美學上具相當說服力。回顧吳秉聖的新媒體藝術創作軌跡，在獨立創作、抑或是參與團體展演，也藉由這些豐厚經驗提升技術、深研觀演感官的細微變化，提升了他的創作觀察力與能量，而首次以團體SYNZR的共創合作形式進入表演場館—臺中國家歌劇院小劇場，作品以三幕為架構的敘事文本，視覺則由大型投影幕與幾組LED屏幕環繞，主創者們利用光引導，後續帶入影像，也透過光與影像色調、型態設計去勾勒、突顯聽覺輪廓，運用多種影音媒介牽引觀者感官與專注力。

吳秉聖與兩位主創者為順應劇場特有的空間性，進行聲音媒材探索、試圖讓作品形式激發多重感官體驗，為「在劇場發生的現場音像表演」帶來有別與以往的新意，但在造境與敘境的同時，要思考的不僅只是透過科技媒材觸發觀眾感官經驗這件事。在透過光線、影像、與聲音交錯下的技術設計僅是佈局手段，沈浸式感官的詮釋僅能創造單次性高潮，直觀表象的刺激有其限制性，若能試圖在團體藝術個性展現上多著墨、強化集體特色創造具目的性強的敘事語言、以及深化科技媒材運用的論述，將能成為具代表性的科技藝術團體。

擅長發揮器樂特質的作曲家林煒傑、或是新媒體領域多棲發展的藝術家—吳秉聖，從自我投身於集體創作中再造驚艷，惟需在組團共創中累積更明確、具特質化的聲音語彙，觀眾的聽覺得以依循辨識，因為具高辨識度的創作語彙一旦建立，不管未來在哪一個空間場域，才能不斷延續藝術家聲音創作的生命力。