文　白斐嵐（2024年度駐站評論人）

音樂演出一旦加入劇場元素，不免要被問到「為什麼一定要表演（acting）？」；又或者是，「音樂本身既已是一種表演，戲劇表演又能帶入何種新意？」這些問題讓我們想起，過去曾看過音樂家在台上生硬尷尬地演起戲（做著自己不擅長的事，結果連擅長的事可能都分心了）、眼花撩亂的舞台效果開始干擾觀眾純粹的聽覺感受、音樂結構被切碎以服務更大的劇場命題，抑或將聲音簡化為符號以拆解既定的感官連結。

究竟一場音樂演出需要何種劇場介入？這到底是趨勢還是必要？今年TIFA（台灣國際藝術節）不約而同在四月的第二個周末，同時推出了兩檔音樂、聲音結合劇場的作品，分別是一公聲藝術《共振計畫：拍頻》與春麵樂隊《後現代登高指南》——沒有明確的戲劇情節、舞台元素與劇場語彙，卻讓人看見音樂與聲音如何「提問」與「建立關係」，而這恰好也是當今戲劇構作（dramaturgy）的核心實踐。

共振計畫：拍頻（一公聲藝術提供 / 攝影林育全）

一公聲藝術《共振計畫：拍頻》，是擊樂家賴奇霞與作曲家林煒傑發展自2021年的計畫，與禾豐木魚工廠合作，試圖為同時作為工藝與法器的木魚，創造出不一樣的聲音可能，曾在美術館以展覽方式呈現，也曾於法國里昂GRAME國立音樂創作中心駐村發表，此次則來到了黑盒子實驗劇場。觀眾走進劇場，會發現自己被無數個不同尺寸的木魚與鑼所圍繞，樂器平均分配於六個演奏區塊，觀眾席則如孤島般矗立中央。以觀眾視野來說，至多只能看見2-3名樂手，頂多隱約再多看見一人身影晃動（或許最高處的觀眾有較全面的視線），意味著有大半聲音無法看見「發聲」途徑，只能感受它的震動與存在。對演奏者來說也是如此，必須要倚靠泛音的延續與震盪，去感受彼此默契建立的時間規律（順帶一提，時間「time」又可作節拍理解，意指被規律化的時間）。

然而，此處的時間雖規律，彼此卻偶不一致，反而藉著秩序與失序穿插，呈現出某種規律中帶有變化的自然起伏（好比潮汐，而海浪也是一種波）。此外，選用的主要樂器「木魚」，雖在大眾認知中多與宗教連結，卻藉其各種尺寸、特殊造型結構，加上鼓槌的材質差異（木質敲擊的音色響亮，包了織布則顯悶沉），來鋪陳聲音變化。至於台上的鑼，隨著敲擊力道自然擺動，讓泛音跟著晃動，也讓人想起了歐洲教堂鐘聲——無關音色音質，而是聲音震盪帶來的動態感受。兩相呼應，像是超脫宗教儀式卻又回歸內在信仰的對話。

《共振計畫：拍頻》實際上依舊是非常完整的音樂作品：六名演奏者各自負責一套打擊配置（不同尺寸的木魚與鑼），小心翻著譜，精準操作／演奏聲部任務，完成80分鐘無間斷的演出。但真正讓《共振計畫：拍頻》跨越音樂邊界的，是作品如何與演出空間建立關係，藉由空間呼應主題。觀眾席與演奏區的配置，不僅只是要創造環繞音響而已——即使環繞音場本身也很重要——更透過視覺遮蔽，放大了我們對於聲波之共振與干擾的感受，讓所有在場者更能藉著聽覺以外的感官，來接收波的震盪與存在。此外，整個黑盒子劇場也因此變成巨大共鳴體，內外包覆，所有人皆身處其中。

後現代登高指南（國家兩廳院提供 / 攝影湯詠茹 Deer Deer Tang）

春麵樂隊《後現代登高指南》同樣令人聯想到自然界，然而不是《共振計畫：拍頻》那種規律中暗藏變化的自然，而是不可預測的自然。比如風。坐在演奏廳的我，內心多次浮現甘耀明《成為真正的人》書裡一句話：「風鈴是風的翻譯」。事實上，春麵樂隊成員有四分之三都是「風」的聽覺具象顯現。除了吉他手（葉超），另三人無論是單簧管（楊蕙瑄）、低音單簧管（高承胤）或主唱（賴予喬），都讓我們清清楚楚聽見「氣息」傳遞出的千變萬化。尤其是主唱聲音自由奔放，宛如另一把樂器，各聲部平起平坐、搭配得恰到好處，時而迴旋飆高，時而深沉低吟，在突如其來的樂句轉折，倏忽開展，頓時又是柳暗花明。

平心而論，演出雖以「登高指南」為名，但多是意境連結，並不見得那麼緊扣題旨──如節目單所言，「主唱阿喬親身走過的山徑，滲入其他成員對應的敘事感受，以音樂敬謝大自然並鍛鍊閱聽人的想像力，在靠近山的同時，投射出每個人心中不同階段的不同高度，猶如每座山都有著無可取代的價值與高度，有所求卻也愈見自我懷疑」——辯證關係並未真能顯現，更像是藉由山林啟發的創作，又再訴諸個人主觀感受。風與氣息的瞬息萬變，於是成了最鮮明的山林印記。

春麵樂隊此次演出除了原班人馬，另加入鋼琴羅妍婷（另擔任編曲與和聲）、打擊張幼欣（另擔任和聲），以及來自韓國的低音提琴李東熙，並由蕭賀碩擔任音樂總監，邀請徐堰鈴以導演身分參與。擴大樂器編制，讓音樂表現更為豐富；但外加的劇場元素，並未使得演出過度複雜而失焦，反而更能貼近演奏者特質以展現自我。燈光、舞台簡單擺設、一點點律動和走位，都自然得幾乎沒發現其存在。倒是中場休息前，幾位演出者披著一片鋁箔布（或是類似質感的紙張）退場，飄動產生的窸窣聲響，再次召喚了風。

後現代登高指南（國家兩廳院提供 / 攝影湯詠茹 Deer Deer Tang）

春麵樂隊以客語為基底的音樂風格，是其作品一大特色（即使這好像超出了演出評論的範疇，更接近樂團本身的創作分析）。主唱賴予喬整場演出說著流利客語，在歌唱與話語間自由來去，毫無隔閡。有趣的是，傳統客家歌謠也有大部分源自山林，但經過世代之後，「山」的概念已有轉換，從日常生活居所到心靈寄託抑或內在突破之處。如今賴予喬的客語唱腔，也呈現了另一種有別於傳統的共鳴方式。此外，即便我的客語程度不佳，卻也能感受樂曲旋律、樂句鋪排，如何將歌詞咬字發揮至極致，自語言的基本聲韻單位，實驗各種發聲可能，接連串起了人聲與樂器、語言與音樂的關聯。

再回到原初的問題：音樂演出究竟為何要與劇場跨界？一公聲藝術《共振計畫：拍頻》與春麵樂隊《後現代登高指南》這兩個作品，或許並無法回答真正的原因，但它們卻都在過程中，擴展了音樂與聲音的向度。這樣的意義就已足夠。