國藝會主導的「新人新視野」雖已邁入第六年，但我直到今年，而且是在幾位臉友的強力轉貼之下，才臨時決定進場，見識新人們的創作。

上半場，音樂背景的洪于雯意圖結合擊樂、舞蹈、戲劇等領域，開創新的音樂肢體劇場可能。一開始，並非由現場的擊樂敲開序幕，而是表演者依隨著預先的錄音，面向觀眾，行著猶如指揮的動作，手勢於微亮燈光的探照之中晃動，這是個帶點小小寂寞感的開場，即是洪于雯《Neverland》的第一場〈黑洞周圍〉。

第二場〈未竟之愛〉，音樂轉為現場配給，舞者同樣僅有一人，氛圍漸漸被激烈地攪動起來，起初仰躺床上的舞者慢慢起身，舞者與樂手分踞兩側，樂音與舞動卻有著彼此糾纏的關係，將第一場音、舞分離的結構推進一步。接著第三場〈盲目追尋〉與第四場〈就算我們從未著陸，也無需擔心……〉，舞者從一人增加為三人，敘事性與音樂節奏也愈見增強，似乎顯現創作者有意透過這種「漸進」的過程，逐漸讓觀眾有所體會。可能就是因為這樣顯得小心翼翼的結構，雖然音樂與肢體在作品裡面能夠交融，但也沒有讓人感到兩者嘗試互相超越的鬥爭感，也就少了一些勇於嘗試的力量。

李銘宸的《Dear All》則可用「混雜」來形容。從他的文本可以閱讀到影視、劇場、流行音樂、裝置藝術、達達等多領域的影子，但又甚麼都不能算是，這種「混雜」的情境同樣在他的調度語言出現。《Dear All》其實是比較接近鏡頭式的語言，但是由於又不是像我看過的一些作品一樣，只是帶著把「鏡頭」當成無盡分割場景的碎裂邏輯，導致戲不像戲。《Dear All》的「鏡頭」是把場面當成一個一個「焦點」來處理，但又維持某種戲劇的成分，讓不在場上的演員把台上人物需要的物件，以一種「故意趕時間」的節奏送到台上，恰好與角色正要進行的動作無縫接軌，這種很節奏感的調度玩法，同時賦予作品幽默感與荒謬感（如果玩得不夠開，也會很尷尬）。茶飲店、二手衣物店、家庭這些生活場景，一個接一個在創作者的眼裡閃成浮世，人若擁有將這浮世荒謬化的眼光，內裡可能也具有哀傷、早熟的抒情成分。

另一方面，這些上下道具的演員（很難定義他們在當下是有戲份還是沒有戲份），和他讓演員拿假Model小腿當話筒、外套當垮褲（因此出現演員下半身很大一包的情色感）等等這一類的調度，都像是「現成物」概念的實行。《Dear All》的時間性因而完全是當下性的，空間則被他用陋舊二手物件，看似隨機地堆積、推倒再堆積而來的手法，形成裝置藝術般的舞台。如果所有的藝術創作都避不了「時間」與「空間」的向度，《Dear All》表現出來是比較內縮，我想，這和我以為此作是用「焦點」取代「情節」，「鏡頭」取代「場景」的調度手法有些關係。

結尾原本使人錯愕。似乎是李銘宸本人吧，他上台演奏鋼琴，一下子破壞了前面花費八十分鐘左右建立起來的流利節奏，頗有可議之處。但散場以後我想起開場的畫面，那是十位演員背面緊圍成圈，手勾著彼此，然後逐漸鬆開的，從群居到個體的疏離過程。而此作的最後，竟又回到一個人莫名其妙上台，正經八百地演奏此前根本沒派上用場的那架鋼琴，首尾隱隱約約有些對應，但又讓人沒那麼確然。只能說，或許有另外的選項可以解釋這一段，但線索不一定藏在這一部作品，而是下一部。