維也納愛樂管弦樂團（以下簡稱「維也納愛樂」）是台灣解除境外隔離政策後，第一組造訪的國際級交響樂團。這次來台準備了兩套曲目，交互組成四場演出。職業交響樂團的跨國巡迴要能成行，必須有許多不可或缺的要素同時發生，包括檔期、贊助、差旅安排、政府政策等等缺一不可。對筆者而言，看見許久不見的歐洲職業樂團再次來到台灣的舞台上，連同定音鼓等巨型樂器都一同空運到眼前，除了感到不可思議，內心也相當激動。

金字招牌，卻流暢地彷彿失去百年重量

筆者聆聽的場次為台北場的第二套曲目，由華格納的最後一部歌劇《帕西法爾》序曲開頭。有別於華格納熱門的音樂會序曲（如《紐倫堡的名歌手》或是《唐懷瑟》），《帕西法爾》序曲的音樂氛圍，維持一種煙霧瀰漫的氣氛。而維也納愛樂的演奏，也輕盈地將聲響擺上雲霧頂端，令全場觀眾全神貫注，屏息尋找如煙如絲的音樂源頭。樂團的銅管聲部，在本曲展現了輕聲起音的高超技巧，低音銅管也奏出如同管風琴般的聲響效果，反倒是木管聲部的靈活度略顯不足，指揮魏瑟-莫斯特在樂曲當中幾個全然寂靜的時刻，未將力量集中延續至下一段開頭，也頗為可惜。

不過，魏瑟-莫斯特將《帕西法爾》序曲的收尾，巧妙且毫無接縫地與史特勞斯的交響詩《死與淨化》連在一起。《死與淨化》雖然是史特勞斯的早期作品，但音樂相當複雜，演奏難度頗高，由歐洲一流樂團來演奏，的確會有不同凡響的效果，特別是維也納愛樂擁有上百年演奏理查．史特勞斯傳統。樂曲一開頭，各聲部皆呈現獨立且斑斕的色彩，然而當樂曲往後發展，樂團就猶如水墨畫一般，在同一個色調上，顏色相互調和，產生極美的暈染效果。樂曲前半，樂團完全不以巨大聲響取勝，反而做出小且靜的細微變化，聲部之間有拉扯也有配合，指揮則給予聽眾足夠的時間來感受聲響及顏色效果的變化。樂團的演奏將整體氣場醞釀得很好，音樂中也有無止盡的蔓延感，而推波助瀾之際，又不經意地把觀眾送上感官的高點。當全體團員用盡全力演奏強音樂段，弦樂賣力運弓往死裡拉，所呈現的聲響與畫面，應可算是人類文明的奇觀。

下半場的德弗札克《第七號交響曲》，樂團第一樂章呈現相當直接且自然的演奏，木管聲部整體而言過於直白，長笛與雙簧管甚至有些生硬；魏瑟-莫斯特的詮釋，一如筆者印象中的行雲流水，但對於層次堆疊少了一分功夫。第二樂章平心而論其實音樂並不集中，但弦樂聲部的表現還是保持了一定水準，包括大提琴的極弱音演奏，和弦樂齊奏時運弓的輕與重，也展現了亞洲樂團少能聽見的流動效果。至於第三樂章的音樂處理並非高明，有相當高的可預期性，趣味性便略顯失色，長笛幾乎沒有抖音的直白演奏，使得音樂的刺激感皆大打折扣。到了第四樂章，樂曲本身就相當豐富，而維也納愛樂的演奏也的確如煙火般燦爛，魏瑟-莫斯特也一如既往地詮釋，行雲流水地走完全曲。

這次的安可曲準備了約瑟夫・史特勞斯的《金翅雀》圓舞曲以及與愛德華・史特勞斯的《誰來跳舞》波卡舞曲。維也納愛樂除了流暢的演奏之外，卯足全力且增添了一份特有的神韻，甚至覺得多了兩分更認真的態度。

用一流演奏刺激鑑賞力，才是天團可貴之處

本場音樂會為筆者第四次聆聽魏瑟-莫斯特與維也納愛樂的攜手演出，其餘三次包括兩場歌劇與一場音樂會。演出歌劇時，魏瑟-莫斯特能讓樂團非常貼合歌手，整體音樂的呼吸感與戲劇張力都非常好。對於音樂會的印象，則是呈現相當（甚至可以說是過度）流暢的詮釋，儘管行雲流水卻總覺得少了音樂的重量，反倒多了一分草率的感覺。特別是在快板樂章，音樂無法落地，漂浮在半空中，使得這個百年樂團只有照著音樂的既有句法，來呈現起、承、轉、合，但應有的聲響重量、由歷代指揮大師塑形的頂級樂團聲響，以及透過掌控力呈現極具個人風采的音樂特色，則沒有被完全呈現出來，令筆者覺得相當可惜。

「耳濡目染」在藝術欣賞裡佔了很大一塊比重。當觀眾對好的音色、好的演奏、好的詮釋有經驗時，才可以辨明自己所聽見的演奏，是否可以被同樣地檢視？其音色、句法使用差別在哪裡？文字與口語傳遞的藝術評論，僅止於參與當下的觀眾可以心領神會。當本地的聽眾、音樂家都不斷地被一流的演奏刺激，便會對自身演奏或是舞台上的本地演出者有不一樣的要求。天團下回再訪時，我們便可以平心而論地討論，而非一股腦地照單全收。