文　尹良豪（2025年度專案評論人）

第一次看到「單人實驗場＿Try Out」這個名稱時，我的目光便不自覺停留。在當前臺灣劇場主流多是大製作、編制完整、舞臺語彙明確的脈絡下，單人表演的形式雖不罕見——從王墨林的莎士比亞戲劇單人表演系列《祭典・馬克白》、三缺一劇團的《獨腳》Solo Play系列，到動見体劇團的《SOLO鏈結》，皆從不同美學維度探議個體性。然而，相對於這些具備品牌特色與資源的系列策展，《單人實驗場＿Try Out》這種在體制邊緣自發生成、帶有強烈「非制度化」實驗色彩的創作，在生存語境上顯得更具挑戰性。「單人」二字於此，不再只是策展標籤，而是一個創作者如何在有限資源下，以最純粹的形式呈現自己的故事。

走進藏身於大稻埕巷弄中的思劇場，窄陡的樓梯與常民街道僅一步之隔的寧靜，使這場演出的命名更為明確。小劇場貼身、尺度有限，創作者的每一次呼吸、每一個動作都被放大，觀者與表演之間的距離幾乎消弭。本文以筆者觀演的三件作品為例，它們與其說是演出，不如說是創作者將尚未安放的生命片段與真實獨白，帶入空間，邀觀眾共同呼吸、體驗。

從數學符號裡尋找愛的公式

《趨近於愛》以數學符號「趨近於」（≒）作為創作概念，陳姿卉以自彈自唱開場，融合現代舞與性感元素，並將象徵性的方程式置入表演，試圖將愛戀情緒理性化、符號化。在小劇場緊密的空間中，身體、聲音與符號同時承載敘事，迫使觀眾近距離面對創作者，形式的張力也因此被擴展。

然而，多重元素的交疊反而導致情感表達失焦，表演者在作品中從歌之、舞之、算之到真實獨白，匯聚豐富舞臺語彙，但過載的語彙反而稀釋了情緒的密度，當符號與運算的精準度凌駕於感性直覺，觀眾在目不暇給的轉場中，反而難以觸及創作者內核的情感。

反思，人在聆聽這樣的愛情故事時，需要什麼樣的同溫層才能引起共鳴？筆者以為，愛情作為最容易引發共鳴的題材，在此則被過度概念化、公式化，反而削弱了直擊心底的力量。

或許，若能在表現上適度聚斂，減少符號與多餘動線的干擾，讓情感流轉與身體節奏相連結，作品將更能打動觀者。即便如此，創作者面對愛這個難解題目的勇氣與實驗野心，仍透過多元素的交錯呈現了小劇場單人創作的可能性，留下尚未完全解開的張力與微妙的情感流露。

多年後，我依然能記得那如同雪，灰白的風景（李昀芷提供／攝影張倫輝）

真實如雪的自我回望

張家瑋的《多年後，我依然能記得那如同雪，灰白的風景》以自身生命、家庭關係與家鄉記憶為軸，採取一種安靜卻持續深入的獨白方式進行。他以穩定的語調梳理家業與政治立場之間的矛盾，讓觀者在小劇場的近距離空間裡，看見一段埋藏心底未曾直視的個人歷史正被重新攤開。

在極簡的佈置裡，臉盆中的水、新聞報紙、以及衣物轉化出的父親身影，都成為記憶的觸媒。一段他將臉沉入水面、以衣物營造病房裡的照護場景，這些行為不求戲劇張揚，而是以最直接的身體姿態讓記憶被看見，接著在道具、聲音與行為之間的連動，使這場獨白形成一種貼身的觀看結構。

作為善於書寫他人故事的劇作家，張家瑋在此將視線轉回自身。這份回望是誠懇的，帶著某種「不得不直視」的沉重契機。作品不以掀起情緒波瀾為主，而在於平實的細膩堆疊——如雪般緩慢落下，最終覆蓋記憶中的風景。創作呈現全以真誠的敘述、素樸的象徵和節制的身體語彙，使個人歷史得以被看見，同時也讓觀者在小劇場的緊密環境中，練習貼近一個陌生卻真實的靈魂——在安靜中體會時間累積的重量與生命的厚度。

日常的荒誕與微妙的自我觀照

周宸均的《我剛在爽而已》以最貼近現實的日常切入：兼職外送的經歷，不僅是劇場題材的亮點，更讓觀眾感受到日常與舞臺敘事的直接聯結。他以幽默、詼諧的方式鋪陳奔波於城市的片段：從尋找劇團演出道具的路途，到外送途中遇見的奇異風景與偶然邂逅，每一段都自帶輕盈而灑脫的敘事節奏。在這種表演設計下，生活的瑣碎、工作與夢想的拉扯，反而被轉化為富有節奏感的劇場敘事，使觀眾既能莞爾，又能感受到生活中的微妙張力。

我剛在爽而已（李昀芷提供／攝影張倫輝）

如作品中，創作者巧妙地利用空間與肢體，使觀者貼近他的視線與感受，尤其一幕他走上閣樓空間，坐於觀眾之上，遙望遠方的瞬間格外深刻：那深邃的凝視，穿透了劇場空間的物理限制，將生存的勞碌與藝術的浪漫在閣樓上完成了和解，映照出當代創作者斜槓生活的荒謬與詩意。這個畫面不只是視覺上的調度，更帶來情感上的能量，讓觀者在笑語與輕鬆外衣下，捕捉到一絲靜默而隱晦的期許與渴望。

最終，作品以輕鬆幽默的表演手法，呈現了現實與夢想交織的生活片段，將日常經驗轉化為身體實踐，同時也體現出單人創作者在小劇場條件下，如何以最直接的方式與觀眾建立共鳴。而這種貼近生活的呈現，讓觀者在不經意中感受到都市生活中的孤獨、焦慮與微小的溫暖。

給《單人實驗場＿Try Out》與臺灣小劇場的一封誠實回信

看完三件作品後，我最深的感受是它們共同透露出的臺灣小劇場現實。劇場界或許不缺乏「單人表演」的形式，但極其缺乏這種在非制度支持下、純粹由個體生存壓力催生出的原生動能。這些作品展現了一群無法單靠補助或品牌效應維生，卻仍於斜槓間隙中堅持創作的靈魂。本文所關注的價值，不在於單人表演形式本身的完整度，而在於這群創作者如何在資源稀薄的褶皺中，保有最原生的敘事動能。這種動能不同於成熟劇團，在既有背景資源下產出的作品，它更多了一份面對生活擠壓時的真誠與粗糙。

如果臺灣的小劇場環境欲維持其前衛的動能，這類「常態化的試驗場」便不僅是資源的補充，更是維持生態多樣性的生存條件。當我們不再單以結構的成熟度來衡量劇場價值，而是看見生命背景在空間中交會的瞬間，《單人實驗場＿Try Out》的意義便顯現出來：它將焦點重新交還給表演者最素樸的本質。而劇場的核心，從來不只是那些在聚光燈下的成熟品牌，更是這些在黑暗中努力點起一盞小燈的無名者——如果我們不為這類原生且非制度化的微光留出空間，劇場的生態系便可能在過度追求完整性的過程中，逐漸失去最原始的生命力。