2011年由何曉玫、盧健英共同策畫的「鈕扣計畫」已邁入第十年，英文名New Choreographer雖然指向編舞（家），但更大意義是讓台灣觀眾看見、認識很多旅外打拚的優秀舞者，這些舞者幾乎全數出自國內舞蹈科系，尤其是台北藝術大學（含藝術學院時期），或肄業即旅外，或高中、大學、研究所畢旅外。「讓舞者回家跳舞」這句話當年帶著些許辛酸，市場胃納過小的台灣產學失調，反促成台灣舞者「發跡」歐美。如今「就業」景況並不見得改善多少，但「鈕扣」帶回來的舞者愈發簇亮、新鮮，彷彿旅外已成台灣舞蹈畢業生命定選項之一。也多虧「鈕扣」，讓台灣觀眾的目光從舞團、編舞家，落實回到舞者身上，連同今年，十年來共計二十九位舞者回台演出，而她／他們的旅外光譜主要落在歐洲，其次北美，少數駐旅亞洲。

多年旅外，返台的台灣籍舞者對台灣觀眾而言必然陌生，過去多年，「鈕扣」召回舞者單打獨鬥上場，2015年開始邀請夥伴同行，今年更大變革是，讓旅外舞者與台灣舞者共同演出，在這次《雙排扣》系列，台灣觀眾熟悉的四位編舞／舞者與四位旅外編舞／舞者共同發展小品，長度僅有二十餘分鐘，策展人何曉玫並強調「未完成」，希望介於乍熟還生狀態，保留作品的開放性。實則，今年《雙排扣》主題：自由／不自由／被自由，起念於今年橫掃全球的新冠肺炎，四組配對舞者有的無法返台，有的無法離台，疏與近之間，演出也在照辦與不辦之間拉扯，地球球面彷彿成了一面凹凸鏡，一切都已變形。也是在此氛圍下，四組作品扭結了原本異地而處的舞者身體，一旁張牙舞爪的病毒翳影也無形地揉進了作品裡。

舞作由何曉玫與共同製作單位曉劇場鍾伯淵雙主持開始，概念上自稱是講座式展演（lecture performance），但實則更像舞者介紹，與演出交叉進行。第一組〈發酵中〉是旅英舞者林燕卿與前雲門舞者周章佞。林燕卿曾於2015年以阿喀郎舞團舞者身份返台參加「鈕扣」，今年初於周書毅策展的「靜觀未來」身體影像展推出〈斷〉。林燕卿強大的身體敘事透過多層包覆全身塑膠膜並穿脫，金屬色澤與機器人般的靜止動作，加上厚重的噪音與重低音背景，科幻感與原始主義交揉，尤其最後一幕脫裸全身逼近觀眾，不得不讓人注視到她的身體強烈的存在感。相對之下，浸淫雲門太極身段二十餘年的周章佞，以優雅柔曼身形，跳著彷若白蛇、民族舞式舞姿，幾乎與林燕卿「平行時空」互不隸屬，這種反差格格不入，一時難以撐起有意義的認識。但積極來說，兩人完全異質的質性，說明了舞者性格與淘養如何形塑於身體，周章佞刻意選用姚莉演唱的〈人生就是戲〉，以擎傘的高懸手臂與畫出狐步的黑色高跟鞋吸引觀眾注意，在這段稍長的段落後，終於來到掉落高跟鞋、露出長黑風衣底下的緊身旗袍。兩人掙脫「外縛」，袒露「內在自由」，至少在最後一刻，兩位舞者如兩極交會，電光石火，仍能擊中強烈想要擁有自我的欲望。

第二組〈遺室〉由旅美的洪綵希與台灣許程崴組成，兩人原來是大學同班，但在主持介紹中，才知兩人根本不熟，鮮少講話、也未合作。不可思議的陌生感，透過兩舞者幽默對答，又加上一快一慢的個性質地，讓人對即將展開的演出充滿興味。果然，這組作品幾近完熟，從洪綵希紐約住處浴缸發展的意象，〈遺室〉繞著空間感打轉，先是許程崴以不同節奏的身體流動填充了演出舞台空間，兩人像疊影相互穿梭。在鋼琴聲配樂加入後，洪綵希改以雙人舞編排，不斷靠近、跳上、滾落許程崴身上，從動力來看，許程崴擅長的接觸即興剛好承接了洪綵希變換不同重心的身體重量。洪經常以手勢動作延伸身體線條，但迅即又讓身體呈駝弓、斷頸狀，下半段由她主導的空間範感，對比上半段許程崴的流動，空間成了有機織體，在膨脹、促縮間，愉快地呼吸著，也留下兩人美麗身影。

第二場也是第三組夥伴是台灣林祐如與旅韓芭蕾舞者梁世懷，作品名稱〈生活紀錄〉，是最接近以新冠病毐命題的嘗試。舞作前二分之一都在講話，林祐如在觀眾面前，與在韓國首爾透過視訊直播的梁世懷對話。梁世懷因韓國疫情已休假數月，在當晚前夕，又傳出新一波疫情，顯然，見不到盡頭的表演產業正嚴重打擊熱愛芭蕾的他。而在台灣，看似無大礙的表藝活動，也曾干擾過藝文工作者，林祐如自問自答說，全球的災難從各式媒介裡傳來，生活依然如一嗎?舞照跳、馬照跑?她拋出的提問，在後半段發展出兩幕演出，螢幕裡在韓國的梁世懷在一面白板前，不斷地拉長手腿、擺出各種舞姿，頻繁地動著身體，在前述對話背景下，不計一切仍「繼續跳舞」的寓意相當明顯。相對地，林祐如消失後再出現，身上背著大地球儀、水罐、求生包，啃著一只蘋果，拉出邊際線繫縛著一個道具船，雖然悠閒彷若明信片海灘照，但在前述語境下，「停止跳舞」的癥候已然成形，她實則已成全球化下逃難的一員，如常的生活已成明信片般謊言，就在她摘下耳機離去，寂靜的舞台才出現耳機裡不明聲音。世界被阻隔了，無論如何繼續活著，採取不同態度，〈生活紀錄〉的身體訴說的是不自由，即令你能動，但隨時讓人殭死如沙灘上乾涸的蠕蟲，大概是舞作悲觀訊息。

最後一組台灣蘇品文與旅歐董柏霖合作的〈阿媚仔與珍姐〉，名稱來自兩人對母親的嫟稱，舞作也以母子關係出發編排。一開始就是歌，梅艷芳〈女人花〉似明若暗的聲音，頗有情思，又帶有卡拉ok的菜市仔味，蘇品文與董柏霖雙人造像，有時男在女肚上，有時女在男跨下，有時跪姿，有時互抱，猜不透的身體關係憑添想像。後續，蘇品文開始從董柏霖全身衣著各處，「尋獲」多張紙條，寫著「媽媽像⋯⋯」，「媽媽曾經⋯⋯」如何如何，依憑線索，又有各種擬態。蘇品文發動全身造型靈活，處於被動的董柏霖雖然多數靜止或不出芭蕾現代舞姿，但歌曲轉換為〈1974〉，是他為自己生命開始而寫的歌，兩人開始朝向雙人舞抽換重心，大幅移動與旋擰。最後，董柏霖站在上舞台，獨自一人高聲唱著英文歌〈What’s up〉，嗓音、情感都具有專業架式，原來他已是唱片公司簽約歌手，依偎著母親長大的男孩顯然已找到自己天空。

為期兩天的《雙排扣》，各演兩場，在短小篇幅裡，究竟的不是成品完美與否，而是熟悉的台灣舞者帶著觀眾親近另一位曾經遠距的台灣舞者。相仿或異趣的氣味，讓人讀到舞者身體傳達的訊息，也許是浸濡過異鄉風土的層次，也許是台灣慣愛的直白敘事體，在主持串場下，這四場演出竟如病毒世界裡暫時讓人遺忘痛楚的新樂園，因為，眼前可觸可感的真實身體，在烏梅劇院窄隘的空間裡，親密的兩人組帶來親近的聯覺，即令如沙地畫稍縱即逝，她／他們願意交換與理解，如同觀眾，也交換進入了這場自由？不自由？被自由的親密約會。