臺中國家歌劇院於去年正式開幕，選擇用四年的時間，完整呈現華格納的樂劇《尼貝龍指環》（Der Ring des Nibelungen）。繼去年的《萊茵黃金》(請參考筆者評論《歌劇院的誕生，人的命運寓言》一文，刊載於表演藝術評論台)，今年再度由呂紹嘉指揮國家交響樂團(NSO)，引進拉夫拉前衛劇團（La Fura dels Baus）及西班牙瓦倫西亞蘇菲亞皇后劇院、義大利佛羅倫斯五月音樂節共同製作的《女武神》（Die Walküre）版本。若沒有意外，明後年便可在歌劇院看到相同版本的《齊格飛》、《諸神黃昏》。有趣的是，台灣唯一一次演出全本《指環》的樂團就是國家交響樂團（2006年音樂會形式演出，簡文彬指揮），2013年該團的歌劇製作也選擇了《女武神》，由呂紹嘉指揮，那次演出可以算是《女武神》以完整戲劇形式在台灣的首度呈現。四年後，同樣樂團、同樣指揮與部分相同歌者再度上演這部作品，不同的主辦方及不同的製作團隊，使得近期的這兩次演出有著值得加以討論、比較的地方。

相較於2013年NSO的自製，這次歌劇院引進拉夫拉前衛劇團的版本，不論在規模、資金的投入等都較四年前龐大，兩次演出的成果也各有特色：2013年導演Hans-Peter Lehmann是以較傳統、規矩的形式呈現，這次演出的版本則是由導演卡盧斯．帕德利薩 （Carlus Padrissa）指導，是個現代、前衛，融合特技、科技等多元素的現代版歌劇。關於帕德利薩這樣一個有創意、十分實驗性的作品，請容筆者於文末再進行討論，文章前半筆者欲先從樂團、聲樂家的表現切入此次演出，畢竟音樂才是整個《指環》最重要的主角。聆聽華格納的歌劇，交響樂團往往是最重要的，其重要性甚至遠超過聲樂。華格納細膩的管弦樂法，讓樂團呈現出許多特殊的效果，「管絃樂會演戲，讓管弦樂演戲」【1】這個道理同樣可以在華格納的歌劇上得到應證。在沒有人聲加入的樂段時，管弦樂團往往已經做出了深刻的烘托、描繪，並表現出極大的戲劇張力。

當晚演出讓人感到可惜的是，呂紹嘉指揮下的國家交響樂團，從第一幕前奏曲開始便產生了力度不足的問題，而顯得虛弱、渙散，許多雄渾、激烈的場面似乎處理的太「輕」，有些不慍不火、船過水無痕之感。加上臺中國家歌劇院本身非常不理想的音樂效果—乾澀的傳聲、樂池的反響等，使得上述問題更為嚴重。第一幕之後樂團在聲音上有逐漸地開展，不過或許是指揮呂紹嘉的詮釋走向，偏向於突顯劇中抒情、細膩的一面，而使得一些總奏（Tutti）的段落未能呈現出應有的效果。不過呂紹嘉細膩、抒情的特色，在第二幕後半、齊格蒙與布倫希德唱出的一段宣告死亡的音樂，在這裡樂團配合著歌者，便很成功的將整個氣氛，巧妙、精緻的呈現出來。第三幕布倫希德與佛旦彼此間的情緒轉折，到最後著名的〈佛旦的告別〉，呂紹嘉便有著精彩的發揮空間，也帶動了樂團做了強大的情緒渲染。

除了指揮在大場面的部分可能可以有更好的控制外，國家交響樂團在演奏這樣一首不是很容易且相當龐雜的作品時，發生了一些技術上的問題。第一幕由小號吹奏出的寶劍動機出現了滑音的狀況而「放炮」了；第三幕前奏曲銅管低音聲部產生了跟不上拍子、偏慢的問題。法國號、長號在這部作品中相當吃重，以第三天的演出狀況而論，雖偶爾出現音準、音色的問題，整體來說仍可算是平穩的，筆者認為或許可在音色、層次上做更多的變化。弦樂聲響乾澀，筆者將原因歸咎於劇院樂池的反響問題，包括第一幕開頭獨奏的中提琴，以及大提琴聲部的加入等，因為先天聲響效果不佳的設計，使得音樂缺少了共鳴。筆者以為，歌劇院的音響效果仍然是待解決的問題，如何在原有的建築基礎上做聲響的調整，或許是要從長計議的。

相較於四年前國家交響樂團的製作，此次演出除了八位女武神由國人擔綱外，其餘角色一律由外國歌者擔任。最令筆者感到驚艷的應是飾唱佛旦(Wotan)的尤卡・拉斯勒能（Jukka Rasilainen）。延續著去年於歌劇院《萊茵黃金》中出色的演唱，這次在《女武神》中，尤卡的低音域音色有著充分的共鳴，冷靜、沉著的演唱特質，在第二幕〈佛旦的獨白〉中具現了善於用計、老謀深算卻又坐困愁城的角色形象。尤卡充滿智慧的演唱，在第三幕的告別段落也特別精彩，節制的情感與溫暖的音色，筆者認為成功的表現出佛旦的心理狀態。值得討論的是，筆者認為或許第三幕後半，佛旦從冷酷、憤怒，將布倫希德鎖於無防備沉睡中的嚴酷處罰，到後來轉變成答應將烈火升起、並唱出「再見了你這勇敢的女孩」，這裡的情緒轉換或許在戲劇的表現上能夠有更明顯的提示。

飾唱渾丁（Hunding）的男低音安迪亞．席維斯特利（Andrea Silvestrelli，於去年《萊茵黃金》中演唱法夫納Fafner），其演唱同樣令筆者激賞。宏亮的聲音與飽滿的音色，演唱時是放鬆、靈活的，配合著優異的戲劇表現，不愧是當今十分著名的男低音。演唱齊格蒙（Siegmund）的賽門．歐尼爾（Simon O'Neill）有著深厚的演唱功力，所有困難的技巧都能處裡的游刃有餘。像是第一幕後半，有一段齊格蒙兩次高呼父親的名字「威瑟！」【2】，第一次的降G音與第二次的還原G音上方都有一個延長記號，這段音樂十分考驗著演唱者的技巧。當晚賽門因戲劇需要躺著、趴著演唱，卻還能將這長音維持住，並且保持了音色、音量的穩定性，由此足可見其演唱之功力。不過賽門明亮的高音與清亮的音色，似乎不適合齊格蒙這位悲劇性的人物。筆者想像中齊格蒙的音色應該要稍微往內收一些，是滄桑、歷經苦難的，當晚聆聽賽門的演唱，似乎無法令聽者感受到飽受磨難、勞其筋骨的齊格蒙。筆者認為這應是選角的問題，如果賽門演唱「齊格飛」（Siegfried），那定是精彩絕倫的詮釋。

演唱齊格琳德（Sieglinde）的安雅．坎培（Anja Kampe）是臨時替換的歌者。原本的歌手由於健康因素臨改為安雅替補，這位德國女高音雖然在第一幕開始時狀況不佳—一度對於歌詞猶豫、音準的失誤等，不過在第一幕後半已逐漸進入佳境，也終於回到了安雅應有的演唱水準。第二幕齊格琳德瘋狂、神經質的狀態，都被安雅成功的演唱出來。第三幕齊格琳先是悲觀求死，後得知腹中有小孩，死灰復燃、重新振作的兩次心境轉換，安雅的詮釋是相當精彩的。演唱布倫希德（Brünnhilde）的美國女高音珍妮佛．威爾森（Jennifer Wilson），是此版本於瓦倫西亞蘇菲亞皇后劇院首演的歌手（2008年首演並發行DVD，由祖賓梅塔指揮），珍妮佛對於布倫希德這個角色可以說是駕輕就熟。可惜的是珍妮佛當天的演唱不在最好的狀況內，尤其唱到第三幕時一度發生了音準偏移的問題，音量也跟著減弱。筆者得知當天珍妮佛身體微恙，抱病上場，因此我們不應該過於苛責，畢竟她當天的演唱已在水平之上了。

演唱佛麗卡（Fricka）的次女高音傑米．巴頓（Jamie Barton），早已是樂壇上炙手可熱的聲樂家，當天傑米的演唱將複雜的旋律線條與音樂織度理的有條不紊，充足的音量、充分的頭腔共鳴等，應是值得國內歌者學習的。除了外國聲樂家精彩的演唱外，八位演唱女武神的台灣歌手也都拿出了最好的狀態呈現給聽者。筆者深刻體會到八位台灣歌手在準備、排練與演出上的努力，其中有幾位歌者的表現特別突出，演唱出紮實有力的吆喝聲，不過可惜的是在音量上有些歌者似乎有著先天上的限制，表現了音量上明顯的差異。不論如何，對於他們敬業認真的演出態度筆者仍要給與高度肯定。

導演卡盧斯．帕德利薩指導的這套《指環》，充分使用了投影、特技與機器，舞台後方兩片大型LED板大致上構成了最主要的布景。透過多媒體影像的投影，可處理許多場景上的轉換。機械手臂(機器人)的運用則是這套製作一貫的特色。第三幕前奏曲場景，藉由機器手臂的升起、移位，具現出女武神飛行般的姿態。隨著時代的改變，華格納的戲劇構想得以滿足於蓬勃發展的科技。最後布倫希德沉睡於魔法火焰的場景，由數十位黑衣人圍繞於圓形舞台邊，每人手拿著火把並依序將火把點燃，筆者個人十分欣賞這樣的設計。至於特技的部分，筆者則持保留態度，包括第二幕結尾高高掛於舞台上方的特技演員，以及第三幕前奏曲一群特技演員垂掛於擺盪的球體之上，這樣的安排無法提出有力的觀點說服觀者，相反的過多的特技使用則可能會淪於譁眾取寵。

筆者期待看到台灣有著更完備的歌劇演出制度，也期待未來能看到更多的主要角色由國內聲樂家來擔任。在期待國內歌劇環境養成的同時，觀眾的自身素養也應有所提升。筆者觀看的場次多次出現了觀眾的笑聲，甚至在第三幕前奏曲特技演員出現的段落便響起了熱烈的掌聲，筆者以為這些都是干擾音樂進行的，不應該因為製作呈現出有趣的畫面而直接笑出聲來。或許，多一些對音樂的真誠體悟，不只能在五個小時的歌劇中找到感動，同時也能避免「紅塑膠椅」這樣的事件發生。

註釋

1、白遼士(H. Berlioz，1803－1869)曾多次強調他的歌劇為「音樂會歌劇」，並說出了「管絃樂會演戲，讓管弦樂演戲」這句話。

2、請參考Dover版總譜第65頁，由齊格蒙唱出的兩次「Wälse」。