《魔笛》由於具有童話色彩（其實骨子裡是反童話），所以經常被處理得熱鬧花俏，尤其常被改編成兒童劇。一開始就有噴火巨龍，後面還有三道試煉（包括水與火），太陽與黑夜的爭鬥，夜之后的兩段花腔更是膾炙人口。

彼得．布魯克（Peter Brook）的《魔笛》與原劇名不同，其實是《一支魔笛》，意味著這不是原始的「那支魔笛」，而是選擇之一。迥異於原始歌劇變化多端的場景與氣氛，布魯克的編制只有一台鋼琴，演員在更自由的速度調控下，無須嘶吼，觀眾便可清晰聽見歌聲的細膩情感轉折。不但樂團削減，劇中角色也刪去不少，歌隊不見了，三侍女不見了，三天使也不見了，甚至噴火惡龍也只剩一根竹棍。

演員的服裝十分素樸，彼此之間幾無差別，只靠言行建立角色形象。場景依賴舞台上的一群竹竿建立，不管是荒野、牢籠、地道、神殿內外，挪動幾根竹竿，便可以示意出來。沒錯，「示意」不但是這次舞台裝置的重要觀念，也是布魯克對於表演的主要策略。觀眾看不見實體，反而被催動想像，像小孩玩家家酒遊戲，在空蕩蕩的舞台上，看見了不存在的事物。

這和商業劇場熱中追求的機關布景奇觀，當然大異其趣。置之死地而後生，回歸到表演的重心，也就是演員。演員負責一切陳設的更動、角色的變化、情節的推展，一切的成敗，都在演員身上。《魔笛》的演員，好整以暇，不疾不徐，從頭到尾都似帶著一絲莞爾、一點會心，從容地完成了這個故事。所有的性格塑造都不走極端，夜之后從凌厲的女王，還原成失落的母親；連色膽包天的警衛，也在聆聽魔鈴後的獨唱中，變得醉意可掬得俏皮起來。

當然也可以說他們的詮釋太溫吞，衝突太陽光，輕輕一觸，就雨過天青。沒有人激動過，即使劇中有兩個尋死場景。布魯克玩的是樂高遊戲，不是躲避球。退休前的布魯克眼中的「人性」，不像憤世嫉俗的莫札特，反而更接近莎翁的《暴風雨》，選擇高高舉起、輕輕放下，用寬諒的眼光面對紛爭與仇怨。這種情懷，和全劇的簡約美學，可以說相輔相成。去掉了布景服裝、樂團編制，也去掉了世界的重量。雖然一點都不像大家習見的熱鬧兒童劇，但卻讓觀眾安安靜靜地一起跟著返老還童，願意相信純真與善良仍然統御世界。當最後魔笛不見時，觀眾其實都知道是被演員順手藏起來，但還是願意跟著演員的眼神，相信它是在空氣中消失了。布魯克展現了劇場可以和觀眾共構魔法的能力。然而，迷人的是劇場手法，而不是手法所展現的那個後面的真實世界。