演出團體：河床劇團

時間：2014/06/08
 14:30

地點：華山1914文創園區四連棟

文 謝東寧（特約評論人）

觀賞河床劇團郭文泰的「意象劇場」作品，像是進入了超現實畫作中，如夢境（儀式）般，緩慢中帶著異常的日常景象演出，挑動著觀眾深層私密的內在情感，讓班雅明(Walter Benjamin)之靈光(aura)再現。這也難怪郭文泰早期作品，就是限制少量觀眾進場，甚至到了「開房間」後，一次只演給一個觀眾看；我認為這種規模，是河床演出最迷人的時刻，既然要進入私密情感（夢境），當然無法與他人（觀眾）共享。

可是每次看河床在超過一定觀眾數量的劇場中演出，總覺得是另外一回事，無論舞台佈置得多漂亮、機關設計得多巧妙、演員多麼地存在當下，卻再也召不回如《不會有人受傷》（2013）之汽車黑暗駕駛座（唯一觀眾席）上，那身體自動繳械、心靈（感官）完全進入情境的深刻觀賞經驗。但這才是郭文泰在「華格納革命指環」《萊茵黃金》的第一個考驗──身體與空間的關係；再來的考驗才是，如何將過去抽象、詩意之劇場風格，放在華格納有故事情節、具革命企圖的「總體劇場」歌劇中，寫意或寫實的表現。

我想，當導演郭文泰接下這齣戲時，想必已思考過這些問題，所以他改變以往創作策略，選擇了回到傳統「歌劇」的形式，特別從美國找來作曲家John Rommereim創作全本音樂，並與台灣的大提琴手賴立文現場演奏，加上六位歌劇演員，來支撐作品的音樂部分，河床過去的作品並非沒有現場音樂，只是這次將之成為作品的主要形式。

舞台上的布景及視覺，依舊保持河床以往作品的高度精緻風格，在家庭房間的擺設中，神秘地揭開了地上、地下、畫框、房間之一個又一個的框（畫面），在音樂的進行中，展現在有限空間之中的無限變化（意識之下的潛意義），別出心裁地將這個從北歐森林神話傳說中，所改編的《尼貝龍指環》首部曲（前夕）《萊茵黃金》，其所隱喻的「民族」象徵，擺進一個郭文泰最擅長處理的「家庭」之中。這個家庭來了七個外國人（包括一個義大利演員），數量上超過了只有五位的本地演員（造型卻是西洋），也就是說，導演並無意圖將故事及故事的指涉，與當下這個時空有所連結，我們聽大部分是英文、德文的歌曲，完全沒有字幕，加上角色錯亂，也很難真的將原故事人物，與舞台上角色對號入座。不過，故事的主要意象卻是清楚的，金色指環的搶奪以及血的意象（黑衣紅領巾的阿貝利希、白裙子染血的弗萊亞）。

故事難以辨別是因為，導演想要營造「意象」大於敘事，所以故事中的同一個角色，可能是讓不同的演員扮演，譬如鋼琴演奏者出來唱侏儒角色的歌，但黑衣紅領巾的演員是一開始出現河邊的侏儒，故事中第一個搶得了指環的侏儒，也是短髮連身黑長裙女演員，所以，同一個侏儒角色，至少三個演員扮演，於是觀眾當然會在這其中迷路，並且角色及其情感也無法累積、延續。回想當我們看歌劇之時，無論何種風格，角色至少都是固定地讓可以觀眾投射，但這裡卻出現了扞格，還是要回到前面的提問，要如何將原來的故事（德國）「情節」嵌入郭文泰的（美國）家庭「意象」，並且與本地（台灣）觀眾對話呢？

正如這個藝術節的命題「華格納革命指環」，對於經驗豐富、風格成熟的導演郭文泰而言，華格納的作品正好是一個「革命」的自我挑戰，如何在擅長的導演手法上，創造更豐富的題材處理能力。很可惜，導演用了一種較保守的策略，雖然畫面構成與處理精緻，現場音樂表現不俗，演員表演也都到位，但純熟的技術之外，最重要對於《萊茵黃金》的藝術想像，如果其想像最多只到融合後現代劇場導演羅伯‧威爾森，風格式的歌劇導演路線，那自然會陷入諸多細節難以整合的困境。而對於以上問題的提出，也正是河床在美術館空間之外，返回劇場所必須面對的考驗。