由英國合拍劇團（Complicité）藝術總監賽門・麥克伯尼（Simon McBurney）所執導、德國柏林列寧廣場劇院（Schaubühne）演員們所演繹的劇目《同情的罪》（Beware of Pity），改編自奧地利猶太裔作家史蒂芬・茨威格（Stefan Zweig）的原著小說《焦灼之心》，以同情來扣合，因同情而驅動，生成一段段難分難解的情愫糾葛及權力消長，同時融合了愛戀、新生、救贖、死亡等課題。特別的是，整場演出在集體創作、共同展演之下，以多聲道、多媒介、多層次的現代手法，將劇場回歸到最原初、最根本的敘事原型——一個講古和聽書的所在。

劇本主要聚焦於霍夫米勒及艾蒂絲兩人，講的不是一般的愛情故事，而是以同情為起點，探討情感本質及背後所反映出來的權力關係。主角霍夫米勒是一位中尉軍官，在某次舉辦於城堡裡的宴會中，邀請了城堡主人的女兒艾蒂絲跳舞，沒想到這女子雙腳癱瘓，因而對她心生愧疚，以及憐憫。霍夫米勒因同情所驅使的補償行動，促使艾蒂絲對其產生愛慕之情。這一連串接續、複雜的情感構成，成了劇情主軸，也成了全戲的推動力。同時，藉由諸多表現於性別、身體上的二元概念並置，如陽剛與陰柔，男人與女人，強者與弱者、完整與殘缺、正常與悖常等，衍生出以同情為出發點的權力關係，正如霍夫米勒所言：「當我付出同情，我就有控制他人的力量」，劇中表面上的情感交流，實則潛藏著宰制他人的欲望。這些概念並非截然對立，而是藉由同情與被同情者的關係發展不斷反轉、融合之下，不停產生辯證，層層迭起，將兩人關係從感情的層次抬升到了政治的層次。

如此情感多重交織的戲碼，透過麥克伯尼著重敘事感、語言性厚重的劇場手法，不僅轉譯了小說的語法，並且打破舞台幻覺，側重在場視聽體驗的劇場性，以說唸取代了扮演，以呈現（present）取代了再現（represent）。從一開始，麥克風架，譜架、桌椅、櫃子、衣服、花束、鋼琴等劇中道具就擺在舞台上，絲毫沒有要製造舞台幻覺的意圖，劇中諸多角色僅由七位演員演繹，場景快速轉變，聲光精準切換，每景沒有過多的舞臺動作，而是充滿言語說唸。

時而一人現場說書，與觀眾同處於戲劇框架外的全知觀點；時而表示劇中深具關鍵性的人物舉動或意念；時而霍夫米勒在對話時自我表述，但在表露心聲時卻透過另一演員言說，傳達主觀感受，也以第一人稱視角建構起其他人物特徵、環境細節、社會氛圍，有時又像是藉由他人之口來進行自我批判；時而角色聲身分離，如艾蒂絲，動作由演員本人的身體行動，聲音則由旁人配音、代言，加重了看似話語權被剝離的弱勢狀態；時而有旁人宛若歌隊般碎語、閒聊，談笑，時而有華爾滋等旋律響起，時而出現風雨、雷電等自然聲音，合奏共構出當下的周遭環境及空間氛圍；時而以多元的聲響效果，如回聲、噪音、雜訊、重拍，呈現出角色的多層心理節奏。整場下來，眾聲喧嘩，多音齊鳴，不僅構織成了一幅幅多重多彩的聲景（soundscape），將小說聽覺化，將聽覺立體化，也由台上演員共同出聲出力，散發出一股強大的集體創作能量。

在這樣的詮釋手法下，聽覺上像是廣播劇，但本質上又不是廣播劇。視覺上，這些篇幅並未把小說中所提及的場景打造重現，而是藉由角色之間關係的迅速建立，讓每個故事片段示意表現，同時以建構的過程揭露了故事虛構的本質，演員角色跳進跳出，藉此加強現場聽書的臨場感，使觀眾在場親睹整個故事如何被聽見、被看見，不讓人信以為真，而是讓人將一幕幕完整的真實以不同面貌建立於各自心中，如同閱讀小說一般。如此閱讀體驗從小說轉至舞台的手法十分高明，不僅保有閱聽趣味，又不失劇場性，甚至有時相輔相成，以劇場手法平行轉譯了小說技巧。例如，當霍夫米勒靠近沈睡中的艾莉絲，好奇地窺探其樣貌及身體，此時霍夫米勒所見所及透過多媒體投影在舞台上後方的背幕上，讓觀眾看見了此人的主觀畫面，完整呈現出了小說中第一人稱的口吻及視角，亦可視為現代科技敘事轉譯的巧思。

整場下來，每段畫面雖破碎、漂離，但以快、狠、準的節奏成形，毫不拖沓，推進有序，除了歸功於團隊默契及技術精湛之外，主要乃因每段皆承載著高張的人物情緒、豐富的戲劇性、強烈的渲染力，提供了聲響技術和情感表現一個良好的基礎，漸漸地，愈益加劇，持續攀升，幾度幾乎到了通俗劇的地步。趨近劇末，衣服一件件緩升，好似人體懸吊半空，天花板緩降，猶如天空崩塌，交互掩映出一股末日將至的壓迫感。這幅觸目驚心的畫面，意象鮮明，視聽強烈，戲劇性可說是達到了極致，不過，與整場聚焦於兩人關係權力消長的大多篇幅相較，這結尾及開場雖將背景與歷史連結，有意擴大戲中格局，然過程中少有鋪排，致使這最後的高潮反而顯得有些突轉。

整體來看，《同情的罪》最成功之處，乃在於其非常精煉地將敘事手法還給了敘事，將詮釋移回至想像，這表面上的形式感絕非只是在「玩形式」，重點仍是在穩扎穩打的故事建構。事實上，此戲看似新穎的形式並非創舉，手法上與美國近期幾個新興前衛劇場團體，如「電梯維修服務」（Elevator Repair Service）、「奧克拉荷馬自然劇團」（Nature Theater of Oklahoma）等，有諸多類似之處，尤其是作品取材來源、展演雜揉說唸，聲響科技應用等特點。這樣的敘事方向是否蔚為潮流，不得而知，但可以確認的是，這些所謂的前衛，從未為了形式而揚棄內容，而是不謀而合地，在前衛的表層底下，蘊藏著最根本的故事本質，回歸到了最古典的劇場體驗。