劉亮延（東華大學藝術創意產業學系專案助理教授）

由瓦旦‧督喜擔任藝術總監，TAI身體劇場籌劃，今年邁入第二年的夠帶種藝術季，一次推出了五組新節目，演出全長近兩小時，主創者包括李偉雄〈我就是我（？）〉、朱克遠〈Sempu數〉、徐智文〈ＯＯＯ〉、盧宏文與曾恕涵〈喜歡你現在的樣子〉、國立東華大學原住民民族學院舞團〈文路Elu pntasan dqeras〉。演員平均年齡未達三十歲，全場瀰漫青春賀爾蒙，呈現出近幾年花蓮周邊年輕世代在表演藝術創作上的完整光譜。從自我認同、生死告別到競賽創作，他們的演出熱度，使人不禁追問起樂舞、當代以及表演等關鍵問題。

觀眾與觀光客

隨著「定目劇」一詞的譯介與地方政治化，花蓮縣文化局在有限的經費下，從三年前開始委託民間團隊製作原住民族歌舞劇，首檔推出了《邦查PangCah─黃金河之花》，政策目標希望達到創作劇目、劇場技術逐步在地化，朝向劇目共享，未來能開放給不同部落演出使用。公營單位將人文活動當成營造建設，其公共性之立意良善無從非議，即使對表藝產業之願景遠遠超越觀眾養成計畫，顯示出其觀眾之想像流於單一化，除了觀光客之外別無其他。使人不禁懷念起前輩林春瑛於1961年所締造的千人共舞紀錄，創造了阿美族人一夕之間由黑入紅的演出服飾，引起公眾廣泛迴響，也促使民間經營的「阿美文化村」於1967年開業。前後已近六十年，這一段關於文化差異展示的表演藝術歷史，究竟是逐漸朝向進步還是退步，族群意識是否提升了個體形構，還是回歸到語焉不詳的共同體或強國夢裡去？

反共抗俄之後的1960年代，表演藝術的創作發表沿襲了政令宣傳活動的習慣，排練演出是為了爭取榮譽，爭得獎牌便得以價值交換，進入權利資本社會。在那個脈絡中，演員表演給長官、賢達、評審、競技同儕看，一年比賽一次，逐漸形成另一套等同（或更慎重於）部落祭典的創作排練活動。台灣在當時上行下效推動國語運動，提倡國語話劇，限制歌仔戲演出劇目，全島從事表演的有志之士，不得不加入端正社會風氣的行列。台灣的「表演」、台灣的「身體」、台灣的「特色」在當時，都不是為了給普通台灣人看的。隨著社會經濟發展，觀眾養成逐步開展，使用者付費、進入劇場不能飲食拍照之文明價值觀在文建會後期開始產生影響，好不容易推廣到了後山花蓮與台東，但好景不常，當社區營造與地方節慶一拍即合後，看戲買票這件事，伴隨著已經老去的「阿美文化村」一去不復返。進步還是退步？誰該負責任？

因而台灣當代東部創作者，如今在面對政策性的「定目劇」這個願景時，如同又再一次面對職業化或業餘化的挑弄，羞怯尷尬。在這種羞怯的挑弄之中，由民間舞團自發策劃的「夠帶種藝術季」，有意重新界定觀光與觀眾的企圖，便特別值得探討。

有可能的當代身體展演

TAI身體劇場的相關創作者在這檔「夠帶種藝術季」中，共推出三組節目。究動作形式而言，可識別出該團發展多年「腳譜」方法的影響。三位編舞者通過手、足、軀幹、乃至道具，通過空間與數列的調度，重複強化其限定在規定節奏中的動作元素，並逐步逼近表演的儀式性。有趣之處在於，此一儀式性，當覆蓋上不同創作主體的生命敘事後，是得以逼使個體出現，抑或進入另一個集體無意識？不公義的困境、被壓迫的遭遇、生死的感悟，在現代舞蹈編創、以及現代舞團經營方興未艾的系統方法論的「現代化」訓練後，莫非是要指向一個古代源起之律法存有？反問，此一倫理的共同朝向，如何通過動作形式或敘事形式現身？這裡頭隱藏了某個模糊混種的全新機會嗎？相關問題應待TAI身體劇場的編創人員，通過日後更長篇的創作實踐來傳達，但在本場三組不同編舞者的作品中，已可見國內獨立舞團在多年創作發表與國際交流後，別於古典悲劇理論，創作主體之當代性的展現。

若就古典悲劇的存與棄而論，在這檔演出中，盧宏文與曾恕涵的共同創作呈現了殘酷幽默的修辭設計。盧宏文一身素白，白T白褲，恍若參加同志白色派對，通過震動、搖晃、蠕動自己的身體，從一片孤單寂寞的霓虹閃爍之中出場，奔跑接受主持人的男同志認同問答。他將一整桶充氣包裝的垃圾食物倒在地上，然後脫光剩一條內褲，面帶憤恨擠弄肥肉，直到雙唇吐沫發出裝可愛的無意識之音。接著在黃韻玲《喜歡你現在的樣子》歌曲中，把垃圾食物奮力塞到口中，並自答積極正面如「我一定可以成為更好的人」之語，直到嘔吐下場。盧宏文上半場的自我厭膩，並未表現出厭膩之主題，卻在最後志玲姊姊與小玲老師的幸福泡泡中，產生了間離效果，令觀眾不得不被迫厭棄這種積極向上的正面樂觀主義。其簡單的人物元素，有著更加繁複的修辭設計，自嘲變成逼迫，化作當代的兩難。

成立已超過十三年的東華大學原住民族學院舞團的壓軸節目《文路》，一共動用了四十二名學生，以舞蹈劇場的形式，呈現賽德克族紋面傳統的典故，針對此次邀演特別加入現代流行舞蹈，該舞碼在其他四組演出節目之中尤其引人注意。站在傳統必須守護、新創不受拘束的主流價值上，該團年年比賽掄獎，儼然已成為全台原民族舞團同儕，令人生畏之標竿。此次參演可想像該團在逐步發展出組織排練的穩定模式之後，近年開始受邀參加非競賽性與藝術節演出，其背後受到大學生對展演自主探索的動力。

誠然，若以民間團體運營發展而論，在台灣要擁有超過四十位訓練有素的演員進乎天方夜譚。也正是由於成本問題，TAI身體劇場才轉而在創作方法論上下手，儘可能用最少的人員去實現理論之框架與策略。而學院舞團藉由學生同質性所建立之表演主體，即使偏重在團隊榮譽感、工作紀律等面向，以致於創作意識發展相對保守緩慢。但若從無須考量獎補助體系與市場銷售等其特許的「學院」條件思考，或許有機會重新界定「學院式舞團」的可能與變化，乃至擴大學院疆域在創作、保存、傳習與反思運用的界線，作為大學社會責任更前緣的標竿。

藉由五組肢體性質之新作於花蓮新興民間藝文空間演出，使人反思到大學與社會隔絕之美好距離的必要，甚至感受到對於美好距離之各種對焦策略的創作，或許才具備更高的永續價值。尤其當今看似花東創作者已然走出文化獵奇的市場化框架，但某個幽靈仍徘徊在觀眾僅限觀光客的單一化想像之邊際。如此觀來，這年頭恐怕也只剩下這樣一個學院舞團，有能力挑戰更多元的顛癡想像與實驗計畫，去實現更加真實與動人的青春殘酷的當代性，去抵抗藝文治理下的現代化盲區。有一天，台灣劇場才能等來一個IP。

夠帶種藝術季（TAI身體劇場提供）