驫舞劇場

第一番 2016/09/20 20:00  陳武康  Ｘ Porta Chiusa三人（瑞士）

第二番 2016/11/02 20:00  董怡芬 Ｘ 黃麒瑞

第三番 2016/12/07 20:00  周書毅 Ｘ 王榆鈞

第四番 2016/12/28 20:00 Shai Tamir（以色列） Ｘ  Yannick Dauby（法國）

地點：驫舞劇場排練場

文 白斐嵐（專案評論人）

我一直覺得驫舞劇場舞蹈與音樂即興計畫《混沌身響》【1】這名字取得真好。在人們認知的表演藝術三大類別中，音樂與舞蹈是在戲劇之外並不仰賴語言的藝術表現，而語言，通常正是混沌的終結。馬奎斯在《百年孤寂》裡是這麼說的：「世界太新，很多事物還沒有名字，必須伸手去指。」【2】在語言命名之前，我們的認知充滿了混沌，只能用身體與感官去接近、去體驗；卻也因為混沌，所以純粹，不須擔心語言轉換過程中意義的流失，能夠最直接地接觸到事物本質。然而，舞蹈與音樂的本質是什麼？他們是否有真能脫離語言而自由？事實上，儘管舞蹈與音樂不倚賴文字語言，卻早已各自發展出好幾套語彙邏輯，那些我們偶爾命名為敘事、形式、結構的東西。若是將這樣的語彙邏輯拆解到最小元素，不正是「身（身體）」與「響（聲響）」二者讓舞蹈之所以為舞蹈，音樂之所以為音樂嗎？

這麼說來，《混沌身響》究竟是什麼，倒像句大哉問：尚未被命名、尚未被定義、尚未建立規範的，自然享有全然的自由。同時它也極度單純，可以是六十分鐘指定時刻在表演空間發生的所有事情，只需專注於當下，不需顧慮那些自題目延伸出的哲學、音樂、身體學、聲音學等議題──這些留待觀眾自行發酵即可。《混沌身響》的規則很簡單，每一檔節目邀請舞者／樂手各一名（有時是一組團體）共同即興演出，主辦方（驫舞陳武康與卡到音即興樂團李世揚）希望──但不強制規定──雙方不要在演出前有任何討論，一切場上見招拆招。這些組合，有些像八竿子打不著，有些早已熟識；有些有即興背景，有些則無，還有一些在專業領域是即興老手，卻尚不習慣這樣的跨界演出。儘管各檔演出各自獨立，彼此毫無關聯，卻也因《混沌身響》本身命題的混沌開放性，讓系列作品成了一場接力賽，開始有了起承轉合。排在前面的成了領頭羊，小心翼翼但不過分謹慎地開展出各種可能性；晚登場的有了前例，像是有了參照的座標點，自然越玩越開，規模越來越大。當即興舞台即將要變成四維空間的大型裝置遊樂場後，何時物極必反，回歸基本盤，似乎是預料中的時間問題。而在寫作本文時，《混沌身響》第一季尚有兩檔節目尚未登場（共八檔節目），主辦方與所有參與者如何在一片混沌中，見證「身」、「響」之互動在繁簡間流轉的敘事結構，格外令人感到有趣。

為《混沌身響》打頭陣的，是陳武康與瑞士豎笛三重奏Porta Chiusa【3】。作為初試啼聲之作，大抵符合了觀眾對於「舞蹈」與「音樂」即興演出的想像：三位即興經驗豐富的豎笛家坐定樂手區，以音樂與場中的舞者陳武康互動。至第二檔舞者／編舞家董怡芬與小提琴家黃麒瑞的組合，「舞蹈」與「音樂」間壁壘分明的疆界進一步得到解放，舞者與樂手身分不再對立。即興初始，董怡芬試圖根據音樂質地找尋合適的動作方式，然而她隨即放棄被動角色，以身體碰觸、干擾樂手，甚至用自己的方式發出聲音。樂手也不再固守一方，純粹以樂音參與，而帶著樂器滿場跑。值得一提的是，兩人在過程中建立的關係，充滿著當下窮則變變則通的靈光乍現，隨機、不可預測，加上非得變出新花樣好讓演出繼續成立的企圖，為這場即興帶來好幾次柳暗花明又一村的驚喜（也成為第一季上半我個人最喜愛的節目）。在前半段，依稀可見雙方尚須用力找出即興的可能性，彼此試探、挑釁較勁；接著，兩人自然而然地發展出一套遊戲規則：黃麒瑞試圖演奏音樂，董怡芬則想盡辦法阻止。於是雙方在你來我往間，產生了各種動作，動作影響了聲音／演奏（坐著拉琴、跑動著拉琴、躺著拉琴、一人拿弓一人拉琴、沒弓了只好撥弦），動作也發出了更多聲音。甚至是最後，樂器已不在樂手身邊，只能躺在地上，把身體當樂器，繼續發出聲音。直到此刻，這兩人已不再以舞者、樂手身分表現舞蹈音樂，而成了媒介。在場上的事件像是有了自己的生命，牽引著兩人共同將其實現。

在前兩檔「基本款」後，隨後登場的三、四檔演出快速拓展各種可能性，規模也愈發複雜。其中一大突破，便是自音樂領域進一步跨入聲音藝術範疇（這自然也與主辦方安排的演出者背景脫不了關係，不過相較於聲響已從樂器、裝置，到電子錄音，舞者倒是始終堅持於其「不插電」之肉身）。周書毅與王榆鈞的組合，或許因兩人已是舊識，在風格調性上也顯得一致。舞台元素扣緊了弦／線的主題，既是王榆鈞拆解鋼琴的弦線，也是周書毅以個人經驗為靈感，在舞台上牽引、拉扯、穿梭的懸線。這場演出與其說是舞者與樂手的即興組合，更像是兩位表演者在與這巨大的裝置互動，帶著小道具如鈕扣、鼓刷、麥克風，以大動作、小動作演奏這佔滿整個舞台空間的樂器。透過麥克風收音的弦音，進入迴路，不斷循環堆疊，也讓聲音交織成一張綿密的網。不過，正因整體質性太過接近，少了些在混沌未知中奮戰摸索的張力，彷彿一切都是有備而來。如至後段，周書毅雖拿出剪刀將懸線一一剪去，破壞了先前營造的空間，但當他拿起剪刀放在琴弦上時，觀眾其實很明白他是剪不下手的。換句話說，遊戲規則早隨著懸／弦線安置妥當，穿梭自在，卻也沒什麼脫軌空間，反而讓混沌顯得踏實了（當然，即興也並非得總是膽戰心驚）。

2016年登場的最末檔，是以色列舞者Shai Tamir與法國聲音藝術家Yannick Dauby的組合。延續前一檔的大型裝置，此次更是將舞台運用得淋漓盡致。Yannick Dauby坐定一方，如第一檔的豎笛三重奏，然而他卻把散落四方的聲音裝置、音響、收音機都連接到他的座位，加上活動式滑輪，坐著不動就能控制聲音方位，讓聲音也能和身體一起在空間中遊走。Shai Tamir則不甘示弱地運用了每一寸空間，包括舞台後方的驫舞辦公室內部與上方。先是在全黑的辦公室帶著頭燈行動，最後更站上屋頂吹笛。在這場演出中，有三段特別令我印象深刻之處：相較於前三場，此場組合似乎更不懼怕靜止、安靜的時刻，並不積極製造新的事件，而得以安定享受片刻留白。而在中段，Yannick設定節拍器節奏與時鐘秒針「合奏」，兩者間有著極細微的時差，於是我們得以觀察這兩種速度如何在某個時刻交集並行，接著差距又逐漸擴大，等待下次相遇；同樣的概念也在Shai吹笛段落出現，Yannick同時調整著音高頻率，有時對到點，又瞬間偏離。這對我來說，正貼切形容了兩位演出者彼此的關係。此外，Yannick為演出準備的聲音素材極為豐富，隨時都有兩三軌聲音同步進行，有時似乎是預錄採集，有些則是現場聲音擴大。但這也讓我好奇著，驫舞劇團的排練場（特別在聽覺上）並非與外界徹底隔絕的黑盒子，演出時隔壁鄰居電視聲、街上車聲清晰無比。這些屬於「當下」的環境音，似與採集的聲音素材極為貼近，若是這些環境音也被當作是獨一無二的「限地（site-specific）」元素，不知又可玩出什麼面貌？

既然這世界有太多混沌事物，將其訴諸文字，怕也成了限制。然而，我們總得選擇用一種方式去手指混沌，無論是身體、聲音，或是文字。驫舞劇場的《混沌身響》持續進行中，這篇評論無意在此階段提出任何定論，只想作為觀察記錄，以文字參與混沌的摸索。

註釋

1、第一季共八場，此文提及為第一季上半場系列共四場。

2、此句為唐諾翻譯版本。

3、原定演出者為古名伸，因受傷而臨時由陳武康代打。另此場演出筆者因故並無現場觀看，而以錄影版取代，但因本文著重於系列觀察，因此依然在文中提及以作比較。